संगीत का इतिहास: जैज़। सार - जैज़ संगीत कला का एक रूप है जो 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में अफ्रीकी और यूरोपीय संस्कृतियों के संश्लेषण के परिणामस्वरूप संयुक्त राज्य अमेरिका में उत्पन्न हुआ और बाद में व्यापक हो गया - विविध जैज़ कला

जाज- विश्व संगीत संस्कृति में एक अनोखी घटना। इस बहुआयामी कला रूप की उत्पत्ति संयुक्त राज्य अमेरिका में सदी के अंत (19वीं और 20वीं) में हुई थी। जैज़ संगीत यूरोप और अफ्रीका की संस्कृतियों के दिमाग की उपज बन गया है, जो दुनिया के दो क्षेत्रों के रुझानों और रूपों का एक अनूठा मिश्रण है। इसके बाद, जैज़ संयुक्त राज्य अमेरिका से बाहर फैल गया और लगभग हर जगह लोकप्रिय हो गया। यह संगीत अफ्रीकी लोक गीतों, लय और शैलियों पर आधारित है। जैज़ की इस दिशा के विकास के इतिहास में, कई रूप और प्रकार ज्ञात हैं जो लय और हार्मोनिक्स के नए मॉडल में महारत हासिल होने के साथ सामने आए।

जैज़ के लक्षण

दो संगीत संस्कृतियों के संश्लेषण ने जैज़ को विश्व कला में एक मौलिक नई घटना बना दिया। इस नये संगीत की विशिष्ट विशेषताएं थीं:

• समन्वित लय बहुलय को जन्म देती है।
• संगीत की लयबद्ध धड़कन ही ताल है।
• ताल से जटिल विचलन - स्विंग।
• रचनाओं में लगातार सुधार.
• हार्मोनिक्स, लय और समय का खजाना।

जैज़ का आधार, विशेष रूप से विकास के पहले चरण में, एक विचारशील रूप के साथ संयुक्त सुधार था (उसी समय, रचना का रूप आवश्यक रूप से कहीं तय नहीं किया गया था)। और अफ्रीकी संगीत से इस नई शैली ने निम्नलिखित विशिष्ट विशेषताएं लीं:

• प्रत्येक वाद्य को एक ताल वाद्य के रूप में समझना।
• रचनाएँ प्रस्तुत करते समय लोकप्रिय संवादी स्वर।
• वाद्ययंत्र बजाते समय बातचीत की ऐसी ही नकल।

सामान्य तौर पर, जैज़ की सभी दिशाएँ अपनी-अपनी स्थानीय विशेषताओं से भिन्न होती हैं, और इसलिए ऐतिहासिक विकास के संदर्भ में उन पर विचार करना तर्कसंगत है।

जैज़, रैगटाइम का उद्भव (1880-1910)

ऐसा माना जाता है कि जैज़ की उत्पत्ति 18वीं शताब्दी में अफ्रीका से संयुक्त राज्य अमेरिका में लाए गए काले दासों के बीच हुई थी। चूंकि बंदी अफ्रीकियों का प्रतिनिधित्व किसी एक जनजाति द्वारा नहीं किया गया था, इसलिए उन्हें नई दुनिया में अपने रिश्तेदारों के साथ एक आम भाषा की तलाश करनी पड़ी। इस तरह के एकीकरण से अमेरिका में एकीकृत अफ्रीकी संस्कृति का उदय हुआ, जिसमें संगीत संस्कृति भी शामिल थी। इसके परिणामस्वरूप 1880 और 1890 के दशक तक पहला जैज़ संगीत सामने नहीं आया। यह शैली लोकप्रिय नृत्य संगीत की वैश्विक मांग से प्रेरित थी। चूंकि अफ्रीकी संगीत कला ऐसे लयबद्ध नृत्यों से भरपूर थी, इसलिए इसके आधार पर एक नई दिशा का जन्म हुआ। हजारों मध्यवर्गीय अमेरिकी, जो कुलीन शास्त्रीय नृत्य सीखने में असमर्थ थे, रैगटाइम पियानो पर नृत्य करने लगे। रैगटाइम ने जैज़ के कई भावी आधारों को संगीत में पेश किया। इस प्रकार, इस शैली के मुख्य प्रतिनिधि, स्कॉट जोप्लिन, "3 बनाम 4" तत्व (क्रमशः 3 और 4 इकाइयों के साथ क्रॉस-साउंडिंग लयबद्ध पैटर्न) के लेखक हैं।

न्यू ऑरलियन्स (1910-1920)

क्लासिक जैज़ बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में अमेरिका के दक्षिणी राज्यों और विशेष रूप से न्यू ऑरलियन्स में दिखाई दिया (जो तर्कसंगत है, क्योंकि यह दक्षिण में था कि दास व्यापार व्यापक था)।

अफ्रीकी और क्रियोल ऑर्केस्ट्रा ने यहां बजाया, रैगटाइम, ब्लूज़ और काले श्रमिकों के गीतों के प्रभाव में अपना संगीत तैयार किया। शहर में सैन्य बैंडों के कई संगीत वाद्ययंत्रों की उपस्थिति के बाद, शौकिया समूह दिखाई देने लगे। प्रसिद्ध न्यू ऑरलियन्स संगीतकार, अपने स्वयं के ऑर्केस्ट्रा के निर्माता, किंग ओलिवर भी स्व-सिखाए गए थे। जैज़ के इतिहास में एक महत्वपूर्ण तारीख 26 फरवरी, 1917 थी, जब ओरिजिनल डिक्सीलैंड जैज़ बैंड ने अपना पहला ग्रामोफोन रिकॉर्ड जारी किया था। शैली की मुख्य विशेषताएं न्यू ऑरलियन्स में निर्धारित की गईं: ताल वाद्ययंत्रों की ताल, उत्कृष्ट एकल, शब्दांशों के साथ स्वर सुधार - स्कैट।

शिकागो (1910-1920)

1920 के दशक में, जिसे क्लासिकिस्टों द्वारा "रोअरिंग ट्वेंटीज़" कहा जाता था, जैज़ संगीत धीरे-धीरे जन संस्कृति में प्रवेश कर गया, और "शर्मनाक" और "अशोभनीय" शीर्षक खो दिया। ऑर्केस्ट्रा रेस्तरां में प्रदर्शन करना शुरू कर देते हैं और दक्षिणी राज्यों से संयुक्त राज्य अमेरिका के अन्य हिस्सों में जाने लगते हैं। शिकागो देश के उत्तर में जैज़ का केंद्र बन जाता है, जहां संगीतकारों द्वारा मुफ्त रात्रिकालीन प्रदर्शन लोकप्रिय हो जाते हैं (ऐसे शो के दौरान लगातार सुधार और बाहरी एकल कलाकार होते थे)। संगीत की शैली में अधिक जटिल व्यवस्थाएँ दिखाई देती हैं। इस समय के जैज़ आइकन लुई आर्मस्ट्रांग थे, जो न्यू ऑरलियन्स से शिकागो चले गए। इसके बाद, दोनों शहरों की शैलियों को जैज़ संगीत की एक शैली - डिक्सीलैंड में संयोजित किया जाने लगा। इस शैली की मुख्य विशेषता सामूहिक सामूहिक सुधार थी, जिसने जैज़ के मुख्य विचार को पूर्णता तक पहुँचाया।

स्विंग और बड़े बैंड (1930-1940)

जैज़ की लोकप्रियता में निरंतर वृद्धि ने नृत्य धुनें बजाने के लिए बड़े ऑर्केस्ट्रा की मांग पैदा कर दी। इस प्रकार स्विंग प्रकट हुई, जो लय से दोनों दिशाओं में विशिष्ट विचलन का प्रतिनिधित्व करती है। स्विंग उस समय की मुख्य शैली दिशा बन गई, जो ऑर्केस्ट्रा के काम में प्रकट हुई। सामंजस्यपूर्ण नृत्य रचनाओं के प्रदर्शन के लिए ऑर्केस्ट्रा के अधिक समन्वित वादन की आवश्यकता होती है। जैज़ संगीतकारों से समान रूप से भाग लेने की अपेक्षा की गई थी, बिना अधिक सुधार के (एकल कलाकार को छोड़कर), इसलिए डिक्सीलैंड का सामूहिक सुधार अतीत की बात बन गया। 1930 के दशक में ऐसे ही समूह पनपे, जिन्हें बड़े बैंड कहा जाता था। उस समय के ऑर्केस्ट्रा की एक विशिष्ट विशेषता वाद्ययंत्रों के समूहों और वर्गों के बीच प्रतिस्पर्धा थी। परंपरागत रूप से, उनमें से तीन थे: सैक्सोफोन, तुरही, ड्रम। सबसे प्रसिद्ध जैज़ संगीतकार और उनके ऑर्केस्ट्रा हैं: ग्लेन मिलर, बेनी गुडमैन, ड्यूक एलिंगटन। अंतिम संगीतकार काले लोककथाओं के प्रति अपनी प्रतिबद्धता के लिए प्रसिद्ध हैं।

बीबॉप (1940)

शुरुआती जैज़ की परंपराओं और विशेष रूप से शास्त्रीय अफ़्रीकी धुनों और शैलियों से स्विंग के हटने से इतिहास विशेषज्ञों में असंतोष पैदा हो गया। बड़े बैंड और स्विंग कलाकार, जो तेजी से जनता के लिए काम कर रहे थे, काले संगीतकारों के छोटे समूहों के जैज़ संगीत का विरोध करने लगे। प्रयोगकर्ताओं ने सुपर-फास्ट धुनें पेश कीं, लंबे सुधार, जटिल लय और एकल वाद्ययंत्र का उत्कृष्ट नियंत्रण वापस लाया। नई शैली, जिसने खुद को विशिष्ट के रूप में स्थापित किया, को बीबॉप कहा जाने लगा। इस अवधि के प्रतीक ज़बरदस्त जैज़ संगीतकार थे: चार्ली पार्कर और डिज़ी गिलेस्पी। जैज़ के व्यावसायीकरण के विरुद्ध काले अमेरिकियों का विद्रोह, इस संगीत में घनिष्ठता और विशिष्टता लौटाने की इच्छा एक प्रमुख बिंदु बन गई। इसी क्षण से और इसी शैली से आधुनिक जैज़ का इतिहास शुरू होता है। साथ ही, बड़े बैंड लीडर भी बड़े हॉल से छुट्टी लेने की चाहत में छोटे ऑर्केस्ट्रा में आते हैं। कॉम्बो नामक समूह में, ऐसे संगीतकारों ने स्विंग शैली का पालन किया, लेकिन उन्हें सुधार करने की स्वतंत्रता दी गई।

कूल जैज़, हार्ड बोप, सोल जैज़ और जैज़-फंक (1940-1960)

1950 के दशक में, जैज़ जैसी संगीत शैली दो विपरीत दिशाओं में विकसित होने लगी। शास्त्रीय संगीत के समर्थकों ने अकादमिक संगीत, पॉलीफोनी और व्यवस्था को वापस फैशन में लाकर "ठंडा" कर दिया। कूल जैज़ अपने संयम, शुष्कता और उदासी के लिए जाना जाने लगा। जैज़ की इस दिशा के मुख्य प्रतिनिधि थे: माइल्स डेविस, चेत बेकर, डेव ब्रुबेक। लेकिन दूसरी दिशा, इसके विपरीत, बीबॉप के विचारों को विकसित करना शुरू कर दिया। हार्ड बोप शैली ने काले संगीत की जड़ों की ओर लौटने के विचार का प्रचार किया। पारंपरिक लोकगीत धुनें, उज्ज्वल और आक्रामक लय, विस्फोटक एकलिंग और कामचलाऊ व्यवस्था फैशन में लौट आई हैं। हार्ड बोप शैली में जाने जाते हैं: आर्ट ब्लेकी, सन्नी रॉलिन्स, जॉन कोलट्रैन। यह शैली सोल-जैज़ और जैज़-फंक के साथ-साथ व्यवस्थित रूप से विकसित हुई। ये शैलियाँ ब्लूज़ के करीब चली गईं, जिससे लय प्रदर्शन का एक प्रमुख पहलू बन गया। जैज़-फंक विशेष रूप से रिचर्ड होम्स और शर्ली स्कॉट द्वारा पेश किया गया था।

पाठ विषय: "जैज़ 20वीं सदी की कला है"

अनुभाग विषय: "स्वर और वाद्य संगीत की छवियों की दुनिया"

बुनियादी ट्यूटोरियल: जी. पी. क्रित्सकाया, ई. डी. सर्गेइवा छठी कक्षा

पाठ का प्रकार:नए ज्ञान का संचार और आत्मसात करना

पाठ का उद्देश्य: छात्रों में 20वीं सदी की एक अनूठी सांस्कृतिक घटना के रूप में जैज़ का विचार तैयार करना।

कार्य:

शैक्षिक:

जैज़ के इतिहास और इसके प्रदर्शन की विशिष्टताओं का परिचय दें

अतीत और वर्तमान के प्रसिद्ध जैज़ कलाकारों का परिचय करा सकेंगे;

हल्के और गंभीर संगीत के बीच परस्पर क्रिया की समझ का विस्तार करें;

शैक्षिक:

शैक्षिक समस्याओं को हल करने में छात्र स्वतंत्रता का विकास

व्यावहारिक संगीत-निर्माण कौशल और संगीत में संज्ञानात्मक रुचि का विकास;

समूह और सामूहिक कार्य करते समय आत्म-नियंत्रण कौशल का विकास

शिक्षक:

सौंदर्य स्वाद की शिक्षा, संगीत कला की विभिन्न घटनाओं में रुचि

नियोजित परिणाम:

विषय:

संगीत कार्यों को सुनना और उनका विश्लेषण करना सीखें;

संगीत कार्यों में विशिष्ट विशेषताओं और अभिव्यक्ति के साधनों पर प्रकाश डाल सकेंगे;

गायन कौशल और अन्य प्रकार की प्रदर्शन गतिविधियों का विकास करना

मेटाविषय:

शिक्षात्मक- ध्यान से सुनें, प्रश्नों के उत्तर तैयार करें, आवश्यक जानकारी प्राप्त करने के लिए संदर्भ साहित्य का उपयोग करें, विश्लेषण करें और निष्कर्ष निकालें, तर्क तैयार करें, किसी रचनात्मक समस्या को स्वतंत्र रूप से हल करें;

मिलनसार- संचार के संवाद रूप में महारत हासिल करें;

नियामक- अपनी गतिविधियों को व्यवस्थित करें, उसके लक्ष्यों और उद्देश्यों को स्वीकार करें, इन लक्ष्यों को प्राप्त करने के साधन चुनें और उन्हें व्यवहार में लागू करें।

निजी:

कला के प्रति भावनात्मक रूप से प्रतिक्रिया करने की क्षमता, विभिन्न प्रकार की गतिविधियों में इसके प्रति अपना दृष्टिकोण व्यक्त करना, व्यक्तिगत प्रतिबिंब के प्रारंभिक रूपों में महारत हासिल करना;

छात्र कार्य के रूप: सामूहिक, समूह।

पाठ का प्रकार- आईसीटी उपकरणों का उपयोग कर पाठ-संवाद।

काम करने के तरीके:

व्याख्यात्मक और उदाहरणात्मक (बातचीत, संवाद, तर्क)

व्यावहारिक (रचनात्मक संगीत निर्माण)

सिंकवाइन विधि (समूहों में कार्य)

उपकरण और सामग्री:

कंप्यूटर, वीडियो प्रोजेक्टर;

संगीत सामग्री;

छठी कक्षा की पाठ्यपुस्तक;

पाठ विषय के लिए चित्र;

पियानो.

संगीत सामग्री:

"ट्रेन" - ग्लेन मिलर ,

एस. जोप्लिन द्वारा "सेंट लुइस ब्लूज़",

ड्यूक एलिंगटन "कारवां"

कक्षाओं के दौरान:

संगठनात्मक चरण. पहले अर्जित ज्ञान को अद्यतन करना।

पारंपरिक संगीतमय अभिवादन के बाद, एक जैज़ रचना बजाई जाती है - एक अभिवादन।

"ट्रेन" - संगीत. ग्लेन मिलर

शिक्षक बच्चों के साथ श्रवण अंश पर चर्चा करते हैं।

यह किस प्रकार का संगीत है और आप इसे कहाँ सुन सकते हैं?

यह कहाँ और कब उत्पन्न हो सकता था?

यह किन लोगों का है?

क्या यह मोज़ार्ट या बीथोवेन के युग में सुना जा सकता था?

2.पाठ के लक्ष्य और उद्देश्य निर्धारित करना। सीखने की गतिविधियों के लिए प्रेरणा.

जैज़ को संगीत संस्कृति की सबसे रहस्यमय घटना कहा जाता है। आपको क्या लगता है?

(इसीलिए जैज़ संगीत में भावनाओं का एक विशेष जादू है; यह संगीत विभिन्न कानूनों के अनुसार बनाया गया है।)

जैज़ के सार को समझना हमेशा कठिन रहा है। जब एल. आर्मस्ट्रांग से पूछा गया कि जैज़ क्या है, तो उन्होंने उत्तर दिया: "यदि आप पूछेंगे, तो आप इसे कभी नहीं समझ पाएंगे।" आज पाठ में हम न केवल संगीत की सबसे रहस्यमय घटना को उजागर करने के करीब पहुंचने का प्रयास करेंगे, बल्कि हम स्वयं इसके निर्माण में भाग लेंगे।

3. नए ज्ञान का प्राथमिक आत्मसात। रचनात्मक संगीत निर्माण.

जैज़ अमेरिकी अश्वेतों का संगीत है, जो 19वीं शताब्दी के अंत में दो संस्कृतियों - यूरोपीय और अफ्रीकी - के संलयन के परिणामस्वरूप उभरा। शब्द "जैज़" स्वयं अफ़्रीकी मूल का है और इसका अर्थ है "उत्तेजित करना", "परमानंद में लाना"। इस संगीत को अपनी लोकतांत्रिकता और अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता के लिए पूरी दुनिया में पसंद किया जाता है और सराहा जाता है।

अपने कब्जे में "जीवित काला माल" ले जाने वाले गुलाम जहाज अफ्रीकी संगीत संस्कृति को भी ले जाते थे। यूरोपीय लोग अफ्रीकियों के गायन के तरीके, एकल आवाज़ों की सनक से मोहित हो गए, जिन्हें गाना बजानेवालों द्वारा प्रतिध्वनित किया गया: कॉल और प्रतिक्रिया। एकल इम्प्रोवाइजेशन कोरल इम्प्रोवाइजेशन के साथ विलीन हो जाता है, गायन - चिल्लाहट और आह के साथ, आवाजें भावुक और भेदी होती हैं। "उन्हें चिल्लाने दो," श्वेत पर्यवेक्षकों ने अश्वेतों को गाने के लिए प्रेरित किया। "उन्हें चिल्लाने दो," दास-मालिकों-बागान मालिकों ने भी कृपा की। - आख़िरकार, गुलामों के पास झोंपड़ियों, ताड़ के पेड़ों, खाली बक्सों, तख्तों, डिब्बे और लकड़ियों के अलावा कुछ नहीं होता। उन्हें गाने और खटखटाने दो, यह खतरनाक नहीं है।''

महान अमेरिकी जैजमैन ड्यूक एलिंगटन ने कहा: "काले गुलामों की चुप्पी के डर से, गुलाम मालिकों ने उन्हें गाने के लिए मजबूर किया, वे उन्हें बात करने का मौका नहीं देना चाहते थे, और इसलिए बदला लेने और विद्रोह की योजना बनाने के लिए साजिश रच रहे थे।" दक्षिणी राज्य: पियर्सिंग, उन टीमों की तरह है जो कमर तोड़ने वाले काम को कम करने वाली थीं। गुलाम जहाज़ अपने साथ अश्वेतों की जन्मजात लयबद्ध प्रतिभा, अफ़्रीकी पॉलीरिदम का ख़ज़ाना, ढोल बजाने की हज़ार साल पुरानी कला भी लाए थे

जैज़ का उदय संयुक्त राज्य अमेरिका में आबादी के सबसे गरीब तबके के बीच हुआ, जो अश्वेतों के वंशज थे, जिन्हें कभी गुलामी के लिए अफ्रीका से ले जाया गया था। न्यू ऑरलियन्स शहर को जैज़ का जन्मस्थान माना जाता है। इस शहर का संगीतमय जीवन पूरे जोरों पर था। अफ़्रीकी लय, जीवंत फ़्रांसीसी और अमेरिकी धुनें और क्रियोल धुनें लगभग हर सड़क पर बजती थीं। शहर के अपने सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा (बड़े बैंड) और यहां तक ​​कि एक ब्लैक फिलहारमोनिक सोसायटी भी थी। यह न्यू ऑरलियन्स का विविध संगीतमय वातावरण था जिसने शास्त्रीय जैज़ के भविष्य के निर्माण के आधार के रूप में कार्य किया।

जैज़ की उत्पत्ति अफ़्रीकी-अमेरिकी लोककथाओं से हुई, आध्यात्मिक, ब्लूज़, रैगटाइम.

ब्लूज़- अंग्रेजी से अनुवादित। इसका दोहरा अर्थ है - अमेरिकी मुहावरे से "दुखी होना"; दूसरा नीला है.

ए. बताशेव ने ब्लूज़ के बारे में बहुत सही कहा: "यह एक पीड़ित नीग्रो आत्मा का रोना है।"

“मेरा एकमात्र पाप यह है कि मैं काला हूं।
मै क्या करू? मेरी मदद कौन करेगा?
मैं बहुत अपमानित हूं
मैं बहुत आहत हूं
और यह सब इसलिए क्योंकि मैं काला हूं..."

चलो सुनते हैं "सेंट लुइस ब्लूज़"

जैसा कि एक बूढ़े काले ब्लूज़मैन ने कहा: "ब्लूज़ तब होता है जब एक अच्छे आदमी को बुरा लगता है।" यह जोड़ा जा सकता है कि, ऐतिहासिक रूप से, ब्लूज़ अमेरिकी जीवन का एक शुद्ध उत्पाद है, अमेरिकी गुलाम समाज का जीवन। ब्लूज़ की उत्पत्ति देश के निवासियों की सबसे उत्पीड़ित परत के सबसे निचले भाग में हुई - काले दासों के बीच, बागानों और कारखानों में। यह एक विरोधाभास है, लेकिन संयुक्त राज्य अमेरिका की काली आबादी का वह हिस्सा भी जो खुद को सभ्य प्रोटेस्टेंट ईसाई मानता था, ब्लूज़ के प्रति नकारात्मक रवैया रखता था, और इसे "शैतान का गीत" से ज्यादा कुछ नहीं कहता था। उनका अपना आध्यात्मिक संगीत था - आध्यात्मिक और सुसमाचार, अर्थात्, पुराने और नए नियम के विषयों पर प्रार्थनाएँ।

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आध्यात्मिक एस-अंग्रेजी से अनुवादित "आत्मा, आध्यात्मिक।" नीग्रो स्पिरिचुअल एक आध्यात्मिक कोरल भजन है, जो अक्सर बाइबिल के विषयों और ग्रंथों पर रचा जाता है। यह धार्मिक गायन और नृत्य की एक शैली है, जिसका प्रदर्शन ताली बजाने, मुद्रांकन और आराम से शरीर की गतिविधियों के साथ होता है। पूरे समुदाय के विचारों और आकांक्षाओं को व्यक्त करते हुए, आध्यात्मिक प्रदर्शन सामूहिक रूप से किया जाता है। आध्यात्मिकता का निर्माण अक्सर प्रश्न और उत्तर के रूप में किया जाता है, जो कई देशों की लोककथाओं की विशेषता है।

« चलो मेरे लोग चलें» बुद्धिमानी. लुई आर्मस्ट्रांग

अमेरिकी गृहयुद्ध के दौरान अपने मालिकों से भागे हुए काले दासों को आमतौर पर प्रसिद्ध फोर्ट मोनरो में भेजा जाता था, जहाँ सेना का कमांड मुख्यालय और सैन्य अड्डा स्थित था। 1862 में, उनमें से बहुत से लोग वहां एकत्र हुए, और उन्होंने आध्यात्मिक रूप से कहा "ओह!" लेट माई पीपल गो: द सॉन्ग ऑफ द कंट्राबेंड्स।" इसके संक्षिप्त संस्करण का प्रदर्शन किया गयाइसे अब आमतौर पर "गो डाउन, मोसेस" के नाम से जाना जाता है।गीत "गो डाउन, मोसेस" के बोल मिस्र से यहूदियों के पलायन की पुराने नियम की कहानी को दोहराते हैं। हम कह सकते हैं कि इसका आधार निर्गमन के सातवें अध्याय के सोलहवें श्लोक से लिया गया है, जिसमें भगवान मूसा से कहते हैं:"और उसे बताओ<фараону>: इब्रानियों के परमेश्वर यहोवा ने मुझे तुम से यह कहने को भेजा है, कि मेरी प्रजा को जाने दे, कि वे जंगल में मेरी सेवा करें; परन्तु देखो, तुम ने अब तक मेरी बात नहीं सुनी।” .

यह अनुमान लगाना कठिन नहीं है कि आध्यात्मिक "ओह!"लेट माई पीपल गो: द सॉन्ग ऑफ द कंट्राबेंड्स"भागे हुए गुलामों का गान बन गया . उन्होंने अपनी तुलना उन इस्राएलियों से की, जिन्हें मूसा ने मिस्र से बाहर निकाला था, और फिरौन ने उनके पूर्व स्वामियों से।

गुलामी में मर जाता हैमिस्र में मेरे लोग...मैं दे दूँगाएक्सोदेसआपको!आख़िरकारतो प्रभु आज्ञा देते हैं!

परन्तु तुम मेरे लोगों को जाने न दोगे,जैसी प्रभु ने आज्ञा दी,- फिर मिस्र सजा का इंतजार कर रहा है!तो प्रभु आज्ञा देते हैं!

ताल - पियानो के लिए जैज़ के टुकड़े, बैंजो (अफ्रीकी मूल का एक तोड़ा हुआ तार वाला वाद्य यंत्र) पर प्रस्तुत किए गए। रैगटाइम अफ़्रीकी दासों के काकवॉक नृत्य से आया है (अंग्रेजी से अनुवादित है "रसोईघर में एक पाई पाने के लिए जुलूस")। यह नृत्य दासों का एक मिश्रित झटकेदार आंदोलन था जो दोपहर के भोजन के बाद अपने सफेद मालिकों का मनोरंजन करते थे, और इनाम के रूप में रसोई में जाते थे जहां वे अपने दिल की संतुष्टि के लिए खा सकते थे। खूबसूरत रैगटाइम्स प्रसिद्ध अश्वेत संगीतकार एस. जोप्लिन द्वारा लिखे गए थे।

तालएस. जोप्लिन द्वारा "मेपल लीफ"। .

4.समझ की प्राथमिक जांच.

आज तक, संगीतकार इस बात पर बहस करते हैं कि किस प्रकार का संगीत - हल्का या गंभीर - जैज़ को वर्गीकृत किया जा सकता है। 20वीं सदी के अमेरिकी संगीतकार एल. बर्नस्टीन ने लिखा: "मुझे जैज़ पसंद है क्योंकि यह... कभी भी पूरी तरह से उदास या पूरी तरह से खुश नहीं होता..."। तुम लोग क्या सोचते हो? (बहस)

क्या मानवीय गरिमा, न्याय में विश्वास, धार्मिक भावनाएँ, प्यार पाने की चाहत और प्यार जैसे गंभीर विषयों को छूने वाले संगीत को सुगम संगीत कहा जा सकता है?

यह विषय जैज़ को विभिन्न प्रकार के शास्त्रीय संगीत के साथ लाता है। एकमात्र मुद्दा यह है कि जैज़ में आलंकारिक विचारों को व्यक्त करने का तरीका यूरोपीय संगीत से भिन्न है। मुख्य अंतर जैज़ की कामचलाऊ प्रकृति है, जो एक समय शास्त्रीय संगीत की विशेषता थी।

सुधार -लैट से. "अप्रत्याशित, अचानक।" यह एक रचनात्मक तरीका है जो आपको दर्शकों के सामने बिना किसी तैयारी के संगीत तैयार करने की अनुमति देता है। जैज़ की कला पूरी तरह से कामचलाऊ व्यवस्था पर आधारित है।

5. अध्ययन की गई सामग्री का समेकन।

एक गीत पर वोकल-कोरल कार्य "हैलो डॉली"

सुनना एल्ला फिट्जगेराल्ड –« हैलो डॉली ».

यह गाना किस शैली में लिखा गया है? आपने अपनी संगीत शैली को किस संगीत माध्यम से परिभाषित किया?

रूसी पाठ:

नमस्ते, नमस्ते, डॉली!
मैं यहाँ हूँ, डॉली।
हमने आपको कई वर्षों से नहीं देखा है।
नमस्ते, नमस्ते, डॉली!
हम दोस्त हैं, डॉली,
और आप जवाब में वही शब्द कहेंगे.

नमस्ते, नमस्ते, डॉली!
क्या आपको याद है कि स्कूल में कैसे,

यह हमारे लिए बुरा था
हमने एक दूसरे को पकड़ रखा था
और हमने वर्षों तक अपनी मित्रता कायम रखी।

हारना.

नमस्ते, नमस्ते, डॉली!
क्या आपको याद है कि स्कूल में कैसे,
हमने हमेशा करीब रहने की कसम खाई, और कब, हाँ!
यह हमारे लिए बुरा था
हमने एक दूसरे को पकड़ रखा था
और चाहे कुछ भी हो जाये,
मुसीबतों और शत्रुओं के बावजूद,
हमने अपनी दोस्ती को वर्षों तक निभाया।

6. पाठ सारांश. प्रतिबिंब

पाठ के अंत में, समूह में बच्चे (4-5 लोग) जैज़ के बारे में एक सिनक्वेन बनाते हैं। मेरे पास आपके लिए एक आश्चर्य है। आपको एक सिनक्वेन बनाना है - जैज़ के बारे में एक पाँच पंक्ति की कविता। इसके निर्माण का एल्गोरिदम आपके सामने है. यह आपका होमवर्क होगा.

सिंकवाइन

पहली पंक्ति। 1 शब्द - अवधारणा या विषय (संज्ञा)।

दूसरी पंक्ति। 2 शब्द - इस अवधारणा का विवरण (विशेषण)।

तीसरी पंक्ति. 3 शब्द - क्रियाएँ।

चौथी पंक्ति. किसी विषय के प्रति दृष्टिकोण दर्शाने वाला वाक्यांश या वाक्य (सूक्ति)

पांचवी पंक्ति. 1 शब्द एक पर्यायवाची है जो विषय के सार को दोहराता है।

ड्यूक एलिंगटन "कारवां"

शिक्षक परिणामों का सारांश देता है और पूरी कक्षा के साथ सर्वोत्तम विकल्प चुनता है।

विकल्प, सिंकवाइन:

जैज़;

रहस्यमय मायावी;

आमंत्रित करता है, मोहित करता है;

जैज़ अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता है;

ज़िंदगी।

7. गृहकार्य:क्रासवर्ड पहेली को हल करें। (हैंडआउट)

जैज़ एक महान संस्कृति है. जैज़ को अपने शब्दों में वर्णन करने की तुलना में पहचानना और सुनना आसान है। जैज़ ने रॉक एंड रोल को जन्म दिया और कई गायकों के लिए रास्ता खोला। रॉक, पॉप संगीत, फ़िल्म संगीत और सिम्फोनिक संगीत ने भी जैज़ के कई तत्वों को उधार लिया। जैज़ को आपमें से प्रत्येक के लिए कुछ विशेष, मजबूत सकारात्मक भावनाओं का स्रोत बनने दें।

अलविदा, सबक के लिए धन्यवाद!

जैज़ बीसवीं सदी की एक संगीत घटना है

जैज़ अमेरिकी संगीत संस्कृति का एक महत्वपूर्ण हिस्सा है। लोक संगीत और काले अमेरिकियों के संगीत से उभरकर, जैज़ एक विशिष्ट पेशेवर कला में बदल गया, जिसने आधुनिक संगीत के विकास पर महत्वपूर्ण प्रभाव डाला।

जैज़ संगीत को अमेरिकी कला कहा गया है, कला में अमेरिका का योगदान। जैज़ को उन लोगों के बीच भी पहचान मिली जो मुख्य रूप से पश्चिमी यूरोपीय संगीत कार्यक्रम की परंपराओं में पले-बढ़े थे।

आज, जैज़ के अनुयायी और कलाकार दुनिया के सभी हिस्सों में हैं और यह सभी देशों की संस्कृति में प्रवेश कर चुका है। यह कहना उचित है कि जैज़ एक विश्व संगीत है, और इस संबंध में पहला है।

जैज़ (अंग्रेजी जैज़) यूरोपीय और अफ्रीकी संगीत संस्कृति के संश्लेषण के परिणामस्वरूप 19वीं - 20वीं शताब्दी के अंत में संयुक्त राज्य अमेरिका के दक्षिणी राज्यों में विकसित हुआ। अफ़्रीकी संस्कृति के वाहक अमेरिकी अश्वेत थे - अफ़्रीका से ले जाये गये दासों के वंशज। यह अनुष्ठान नृत्यों, कार्य गीतों, आध्यात्मिक भजनों - आध्यात्मिक, गीतात्मक ब्लूज़ और रैगटाइम, सुसमाचार गीतों (नीग्रो भजन) में प्रकट हुआ था जो 18 वीं - 20 वीं शताब्दी के दौरान श्वेत आबादी की संस्कृति को अश्वेतों द्वारा आत्मसात करने की प्रक्रिया में उत्पन्न हुए थे। संयुक्त राज्य अमेरिका।

जैज़ की मुख्य विशेषताएं लय की मौलिक भूमिका, नियमित छंद स्पंदन, या "बीट", मधुर उच्चारण हैं जो लहर जैसी गति (स्विंग), कामचलाऊ शुरुआत आदि की भावना पैदा करते हैं। जैज़ को एक ऑर्केस्ट्रा भी कहा जाता है जिसमें मुख्य रूप से शामिल होता है इस तरह के संगीत को प्रस्तुत करने के लिए डिज़ाइन किए गए पवन, ताल और शोर उपकरण।

जैज़ मुख्य रूप से एक प्रदर्शन कला है। यह शब्द पहली बार 1913 में सैन फ्रांसिस्को के एक अखबार में छपा, 1915 में यह टी. ब्राउन के जैज़ ऑर्केस्ट्रा के नाम का हिस्सा बन गया, जो शिकागो में प्रदर्शन करता था, और 1917 में यह प्रसिद्ध न्यू ऑरलियन्स ऑर्केस्ट्रा द्वारा रिकॉर्ड किए गए ग्रामोफोन रिकॉर्ड पर दिखाई दिया। मूल डिक्सीआईएंड जैज़ (जैस) बैंड।

"जैज़" शब्द की उत्पत्ति स्वयं अस्पष्ट है। फिर भी इसमें कोई संदेह नहीं है. उस समय इसका एक अश्लील अर्थ था जब इसे इस प्रकार के संगीत पर लागू किया जाने लगा - 1915 के आसपास। इस बात पर जोर दिया जाना चाहिए कि शुरू में यह नाम गोरों द्वारा संगीत को दिया गया था, जो इसके प्रति अपना तिरस्कार दर्शाता था।

सबसे पहले, "जैज़" शब्द केवल "जैज़ बैंड" के संयोजन में सुना जा सकता था, जिसका अर्थ था तुरही, शहनाई, ट्रॉम्बोन और ताल अनुभाग से युक्त एक छोटा सा पहनावा (यह बैंजो या गिटार, टुबा या डबल बास हो सकता है) , आध्यात्मिक और रैगटाइम, ब्लूज़ और लोकप्रिय गीतों की धुनों की व्याख्या करना। प्रदर्शन एक सामूहिक पॉलीफोनिक इम्प्रोवाइजेशन था। बाद में, सामूहिक सुधार को केवल शुरुआती और समापन एपिसोड में ही बरकरार रखा गया था, और बाकी में, एक आवाज एकल कलाकार थी, जिसे ताल खंड और पवन वाद्ययंत्रों की सरल कॉर्डल ध्वनि द्वारा समर्थित किया गया था।

18वीं सदी के यूरोप में, जब संगीत प्रदर्शन में सुधार एक सामान्य विशेषता थी, केवल एक संगीतकार (या गायक) ने सुधार किया। जैज़ में, बशर्ते कि कुछ सहमति हो, आठ संगीतकार भी एक ही समय में सुधार कर सकते हैं। यह बिल्कुल वैसा ही है जैसा जैज़ की शुरुआती शैली में हुआ था - तथाकथित डिक्सीलैंड पहनावा में।

जैज़ के लिए सभी अफ़्रीकी-अमेरिकी मुहावरों में ब्लूज़ सबसे महत्वपूर्ण और प्रभावशाली है। जैज़ में प्रयुक्त ब्लूज़ आवश्यक रूप से उदासी या उदासी को प्रतिबिंबित नहीं करता है। यह रूप अफ़्रीकी और यूरोपीय परंपराओं के तत्वों का एक संयोजन है। ब्लूज़ को मधुर सहजता और उच्च भावना के साथ गाया जाता है। 20 के दशक की शुरुआत में, और शायद उससे भी पहले, ब्लूज़ न केवल एक गायन बन गया, बल्कि एक वाद्य शैली भी बन गया।

प्रामाणिक रैगटाइम 1890 के दशक के अंत में सामने आया। यह तुरंत लोकप्रिय हो गया और सभी प्रकार के सरलीकरणों के अधीन था। इसके मूल में, रैगटाइम ऐसे वाद्ययंत्रों पर बजाया जाने वाला संगीत था जिसमें पियानो के समान कीबोर्ड होता था। इसमें कोई संदेह नहीं है कि काकवॉक नृत्य (मूल रूप से सफेद दक्षिणी लोगों के मनमोहक तौर-तरीकों की एक सुंदर, शैलीबद्ध पैरोडी पर आधारित) रैगटाइम से पहले का था, इसलिए काकवॉक संगीत होना ही था।

जैज़ की तथाकथित न्यू ऑरलियन्स और शिकागो शैलियाँ हैं। न्यू ऑरलियन्स के मूल निवासियों ने जैज़ के सबसे प्रसिद्ध पहनावे और रचनाएँ बनाईं। प्रारंभिक जैज़ आमतौर पर 5 से 8 वाद्ययंत्रों के छोटे ऑर्केस्ट्रा द्वारा प्रस्तुत किया जाता था और इसकी एक विशिष्ट वाद्य शैली होती थी। भावनाएँ जैज़ में प्रवेश करती हैं, इसलिए अधिक भावनात्मक उत्थान और गहराई होती है। अपने अंतिम चरण में, जैज़ विकास का केंद्र शिकागो चला गया। इसके सबसे प्रमुख प्रतिनिधि ट्रम्पेटर्स जो किंग ओलिवर और लुई आर्मस्ट्रांग, शहनाई वादक जे. डोड्स और जे. नुई, पियानोवादक और संगीतकार जेली रोल मॉर्टन, गिटारवादक जे. सेंट साइर और ड्रमर वॉरेन बेबी डोड्स थे।

पहले जैज़ समूहों में से एक - ओरिजिनल डिक्सीलैंड जैज़-बैंड - के नाटकों का प्रदर्शन 1917 में ग्रामोफोन रिकॉर्ड पर रिकॉर्ड किया गया था, और 1923 में जैज़ नाटकों की व्यवस्थित रिकॉर्डिंग शुरू हुई।

प्रथम विश्व युद्ध की समाप्ति के तुरंत बाद अमेरिकी जनता का एक विस्तृत समूह जैज़ से परिचित हो गया। उनकी तकनीक को बड़ी संख्या में कलाकारों ने अपनाया और संयुक्त राज्य अमेरिका और पश्चिमी यूरोप के सभी मनोरंजन संगीत पर अपनी छाप छोड़ी।

हालाँकि, 1920 के दशक से लेकर 1930 के दशक के मध्य तक, लगभग सभी प्रकार के संगीत के लिए "जैज़" शब्द का प्रयोग आम बात थी, जो जैज़ से लयबद्ध, मधुर और स्वरबद्ध रूप से प्रभावित थे।

सिम्फोजैज़ (इंग्लैंड। सिम्फोजैज़) हल्के-शैली के सिम्फोनिक संगीत के साथ संयुक्त जैज़ की एक शैली विविधता है। इस शब्द का प्रयोग पहली बार 1920 के दशक में प्रसिद्ध अमेरिकी कंडक्टर पॉल व्हाइटमैन द्वारा किया गया था। ज्यादातर मामलों में यह "सैलून" के स्पर्श के साथ नृत्य संगीत था। हालाँकि, उसी व्हिटमैन ने जॉर्ज गेर्शविन के प्रसिद्ध "रैप्सोडी इन ब्लू" के निर्माण और पहले कलाकार की शुरुआत की, जहां जैज़ और सिम्फोनिक संगीत का संलयन बेहद जैविक निकला। एक नई गुणवत्ता में और बाद के समय में एक समान संश्लेषण को फिर से बनाने का प्रयास किया गया।

1930 के दशक की शुरुआत में, न्यू ऑरलियन्स और शिकागो जैज़ को "स्विंग" शैली से बदल दिया गया था, जिसे "बड़े बैंड" द्वारा प्रस्तुत किया गया था जिसमें 3-4 सैक्सोफोन, 3 तुरही, 3 ट्रॉम्बोन और एक लय अनुभाग शामिल थे। "स्विंग" शब्द लुई आर्मस्ट्रांग से आया है और इसका उपयोग उस शैली को परिभाषित करने के लिए किया जाता है जिसमें उनका प्रभाव दृढ़ता से महसूस किया जाता है। रचना में वृद्धि के कारण लेखक के प्रत्यक्ष निर्देशों के अनुसार पूर्व-निर्मित व्यवस्थाओं के प्रदर्शन पर स्विच करना आवश्यक हो गया, नोट्स पर दर्ज किया गया या सीधे कान से सीखा गया। "स्विंग" में सबसे महत्वपूर्ण योगदान एफ. हेंडरसन, ई. कैनेडी, ड्यूक एलिंगटन, डब्ल्यू. चिक वेब, जे. लैंड्सफोर्ड द्वारा किया गया था। उनमें से प्रत्येक ने एक ऑर्केस्ट्रा नेता, अरेंजर, संगीतकार और वादक की प्रतिभा को संयोजित किया। उनके बाद, बी. गुडमैन, जी. मिलर और अन्य के ऑर्केस्ट्रा सामने आए, जिन्होंने काले संगीतकारों की तकनीकी उपलब्धियों को उधार लिया।

1930 के दशक के अंत तक, "स्विंग" औपचारिक और तकनीकी तकनीकों के एक समूह में बदलकर समाप्त हो गया था। "स्विंग" के कई प्रमुख स्वामी चैम्बर और कॉन्सर्ट जैज़ की शैलियों को विकसित करना शुरू कर रहे हैं। छोटे समूहों में प्रदर्शन करते हुए, वे नाचने वाली जनता और पारखी श्रोताओं के अपेक्षाकृत संकीर्ण दायरे दोनों को समान रूप से संबोधित नाटकों की एक श्रृंखला बनाते हैं। एलिंगटन ने अपने ऑर्केस्ट्रा के साथ सुइट "रेमिनिसेंस इन टेम्पो" रिकॉर्ड किया, जिसने जैज़ को तीन मिनट के डांस नंबर से आगे ले लिया।

निर्णायक मोड़ 40 के दशक की शुरुआत में आया, जब संगीतकारों के एक समूह ने जैज़ की एक नई दिशा का नेतृत्व किया, इसे ओनोमेटोपोइक शब्द "बीबॉप" कहा। उन्होंने आधुनिक जैज़ (अंग्रेजी आधुनिक जैज़ - आधुनिक जैज़) की नींव रखी - इस शब्द का प्रयोग आमतौर पर जैज़ की शैलियों और प्रवृत्तियों को नामित करने के लिए किया जाता है जो स्विंग के प्रभुत्व के बाद उत्पन्न हुए। बीबॉप ने जैज़ और मनोरंजन संगीत के क्षेत्र के बीच अंतिम विराम को चिह्नित किया। कलात्मक रूप से, उन्होंने आधुनिक संगीत कला की शाखाओं में से एक के रूप में जैज़ के स्वतंत्र विकास का रास्ता खोला।

1940 के दशक में, सबसे लोकप्रिय ऑर्केस्ट्रा ग्लेन मिलर ऑर्केस्ट्रा था। हालाँकि, इन वर्षों के दौरान जैज़ में वास्तविक रचनात्मकता का श्रेय ड्यूक एलिंगटन को जाता है, जिन्होंने एक आलोचक के अनुसार, हर हफ्ते उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण किया।

40 के दशक के अंत में, "कूल" जैज़ की दिशा उभरी, जो मध्यम सोनोरिटी, रंगों की पारदर्शिता और तेज गतिशील विरोधाभासों की अनुपस्थिति की विशेषता थी। इस प्रवृत्ति का उद्भव ट्रम्पेटर एम. डेविस की गतिविधियों से जुड़ा है। इसके बाद, "कूल" जैज़ का अभ्यास मुख्य रूप से संयुक्त राज्य अमेरिका के पश्चिमी तट पर काम करने वाले समूहों द्वारा किया जाने लगा।

40 और 50 के दशक के जैज़ में, हार्मोनिक भाषा अधिक से अधिक रंगीन हो गई, यहां तक ​​कि "नव-डेबुसियन" भी, और संगीतकारों ने जटिल लोकप्रिय धुनों का प्रदर्शन किया। साथ ही, वे ब्लूज़ के पारंपरिक सार को व्यक्त करना जारी रखते हैं। और संगीत ने अपने लयबद्ध आधार की जीवन शक्ति को बरकरार रखा और विस्तारित किया।

जैज़ के इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण विकास उन संगीतकारों के इर्द-गिर्द केंद्रित है जो संगीत को संश्लेषित करते हैं और इसे सामान्य रूपों में आकार देते हैं, और फिर व्यक्तिगत संगीतकारों, आविष्कारशील एकल कलाकारों के इर्द-गिर्द केंद्रित होते हैं जो समय-समय पर जैज़ शब्दावली को अद्यतन करते हैं। कभी-कभी ये चरण विनिमेय होते हैं, मॉर्टन के संश्लेषण से आर्मस्ट्रांग के नवाचारों तक, एलिंगटन के संश्लेषण से पार्कर के नवाचारों तक।

बीसवीं सदी के उत्तरार्ध से, जैज़ संगीत के प्रदर्शन की बहुत भिन्न कलात्मक अवधारणाओं और शैलियों की संख्या बढ़ रही है। जैज़ रचना की तकनीक के सुधार में एक उल्लेखनीय योगदान आधुनिक जैज़ चौकड़ी पहनावा द्वारा किया गया था, जिसने "बीबॉप", "कूल जैज़" और 17वीं - 18वीं शताब्दी के यूरोपीय पॉलीफोनी के सिद्धांतों को संश्लेषित किया था। इस प्रवृत्ति के कारण मिश्रित ऑर्केस्ट्रा के लिए विस्तारित नाटकों का निर्माण हुआ, जिनमें अकादमिक ऑर्केस्ट्रा खिलाड़ी और जैज़ इम्प्रोवाइज़र शामिल थे। इसने जैज़ और मनोरंजन संगीत के क्षेत्र के बीच की खाई को और गहरा कर दिया और जनता के बड़े हिस्से को इससे पूरी तरह अलग कर दिया।

एक उपयुक्त विकल्प की तलाश में, नृत्य करने वाले युवाओं ने रोजमर्रा के काले संगीत "रिदम-एंड-ब्लूज़" की शैली की ओर रुख करना शुरू कर दिया, जो ऊर्जावान ड्रम संगत और इलेक्ट्रिक गिटार या सैक्सोफोन के संकेतों के साथ ब्लूज़ शैली में अभिव्यंजक गायन प्रदर्शन को जोड़ती है। इस रूप में, संगीत ने 50 और 60 के दशक के "रॉक एंड रोल" के पूर्ववर्ती के रूप में कार्य किया, जिसका लोकप्रिय गीतों की रचना और प्रदर्शन पर बहुत प्रभाव पड़ा। बदले में, "बूगी-वूगी", जो 30 के दशक के अंत में संयुक्त राज्य अमेरिका में बहुत लोकप्रिय था (वास्तव में, यह बहुत पुराना है), पियानो पर बजाए जाने वाले ब्लूज़ की शैलियाँ हैं।

50 के दशक के अंत में, लय और ब्लूज़ एक और लोकप्रिय शैली - आत्मा से जुड़ गए, जो नीग्रो पवित्र संगीत की शाखाओं में से एक का एक धर्मनिरपेक्ष संस्करण है।

60 के दशक के अंत और 70 के दशक की शुरुआत में जैज़ में एक और प्रवृत्ति एशिया और अफ्रीका के लोकगीत और पेशेवर संगीत कला में बढ़ती रुचि के कारण थी। घाना, नाइजीरिया, सूडान, मिस्र और अरब प्रायद्वीप के देशों की लोक धुनों और नृत्यों की सामग्री पर आधारित विभिन्न लेखकों के कई नाटक सामने आते हैं।

60 के दशक के उत्तरार्ध में, काले संगीतकार माइल्स डेविस और उनके छात्रों के प्रभाव में, पारंपरिक रॉक का उपयोग करके संयुक्त राज्य अमेरिका में जैज़ संगीत की एक शैली विकसित हुई, जिन्होंने अपने संगीत को स्पष्ट और अधिक सुलभ बनाने की कोशिश की। "बुद्धिमान" रॉक के उछाल और शैली की नवीनता ने इसे 1970 के दशक के मध्य में बेहद लोकप्रिय बना दिया। बाद में, जैज़-रॉक कई और विशिष्ट रूपों में विभाजित हो गया, इसके कुछ अनुयायी पारंपरिक जैज़ में लौट आए, कुछ सीधे पॉप संगीत में आ गए, और केवल कुछ ही जैज़ और रॉक के गहरे अंतर्विरोध के तरीकों की तलाश में लगे रहे। जैज़ रॉक के आधुनिक रूपों को फ़्यूज़न के रूप में जाना जाता है।

दशकों तक, जैज़ का विकास मुख्यतः स्वतःस्फूर्त था और काफी हद तक परिस्थितियों के संयोग से निर्धारित हुआ था। जबकि मुख्य रूप से अफ्रीकी-अमेरिकी संस्कृति की एक घटना बनी हुई है, जैज़ की संगीत भाषा की प्रणाली और इसके प्रदर्शन के सिद्धांत धीरे-धीरे एक अंतरराष्ट्रीय चरित्र प्राप्त कर रहे हैं। जैज़ अपनी मौलिकता और अखंडता को बनाए रखते हुए किसी भी संगीत संस्कृति के कलात्मक तत्वों को आसानी से आत्मसात करने में सक्षम है।

1910 के दशक के अंत में यूरोप में जैज़ के उद्भव ने तुरंत प्रमुख संगीतकारों का ध्यान आकर्षित किया। सी. डेब्यूसी, आई.एफ. स्ट्राविंस्की, एम. रवेल, के. वेइल और अन्य द्वारा अपने कार्यों में संरचना, स्वर-शैली और लयबद्ध मोड़ और तकनीकों के कुछ तत्वों का उपयोग किया गया था।

साथ ही, इन संगीतकारों के काम पर जैज़ का प्रभाव सीमित और अल्पकालिक था। संयुक्त राज्य अमेरिका में, यूरोपीय परंपरा के संगीत के साथ जैज़ के संलयन ने जे. गेर्शविन के काम को जन्म दिया, जो संगीत के इतिहास में सिम्फोनिक जैज़ के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि के रूप में दर्ज हुए।

इस प्रकार, जैज़ का इतिहास ताल खंडों के विकास और जैज़ संगीतकारों के तुरही भाग से संबंध के आधार पर बताया जा सकता है।

1920 के दशक की शुरुआत में यूरोपीय जैज़ समूह उभरने लगे, लेकिन द्वितीय विश्व युद्ध के अंत तक, बड़े पैमाने पर दर्शकों के समर्थन की कमी ने उन्हें मुख्य रूप से पॉप और नृत्य प्रदर्शन करने के लिए मजबूर कर दिया। 1945 के बाद, अगले 15-20 वर्षों में, यूरोप की अधिकांश राजधानियों और बड़े शहरों में, वाद्ययंत्रवादियों का एक कैडर बनाया गया, जिन्होंने जैज़ के लगभग सभी रूपों के प्रदर्शन की तकनीक में महारत हासिल की: एम. लेग्रैंड, एच. लिटलटन, आर. स्कॉट, जे. डैंकवर्थ, एल. गुलिन, वी. श्लेटर, जे. क्वास्निकी।

जैज़ ऐसे माहौल में काम करता है जहां यह अन्य प्रकार के लोकप्रिय संगीत के साथ प्रतिस्पर्धा करता है। साथ ही, यह इतनी लोकप्रिय कला है कि इसे सर्वोच्च और व्यापक रूप से स्वीकृत सराहना और सम्मान मिला है और इसने आलोचकों और विद्वानों दोनों का ध्यान आकर्षित किया है। इसके अलावा, अन्य प्रकार के लोकप्रिय संगीत में बदलाव कभी-कभी फैशन की सनक की तरह लगते हैं। जैज़, अपनी ओर से, विकसित और विकसित होता है। इसके कलाकारों ने अतीत के संगीत से बहुत कुछ लिया और उसी पर अपना संगीत बनाया। और, जैसा कि एस. डांस ने कहा, "सर्वश्रेष्ठ संगीतकार हमेशा अपने दर्शकों से आगे थे" .

प्रयुक्त साहित्य की सूची

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जैज़ एक प्रकार की संगीत कला है जो अफ्रीकी-अमेरिकी लोककथाओं की भागीदारी के साथ अफ्रीकी और यूरोपीय संस्कृतियों के संश्लेषण के परिणामस्वरूप उत्पन्न हुई। लय और सुधार अफ्रीकी संगीत से और सामंजस्य यूरोपीय संगीत से उधार लिया गया था।

गठन की उत्पत्ति के बारे में सामान्य जानकारी

जैज़ का इतिहास 1910 में संयुक्त राज्य अमेरिका में शुरू हुआ। यह तेजी से पूरी दुनिया में फैल गया। बीसवीं सदी के दौरान संगीत की इस दिशा में कई बदलाव आये। यदि हम जैज़ के इतिहास के बारे में संक्षेप में बात करते हैं, तो यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि गठन की प्रक्रिया विकास के कई चरणों से गुज़री। बीसवीं सदी के 30-40 के दशक में वे स्विंग और बीबॉप मूवमेंट से काफी प्रभावित थे। 1950 के बाद, जैज़ को एक संगीत शैली के रूप में देखा जाने लगा जिसमें वे सभी शैलियाँ शामिल थीं जिनके माध्यम से यह विकसित हुई थी।

वर्तमान में जैज़ ने उच्च कला के क्षेत्र में अपना स्थान बना लिया है। इसे विश्व संगीत संस्कृति के विकास को प्रभावित करने वाला काफी प्रतिष्ठित माना जाता है।

जैज़ का इतिहास

यह प्रवृत्ति संयुक्त राज्य अमेरिका में कई संगीत संस्कृतियों के विलय के परिणामस्वरूप उत्पन्न हुई। जैज़ की उत्पत्ति का इतिहास उत्तरी अमेरिका में शुरू होता है, जिसके अधिकांश भाग में अंग्रेजी और फ्रांसीसी प्रोटेस्टेंट रहते थे। धार्मिक मिशनरियों ने अश्वेतों की आत्मा की मुक्ति की परवाह करते हुए उन्हें अपने धर्म में परिवर्तित करने का प्रयास किया।

संस्कृतियों के संश्लेषण का परिणाम आध्यात्मिकता और ब्लूज़ का उद्भव है।

अफ़्रीकी संगीत की विशेषता कामचलाऊ व्यवस्था, बहुलय, बहुरूपता और रैखिकता है। लयबद्ध सिद्धांत यहाँ एक बड़ी भूमिका निभाता है। सुर और सुर का महत्व उतना महत्वपूर्ण नहीं है. यह इस तथ्य से समझाया गया है कि अफ्रीकियों के बीच संगीत का व्यावहारिक महत्व है। यह काम और अनुष्ठानों के साथ आता है। अफ़्रीकी संगीत स्वतंत्र नहीं है और यह आंदोलन, नृत्य और गायन से जुड़ा है। इसका स्वर काफी स्वतंत्र है, क्योंकि यह कलाकार की भावनात्मक स्थिति पर निर्भर करता है।

यूरोपीय संगीत से, जो अधिक तर्कसंगत था, जैज़ को प्रमुख-मामूली मोडल प्रणाली, मधुर संरचनाओं और सामंजस्य के साथ समृद्ध किया गया था।

संस्कृतियों के एकीकरण की प्रक्रिया अठारहवीं सदी में शुरू हुई और बीसवीं सदी में जैज़ का उदय हुआ।

न्यू ऑरलियन्स स्कूल अवधि

जैज़ के इतिहास में पहली वाद्य शैली की उत्पत्ति (लुइसियाना) में मानी जाती है। यह संगीत पहली बार स्ट्रीट ब्रास बैंड के प्रदर्शन में दिखाई दिया, जो उस समय बहुत लोकप्रिय थे। स्टोरीविले, शहर का एक क्षेत्र जो मनोरंजन स्थलों के लिए विशेष रूप से नामित है, इस बंदरगाह शहर में जैज़ के उद्भव के इतिहास में बहुत महत्व रखता था। यहीं पर, नीग्रो-फ़्रेंच मूल के क्रियोल संगीतकारों के बीच, जैज़ का जन्म हुआ था। वे हल्का शास्त्रीय संगीत जानते थे, शिक्षित थे, यूरोपीय वादन तकनीक में निपुण थे, यूरोपीय वाद्ययंत्र बजाते थे और संगीत पढ़ते थे। उनके उच्च प्रदर्शन स्तर और यूरोपीय परंपराओं में पालन-पोषण ने प्रारंभिक जैज़ को ऐसे तत्वों से समृद्ध किया जो अफ्रीकी प्रभावों के अधीन नहीं थे।

स्टोरीविल प्रतिष्ठानों में पियानो भी एक सामान्य वाद्ययंत्र था। यहां ध्वनि ज्यादातर कामचलाऊ थी, और उपकरण का उपयोग ताल वाद्य के रूप में अधिक किया जाता था।

प्रारंभिक न्यू ऑरलियन्स शैली का एक उदाहरण बडी बोल्डन (कॉर्नेट) बैंड है, जो 1895-1907 तक अस्तित्व में था। इस ऑर्केस्ट्रा का संगीत पॉलीफोनिक संरचना के सामूहिक सुधार पर आधारित था। सबसे पहले, शुरुआती न्यू ऑरलियन्स जैज़ रचनाओं की लय मार्च जैसी थी, क्योंकि बैंड की उत्पत्ति सैन्य बैंड से हुई थी। समय के साथ, माध्यमिक उपकरणों को ब्रास बैंड की मानक संरचना से हटा दिया गया। ऐसे समूह अक्सर प्रतियोगिताओं का आयोजन करते थे। उनमें "श्वेत" दस्तों ने भी भाग लिया, जो अपने तकनीकी खेल से प्रतिष्ठित थे, लेकिन कम भावुक थे।

वहाँ बड़ी संख्या में ऑर्केस्ट्रा थे जो मार्च, ब्लूज़, रैगटाइम आदि बजाते थे।

काले ऑर्केस्ट्रा के साथ, सफेद संगीतकारों वाले ऑर्केस्ट्रा भी दिखाई दिए। सबसे पहले उन्होंने वही संगीत प्रस्तुत किया, लेकिन उन्हें "डिक्सीलैंड" कहा गया। बाद में, इन रचनाओं में यूरोपीय प्रौद्योगिकी के अधिक तत्वों का उपयोग किया गया, उनकी ध्वनि उत्पादन की शैली बदल गई।

स्टीमशिप आर्केस्ट्रा

मिसिसिपी नदी पर चलने वाले स्टीमशिप पर काम करने वाले न्यू ऑरलियन्स ऑर्केस्ट्रा ने जैज़ की उत्पत्ति के इतिहास में एक भूमिका निभाई। आनंद नौकाओं पर यात्रा करने वाले यात्रियों के लिए, सबसे आकर्षक मनोरंजनों में से एक ऐसे ऑर्केस्ट्रा का प्रदर्शन था। उन्होंने मनोरंजक नृत्य संगीत प्रस्तुत किया। कलाकारों के लिए, संगीत साक्षरता का ज्ञान और एक शीट से नोट्स पढ़ने की क्षमता एक अनिवार्य आवश्यकता थी। इसलिए, इन रचनाओं का व्यावसायिक स्तर काफी ऊँचा था। ऐसे ऑर्केस्ट्रा में, जैज़ पियानोवादक लिल हार्डिन, जो बाद में लुई आर्मस्ट्रांग की पत्नी बनीं, ने अपना करियर शुरू किया।

उन स्टेशनों पर जहां जहाज रुकते थे, ऑर्केस्ट्रा ने स्थानीय आबादी के लिए संगीत कार्यक्रम आयोजित किए।

कुछ बैंड मिसिसिपी और मिसौरी नदियों के किनारे या दूर के शहरों में बने रहे। इनमें से एक शहर शिकागो था, जहां अश्वेतों को दक्षिण अमेरिका की तुलना में अधिक आरामदायक महसूस होता था।

बड़ा बैंड

20वीं सदी के शुरुआती 20 के दशक में, जैज़ संगीत के इतिहास में बड़े बैंड का रूप उभरा, जो 40 के दशक के अंत तक प्रासंगिक बना रहा। ऐसे आर्केस्ट्रा के कलाकार सीखे हुए भाग बजाते थे। ऑर्केस्ट्रेशन में समृद्ध जैज़ हार्मोनीज़ की उज्ज्वल ध्वनि शामिल थी, जो पीतल द्वारा प्रस्तुत की गई थी और सबसे प्रसिद्ध जैज़ ऑर्केस्ट्रा ग्लेन मिलर, बेनी गुडमैन, काउंट बेसी और जिमी लंसफोर्ड के ऑर्केस्ट्रा थे। उन्होंने स्विंग धुनों के वास्तविक हिट रिकॉर्ड किए, जो श्रोताओं के एक विस्तृत समूह में स्विंग के प्रति जुनून का स्रोत बन गए। उस समय आयोजित "बैंड की लड़ाई" में, बड़े बैंड के कामचलाऊ एकल कलाकारों ने दर्शकों को उन्माद में डाल दिया।

1950 के दशक के बाद, जब बड़े बैंड की लोकप्रियता में गिरावट आई, तो प्रसिद्ध ऑर्केस्ट्रा ने कई दशकों तक दौरा करना और रिकॉर्ड करना जारी रखा। नई दिशाओं से प्रभावित होकर उनके द्वारा प्रस्तुत संगीत बदल गया। आज, बड़ा बैंड जैज़ शिक्षा का मानक है।

शिकागो जैज़

1917 में, संयुक्त राज्य अमेरिका प्रथम विश्व युद्ध में शामिल हुआ। इस लिहाज से इसे सामरिक महत्व का शहर घोषित किया गया। सभी मनोरंजन प्रतिष्ठान जहां बड़ी संख्या में संगीतकार काम करते थे, बंद कर दिए गए। बेरोज़गार होकर, वे सामूहिक रूप से उत्तर की ओर शिकागो की ओर पलायन कर गए। इस अवधि के दौरान, न्यू ऑरलियन्स और अन्य शहरों के सभी सर्वश्रेष्ठ संगीतकार वहां मौजूद थे। सबसे प्रमुख कलाकारों में से एक जो ओलिवर था, जो न्यू ऑरलियन्स में प्रसिद्ध हो गया। शिकागो अवधि के दौरान, उनके बैंड में प्रसिद्ध संगीतकार शामिल थे: लुई आर्मस्ट्रांग (दूसरा कॉर्नेट), जॉनी डोड्स (शहनाई), उनके भाई "बेबी" डोड्स (ड्रम), और शिकागो के युवा और शिक्षित पियानोवादक लिल हार्डिन। इस ऑर्केस्ट्रा ने कामचलाऊ, पूर्ण-बनावट वाला न्यू ऑरलियन्स जैज़ बजाया।

जैज़ के विकास के इतिहास का विश्लेषण करते हुए, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि शिकागो काल के दौरान ऑर्केस्ट्रा की आवाज़ शैलीगत रूप से बदल गई। कुछ उपकरण बदले जा रहे हैं. जो प्रदर्शन स्थिर हो जाते हैं, वे उन बैंडों के उपयोग की अनुमति दे सकते हैं जो अनिवार्य सदस्य बन गए हैं। ब्रास बेस के स्थान पर डबल बास का उपयोग किया जाता है, बैंजो के स्थान पर गिटार का उपयोग किया जाता है, और कॉर्नेट के स्थान पर तुरही का उपयोग किया जाता है। ढोल समूह में भी परिवर्तन हो रहे हैं। अब ड्रमर ड्रम किट पर बजाता है, जहां उसकी क्षमताएं व्यापक हो जाती हैं।

उसी समय, ऑर्केस्ट्रा में सैक्सोफोन का उपयोग किया जाने लगा।

शिकागो में जैज़ का इतिहास संगीत की दृष्टि से शिक्षित, युवा कलाकारों के नए नामों से भरा हुआ है, जो देख कर पढ़ सकते हैं और व्यवस्था कर सकते हैं। ये संगीतकार (ज्यादातर श्वेत) जैज़ की असली न्यू ऑरलियन्स ध्वनि नहीं जानते थे, लेकिन उन्होंने इसे काले कलाकारों से सीखा जो शिकागो चले गए। संगीतमय युवाओं ने उनकी नकल की, लेकिन चूंकि यह हमेशा कारगर नहीं रहा, इसलिए एक नई शैली का उदय हुआ।

इस अवधि के दौरान, लुई आर्मस्ट्रांग का कौशल अपने चरम पर पहुंच गया, जिसने शिकागो जैज़ के लिए उदाहरण स्थापित किया और उच्चतम श्रेणी के एकल कलाकार की भूमिका को मजबूत किया।

शिकागो में ब्लूज़ का पुनर्जन्म हो रहा है, जिससे नए कलाकार सामने आ रहे हैं।

जैज़ और पॉप का मिश्रण है, इसलिए गायक अग्रभूमि में दिखाई देने लगते हैं। वे जैज़ संगत के लिए अपनी स्वयं की आर्केस्ट्रा रचनाएँ बनाते हैं।

शिकागो काल की विशेषता एक नई शैली का निर्माण है जिसमें जैज़ वाद्ययंत्रवादक गाते हैं। लुई आर्मस्ट्रांग इस शैली के प्रतिनिधियों में से एक हैं।

झूला

जैज़ के निर्माण के इतिहास में, शब्द "स्विंग" (अंग्रेजी से "स्विंगिंग" के रूप में अनुवादित) का उपयोग दो अर्थों में किया जाता है। सबसे पहले, इस संगीत में झूला एक अभिव्यंजक साधन है। यह एक अस्थिर लयबद्ध धड़कन की विशेषता है, जो त्वरित गति का भ्रम पैदा करता है। इस संबंध में, ऐसा प्रतीत होता है कि संगीत में महान आंतरिक ऊर्जा है। कलाकार और श्रोता एक सामान्य मनोशारीरिक स्थिति से एकजुट होते हैं। यह प्रभाव लयबद्ध, वाक्यांश, अभिव्यक्ति और समयबद्ध तकनीकों के उपयोग के माध्यम से प्राप्त किया जाता है। प्रत्येक जैज़ संगीतकार "स्विंगिंग" संगीत का अपना मूल तरीका विकसित करने का प्रयास करता है। यही बात समूह और आर्केस्ट्रा पर भी लागू होती है।

दूसरे, यह आर्केस्ट्रा जैज़ की शैलियों में से एक है जो बीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में दिखाई दी।

स्विंग शैली की एक विशिष्ट विशेषता एक संगत की पृष्ठभूमि के खिलाफ एकल सुधार है जो काफी जटिल है। अच्छी तकनीक, सामंजस्य का ज्ञान और संगीत विकास तकनीकों में महारत रखने वाले संगीतकार इस शैली में काम कर सकते हैं। ऐसे संगीत निर्माण के लिए बड़े आर्केस्ट्रा या बड़े बैंड उपलब्ध कराए गए, जो 30 के दशक में लोकप्रिय हो गए। एक ऑर्केस्ट्रा की मानक रचना में पारंपरिक रूप से 10-20 संगीतकार शामिल होते हैं। इनमें से - 3 से 5 तुरही, समान संख्या में ट्रॉम्बोन, एक सैक्सोफोन समूह, जिसमें एक शहनाई, साथ ही एक ताल खंड, जिसमें पियानो, स्ट्रिंग बास, गिटार और ताल वाद्य शामिल थे।

बॉप

बीसवीं सदी के मध्य 40 के दशक में, एक नई जैज़ शैली उभरी, जिसके उद्भव ने आधुनिक जैज़ के इतिहास की शुरुआत को चिह्नित किया। यह शैली झूले के विपरीत उत्पन्न हुई। उनकी गति बहुत तेज़ थी, जिसका परिचय डिज़ी गिलेस्पी और चार्ली पार्कर ने दिया था। यह एक विशिष्ट उद्देश्य से किया गया था - कलाकारों के समूह को केवल पेशेवरों तक सीमित करना।

संगीतकारों ने पूरी तरह से नए लयबद्ध पैटर्न और मधुर मोड़ का इस्तेमाल किया। हार्मोनिक भाषा अधिक जटिल हो गई है। बेस ड्रम (स्विंग में) से लयबद्ध आधार झांझ तक चला गया। संगीत में कोई भी नृत्यशीलता पूरी तरह से गायब हो गई है।

जैज़ शैलियों के इतिहास में, बीबॉप लोकप्रिय संगीत के क्षेत्र को प्रयोगात्मक रचनात्मकता की ओर छोड़ने वाला पहला व्यक्ति था, जो अपने "शुद्ध" रूप में कला के क्षेत्र में आया था। ऐसा इस शैली के प्रतिनिधियों की शिक्षावाद में रुचि के कारण हुआ।

बोपर्स अपनी चौंकाने वाली उपस्थिति और व्यवहार से प्रतिष्ठित थे, जिससे उनकी वैयक्तिकता पर जोर दिया गया।

बीबॉप संगीत छोटे समूहों द्वारा प्रस्तुत किया गया। अग्रभूमि में एकल कलाकार अपनी व्यक्तिगत शैली, कलाप्रवीण तकनीक, रचनात्मक सोच और मुक्त सुधार की महारत के साथ है।

स्विंग की तुलना में, यह दिशा अधिक कलात्मक और बौद्धिक थी, लेकिन कम व्यापक थी। यह व्यवसाय विरोधी था. फिर भी, बीबॉप तेजी से फैलने लगा, और इसके श्रोताओं का अपना व्यापक दर्शक वर्ग था।

जैज़ क्षेत्र

जैज़ के इतिहास में, दुनिया भर के संगीतकारों और श्रोताओं की निरंतर रुचि पर ध्यान देना आवश्यक है, चाहे वे किसी भी देश में रहते हों। यह इस तथ्य से समझाया गया है कि डिज़ी गिलेस्पी, डेव ब्रुबेक, ड्यूक एलिंगटन और कई अन्य जैज़ कलाकारों ने विभिन्न संगीत संस्कृतियों के संश्लेषण पर अपनी रचनाएँ बनाईं। यह तथ्य बताता है कि जैज़ वह संगीत है जिसे दुनिया भर में समझा जाता है।

आज जैज़ का इतिहास जारी है, क्योंकि इस संगीत के विकास की संभावनाएँ काफी बड़ी हैं।

यूएसएसआर और रूस में जैज़ संगीत

इस तथ्य के कारण कि यूएसएसआर में जैज़ को बुर्जुआ संस्कृति की अभिव्यक्ति माना जाता था, यह आलोचना का विषय था और अधिकारियों द्वारा प्रतिबंधित कर दिया गया था।

लेकिन 1 अक्टूबर, 1922 को यूएसएसआर में पहले पेशेवर जैज़ ऑर्केस्ट्रा के संगीत कार्यक्रम द्वारा चिह्नित किया गया था। इस ऑर्केस्ट्रा ने फैशनेबल चार्ल्सटन और फॉक्सट्रॉट नृत्यों का प्रदर्शन किया।

रूसी जैज़ के इतिहास में प्रतिभाशाली संगीतकारों के नाम शामिल हैं: पियानोवादक और संगीतकार, साथ ही पहले जैज़ ऑर्केस्ट्रा के नेता अलेक्जेंडर त्सफासमैन, गायक लियोनिद यूटेसोव और ट्रम्पेटर वाई. स्कोमोरोव्स्की।

50 के दशक के बाद, कई बड़े और छोटे जैज़ समूहों ने अपना सक्रिय रचनात्मक कार्य शुरू किया, जिसमें ओलेग लुंडस्ट्रेम का जैज़ ऑर्केस्ट्रा भी शामिल था, जो आज तक जीवित है।

वर्तमान में, मॉस्को में हर साल एक जैज़ उत्सव आयोजित किया जाता है, जिसमें विश्व प्रसिद्ध जैज़ बैंड और एकल कलाकार भाग लेते हैं।

जैज़ संगीत कला की एक अनोखी घटना है।

एक बार किसी ने मुझसे पूछा:
— क्या जैज़ वास्तव में संगीत है?
मैं इतना चकित था कि मैं उत्तर भी नहीं दे सका। समय उड़ गया. जिंदगी बदल गई, लोग बदल गए...

- जैज़ संगीत कला की एक अनोखी घटना है...

बहुत समय पहले, जब शीट संगीत अभी तक अस्तित्व में नहीं था, संगीत, जैसा कि मेरे लिए कहना आसान होगा, "कान से कान तक" प्रसारित होता था। आखिरकार, संगीत रचनात्मकता प्राचीन काल से ही है और अभी भी तीन स्तरों पर मौजूद है: एक - संगीत का संगीतकार, दूसरा - कलाकार, और तीसरा - इन दो अवधारणाओं का संयोजन - लेखक और कलाकार एक व्यक्ति में।
संगीत के लिए रचना का आधार, जिसे हम रचनाएँ कहेंगे, एक लंबी प्रक्रिया का सिद्धांत है, जो रचनात्मक आवेग को सीधे ध्वनियों में साकार करती है, जिसे बाद में एक पूर्ण कार्य के रूप में दर्ज किया जाता है।
प्रदर्शन कौशल के केंद्र में प्रदर्शन के कार्य ही होते हैं, जो बड़ी मात्रा में संगीत स्मृति विकसित करने के सिद्धांत के साथ-साथ प्रदर्शन की उत्कृष्ट तकनीकी तकनीकों के विकास पर आधारित होते हैं।
लेकिन तीसरे सिद्धांत, एक व्यक्ति में प्रदर्शन और रचना दोनों को मिलाकर, एक और महत्वपूर्ण कार्य होना चाहिए - कामचलाऊ व्यवस्था के लिए तथाकथित प्रतिभा, यानी, प्रदर्शन के दौरान संगीत के एक साथ निर्माण और प्रदर्शन का सिद्धांत (प्रारंभिक तैयारी प्रक्रिया के बिना)। हालांकि ये काफी विवादास्पद है. क्योंकि ऐसे उदाहरण हैं जब संगीतकार के पास खराब प्रदर्शन तकनीक थी और वह नहीं जानता था कि कैसे सुधार किया जाए, लेकिन उसने अद्वितीय, गुणी रचनाएँ लिखीं। और इसके विपरीत, एक कलाकार जो धुनों और सुरों के तैयार मानकों पर उत्कृष्ट रूप से सुधार कर सकता है, उसने सबसे छोटे टुकड़े की भी रचना नहीं की है।
कुछ बातें समझने के लिए यह संक्षिप्त परिचय आवश्यक है, जिसके बारे में मैं थोड़ी देर बाद बात करूंगा।
जैज़ के विकास और इतिहास के बारे में इतनी बड़ी संख्या में रचनाएँ लिखी गई हैं कि कुछ भी जोड़ना पहले से ही बहुत मुश्किल है। लेकिन यह अभी भी कहीं न कहीं दोहराने लायक है, और कहीं न कहीं उन चीजों पर ध्यान केंद्रित करने लायक है जो कभी-कभी हमारे ध्यान से बाहर हो जाती हैं। या यह 20वीं सदी की संगीत कला की एक अनूठी घटना के रूप में जैज़ के कुछ तत्वों के महत्व के बारे में जागरूकता को किसी नई दिशा में बदल सकता है।
यह अच्छी तरह से समझते हुए कि जीवन प्रक्रिया के प्रत्येक तत्व का अपना समय होता है, मैं यह नहीं कह सकता कि अकादमिक संगीत जीवित है और अच्छा है, रॉक संगीत भी, दुनिया के खजाने - लोकगीत का तो जिक्र ही नहीं। लेकिन कौन कह सकता है कि जैज़ पहले ही मर चुका है?
संगीत संस्कृति की प्रमुख प्रवृत्तियाँ, जिन्होंने अद्वितीय, शक्तिशाली उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण किया, पृथ्वी के भविष्य के विकास में हमेशा बनी रहेंगी। संपूर्ण विश्व संगीत संस्कृति के सबसे बड़े विषयों से हटकर, मैं अपने आप से यह प्रश्न पूछना चाहूंगा: - जैज़ बाकी सभी चीज़ों से किस प्रकार भिन्न है?
ऐसा करने के लिए, हमें पीछे जाकर एक महत्वपूर्ण प्रश्न पर गौर करना होगा: इम्प्रोवाइजेशन किस प्रकार की प्रक्रिया है? यह आवश्यकता किसी भविष्य के संबंध और निष्कर्ष के लिए होती है।

तो - कामचलाऊ व्यवस्था। संगीतमय सुधार संगीत रचना से कहीं अधिक पुराना है। इम्प्रोवाइज़ेशन एक इटालियन शब्द है, लेकिन यह लैटिन शब्द "इम्प्रोविसस" (अप्रत्याशित, अचानक) से आया है। यह एक विशेष प्रकार की कलात्मक रचनात्मकता है जिसमें सृजन (रचना) सीधे क्रिया (प्रदर्शन) की प्रक्रिया में होता है। यह ज्ञात है कि गैर-यूरोपीय लोगों की संगीत संस्कृतियों में, सुधार अभी भी एक महत्वपूर्ण कार्य करता है, जो विभिन्न रूपों में प्रकट होता है। कामचलाऊ प्रकार की रचनात्मकता यूरोप में हावी हो गई और 9वीं से 16वीं शताब्दी तक (प्रारंभिक संकेतन प्रणाली की उपस्थिति) से धीरे-धीरे अपनी स्थिति खोने लगी। इस महत्वपूर्ण मोड़ (लिखित उपसंस्कृति के सक्रिय प्रभाव की शुरुआत) के दौरान इम्प्रोवाइजेशन शब्द एक निश्चित जलविभाजन की अभिव्यक्ति के रूप में सामने आया। संगीत संस्कृति में - विविधताएं, कैनन, टोकाटा, फंतासी और यहां तक ​​कि फ्यूग्यू और सोनाटा फॉर्म को एक बार सक्रिय रूप से सुधार किया गया था, और सार्वजनिक रूप से प्रदर्शन की प्रक्रिया में। लेकिन संगीत संकेतन की तथाकथित सदी के आगमन के साथ, यह यूरोपीय संगीत संकेतन था, जो शब्द के पूर्ण अर्थ में, पूरी दुनिया की संगीत कला के लिए प्रचलित तत्व बन गया और यह इसके कारकों में से एक था। सार्वभौमिकता और विश्वव्यापी महत्व, और संगीत कार्यक्रम के मंच से सुधार गायब हो जाता है। यह अच्छा है या बुरा है? यहां हजारों अनुमान लगाए जा सकते हैं. लेकिन आइए इस बातचीत को अभी के लिए छोड़ दें, इस संदर्भ के लिए नहीं।
तो, लिखित पद्धति (नोटेशन) में संगीत कला की एक नई अवधारणा, विभिन्न सौंदर्य मानदंड, विभिन्न रचनात्मक मनोविज्ञान, विभिन्न श्रवण गुण और पेशेवर प्रशिक्षण के नए तरीके शामिल हैं। और स्वाभाविक रूप से, लिखित परंपराओं ने संगीत की अधिक उन्नत पद्धति (रिकॉर्डिंग) और संगीत इतिहास के अधिक सटीक कालक्रम को जन्म दिया। यूरोप की संगीतमय लिखित संस्कृति की गहराई में, कामचलाऊ कौशल धीरे-धीरे क्षीण होने लगे। इस घटना की अभिव्यक्ति XII-XVI सदियों में पहले से ही ध्यान देने योग्य है। 18वीं-19वीं शताब्दी में, स्पष्ट निरक्षरता और धूर्तता की अभिव्यक्ति के रूप में, संगीत संबंधी सुधार को विशेष रूप से निर्दयी रूप से देखा जाता था। और 19वीं शताब्दी के अंत में, वे व्यावहारिक रूप से इसके बारे में पूरी तरह से भूल गए। हालाँकि हम निश्चित रूप से जानते हैं कि वे कितने अद्भुत सुधारक थे: बाख, मोजार्ट, चोपिन, लिस्ज़त, स्क्रिपबिन, राचमानिनोव... लेकिन फिर भी, एक ऐतिहासिक प्रक्रिया के रूप में, सामान्य यूरोपीय संगीत संस्कृति के लिए सुधार का युग समाप्त हो गया है। लेकिन आगे क्या हुआ? इस प्रश्न का उत्तर देने के लिए हमें पुराने यूरोप से युवा अमेरिका की ओर बढ़ना होगा।
युवा अमेरिका के बारे में तरह-तरह की अफवाहें हैं। मुझे लगता है कि कुछ प्रगतिशील अमेरिकी अभी भी युवा अमेरिका के गठन का इतिहास आपसे और मुझसे बेहतर जानते हैं। इसलिए, मैं अपने विचारों को एक अलग दिशा में निर्देशित करूंगा। सीधे शब्दों में कहें तो विभिन्न प्रकार के लोग अमेरिका आ रहे हैं, जो स्वाभाविक रूप से विभिन्न संगीत संस्कृतियों का प्रतिनिधित्व करते हैं, ज्यादातर यूरोप से। उन्हें अफ़्रीका से भी लाया जाता है, लेकिन गुलामों के रूप में... अखिल एशियाई देशों से लोग कम संख्या में आते हैं। अमेरिका के मूल निवासियों, मुख्य रूप से भारतीयों को जबरन बाहर निकाला जा रहा है। यहां कई लोगों ने एक महत्वपूर्ण बात पर ध्यान दिया।
इस युवा देश में ढेर सारा पैसा कमाने और इस तरह अपने जीवन को बेहतर बनाने के लिए दुनिया भर से लोग अमेरिका आने लगे। यह एक अच्छा विचार है। लेकिन सामाजिक वातावरण, और इसके पीछे जीवन और संस्कृति का तरीका, रूढ़िवादी (यदि आप निश्चित रूप से, इसे ऐसा कह सकते हैं) यूरोप की तुलना में "अलग सामग्री" पर एक पूरी तरह से अलग सिद्धांत पर बनाया गया था। स्वाभाविक रूप से, संस्कृतियों और जीवन शैली का ऐसा अकल्पनीय संश्लेषण, संगठन को प्रभावित नहीं कर सका, एक निश्चित नई उपसंस्कृति का जन्म, जो यूरोपीय संस्कृति से "कुछ हद तक" अलग था। मुझे क्या मिल रहा है?
यह परी कथा कि काले दासों ने जैज़ को जन्म दिया, पूरी तरह से प्रशंसनीय नहीं है, और इसके अलावा, यह बेहद हानिकारक है।
अपने अधिकारों के लिए अश्वेत अमेरिकियों का संघर्ष सम्मानजनक है। इतिहासकार, जिन्होंने इसमें कुछ सामाजिक जड़ें देखीं, खुले तौर पर तथ्यों, अर्थात् नए संगीत उपसंस्कृति के संरचनात्मक तत्वों में हेरफेर करना शुरू कर दिया, क्योंकि वे स्वयं उस समय इसके बारे में कुछ भी नहीं समझते थे। और तुरंत यूरोप ने प्रतिक्रिया दी, और बाद में सोवियत संघ ने, और यह चलता रहा। उन दूर के समय में सबसे सरल तर्क उपयुक्त नहीं था। लेकिन फिर भी, 20वीं सदी की शुरुआत के उन सुदूर समय में भी, प्रगतिशील वैज्ञानिकों ने एक से अधिक बार लिखा (लेकिन किसी तरह उन्होंने इस पर ध्यान नहीं दिया, या ध्यान नहीं देना चाहते थे, सभी प्रकार की क्रांतियाँ और सामाजिक संघर्ष आप सही कह रहे हैं) कि जैज़ का जन्म अफ़्रीका में कभी नहीं हुआ, और उसने जड़ें भी नहीं जमाईं। और काफी हद तक भारत में भी. हालाँकि हम निश्चित रूप से कह सकते हैं कि कई भारतीय लोक लय बिल्कुल स्वीकार्य हैं और जैज़ लय के साथ पहचाने जाते हैं, अफ्रीकी से कम नहीं। क्यों?
दिलचस्प तुलना. कराटे करो। पूरी दुनिया में इस मार्शल आर्ट को जापानी माना जाता है। इस तरह से यह है। जापान में इस मार्शल आर्ट के लिए स्कूल और सामाजिक माहौल कैसे बना। लेकिन जापानी द्वीपों तक इसे पहुंचाने, मान लीजिए, सिखाने का तरीका क्या है। यह आसान है। भारत से सड़क चीन तक जाती है, फिर जापानी द्वीप ओकिनावा तक, जो उस समय भी चीनी था। तो इन कारकों के बारे में क्या?
आइए 19वीं सदी के अंत में वापस चलते हैं। यूरोप महान संगीत गुरुओं की कला का आनंद उठाकर प्रसन्न था। वह केवल एक ही इसके लायक था - चोपिन। और लिस्ज़त, वैगनर, त्चिकोवस्की, राचमानिनोव?.. और हर कोई किसी तरह उस क्षण से चूक गया जब अमेरिका में, जो पहले से ही आर्थिक ताकत हासिल कर रहा था, कई संगीत प्रणालियों के एकीकरण ने एक प्रकार के सहजीवन, एक नए संगीत उपसंस्कृति को जन्म देना शुरू कर दिया। जो 20वीं सदी में पूरी दुनिया पर कब्ज़ा कर लेगा, लेकिन यह न केवल जैज़ है, बल्कि इसकी स्वाभाविक निरंतरता के रूप में रॉक भी है।
मेरे विचार बहुत ही सरल अवधारणाओं और तुलनाओं पर आधारित होंगे, और मैं कुछ कार्यों से स्वतंत्र रूप से कहे गए वाक्यांशों को भी उद्धृत करूंगा, ताकि आपको सैद्धांतिक शब्दों के साथ किसी प्रकार के व्यभिचार में न ले जाया जाए, जिनमें से कई मुझे अभी भी याद हैं। लेकिन, निश्चित रूप से, आप और मैं शब्दावली को पूरी तरह से नहीं छोड़ेंगे, क्योंकि इसमें अक्सर अवधारणाओं का एक समूह होता है जिन्हें एक वाक्य में व्यक्त करना मुश्किल होता है।
यदि आप मेरे साथ यात्रा करना चाहें तो मुझे ख़ुशी होगी। यदि तुम मेरे विचारों के पथ से हटना चाहते हो तो इस सामग्री को बंद कर दो।

इसलिए। ऐतिहासिक घटनाओं का संगम, नियति का अंतर्संबंध, सामाजिक वातावरण, संस्कृतियों का संश्लेषण एक नए संगीत उपसंस्कृति के निर्माण के लिए आवश्यक शर्तों का एक छोटा सा घटक है। हाँ। आप इस बारे में बहुत सारी बातें कर सकते हैं कि किसी विशेष संगीत शैली का पहला कलाकार कौन था। लेकिन फिर भी, सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि हमें यह समझने की ज़रूरत है कि यह वास्तव में कौन सी दिशा है और इस दिशा में क्या मौजूद है।
आख़िरकार, इससे बचने का कोई रास्ता नहीं है ("आप प्यार में पड़ेंगे और शादी कर लेंगे"), लेकिन सभी संगीत तीन पर आधारित है, जैसा कि वे कहते हैं, स्तंभ: माधुर्य, सद्भाव और लय।

मेलोडी.
प्रत्येक पीढ़ी, जैसा कि वह थी, अपना स्वयं का मधुर प्रदर्शन विकसित करती है, जो किसी दिए गए समय के ऐतिहासिक विचारों से सबसे अच्छी तरह मेल खाती है। लेकिन माधुर्य लय और अक्सर सामंजस्य का एक अभिन्न अंग है, और काफी हद तक इन कारकों पर निर्भर है। 19वीं सदी का अंत, 20वीं सदी की शुरुआत. अमेरिका में उस समय का मुख्य मधुर घटक यूरोपीय मधुर मॉडल था, और उसके बाद ही इसमें काले अमेरिकियों, भारतीयों, अंग्रेजी, स्कॉटिश, फ्रेंच, स्पेनिश और अमेरिका में रहने वाले अन्य लोगों के लोकगीतों में निहित तत्वों का परिचय हुआ। लेकिन संगीत के प्रदर्शन की सबसे विशिष्ट तकनीक नए संगीत उपसंस्कृति में कुछ तथाकथित ब्लूज़ टोन (नीले-नोट्स) में दिखाई दी, जो अमेरिकी अश्वेतों के लोकगीतों की विशेषता है, लेकिन न केवल उन्हें (प्रमुख और मामूली की "टिमटिमा") पुराने रूसी लोककथाओं में भी निहित है)। कुछ "गंदा", "अस्थिर" (गंदा, लचीला), चीख प्रभाव (चिल्लाना)। ये उस समय के लिए मेलोडिक तकनीकों (मैं जोर देता हूं, तकनीक) के विशिष्ट तत्व हैं, जो बाद में जैज़ की विशेषता बन गए, यानी, वे मानक बन गए, लेकिन मेलोडी के मौलिक तत्व नहीं।

सद्भाव।
अपने शास्त्रीय अर्थ में सामंजस्य संगीत का एक तत्व है जो मुख्य रूप से यूरोपीय दिशा में निहित है। अमेरिकी महाद्वीप पर 20वीं सदी की शुरुआत के नए संगीत उपसंस्कृति में, सामंजस्य के विकास की प्रक्रिया संगीत रचना, बजाने की प्रक्रिया के साथ हुई और उन अभिव्यंजक साधनों से जुड़ी थी, जिन्हें एक संगीतकार किसी दिए गए समय में व्यक्त करना चाहता था। पल। जैज़ में, सामंजस्य स्वाभाविक रूप से रैखिक (अनुक्रमिक, डायटोनिक) होता है; सामंजस्य के अनुक्रम की यह संरचना न केवल उनके बल्कि कई यूरोपीय देशों के लोक संगीत की विशेषता है, हालांकि जैज़ के सभी कार्य ऐसे नहीं हैं। एक उल्लेखनीय उदाहरण: ब्लूज़ की हार्मोनिक संरचना (सद्भाव अनुक्रम), कई लोग कहते हैं कि यह पूरी तरह से अमेरिकी अश्वेतों का निर्माण है, और यह एक विशुद्ध रूप से यूरोपीय कॉर्ड अनुक्रम है (लेकिन सेप्ट/छठे कॉर्ड्स - यानी, इन कॉर्ड्स का रंग है) पहले से ही जैज़ की विशेषता): I-IV- I-II-V-I (जानबूझकर IV के बजाय II डिग्री डाल दी गई ताकि इस बात को दूर किया जा सके कि अनपढ़ अफ्रीकियों ने V-IV स्टेज टर्न का उपयोग किया था, एक हार्मोनिक टर्न जो शास्त्रीय यूरोपीय संगीत में निषिद्ध है , और II-V - यह पता चला है कि इसकी अनुमति है, लेकिन यह लगभग अगोचर है, हालाँकि इसे V-IV होने दें)। हमें पता चला कि ब्लूज़ में सामंजस्य पूरी तरह से यूरोपीय है। बारों की संख्या बारह है। लेकिन यह किसी नए नीग्रो गैर-मानक संगीत संरचना (रूप) के निर्माण का नतीजा नहीं है, बल्कि आठ बार (गठन की एक बिल्कुल यूरोपीय प्रणाली) में चार और बार जोड़ने का परिणाम है जो एक की सरल पुनरावृत्ति के कारण हुआ काव्य पाठ की चार-बार पंक्ति। 1965 में, जूलियार्ड स्कूल के मास्टर, स्नातक, शिक्षक, जॉन मेहेगन ने सद्भाव के लिए अंकन की एक डिजिटल प्रणाली (सामान्य-बास - "सामान्य बास", जो यूरोपीय संगीत संस्कृति में 200 वर्षों से मौजूद है) का उपयोग करके एक काम प्रकाशित किया, जिससे जैज़ में संगठन सद्भाव की पूरी प्रणाली को सटीक और पूरी तरह से प्रतिबिंबित करते हुए, जैज़ सद्भाव की उत्पत्ति और शास्त्रीय सद्भाव के बीच एक समानांतर रेखा खींचना। लेकिन मैं इस बात पर जोर देना चाहता हूं कि जैज़ में व्यावहारिक रूप से ट्रायड का उपयोग नहीं किया जाता है, लेकिन कम से कम चार ध्वनियों वाले कॉर्ड का उपयोग किया जाता है।

लय।
लय के क्षेत्र में जैज़ संगीतकारों ने सबसे महत्वपूर्ण उपलब्धियाँ हासिल कीं। "यह जैज़ के लयबद्ध गुण हैं जो दुनिया भर में कई लोगों को आकर्षित करते हैं और जैज़ की ध्वनि का प्रतीक बन गए हैं।" लेकिन मानक मीटर और आकार के आधार पर लय संगठन एक विशुद्ध यूरोपीय मॉडल है, जो इसकी संपूर्ण संगीत संस्कृति में निहित है। हाँ। जैज़ के अनूठे लयबद्ध तत्वों के लिए शास्त्रीय यूरोपीय संगीत में कोई समानता नहीं है। शास्त्रीय यूरोपीय संगीत के लिए, शायद हाँ, लेकिन विभिन्न गैर-यूरोपीय देशों के लोक लय मॉडल के लिए नहीं। यह अखिल एशियाई देशों, तुर्की (सकाल...), भारत (डेटसी-तलास...), बल्गेरियाई, रूसी लय और स्वाभाविक रूप से अफ्रीकी महाद्वीप की लय पर लागू होता है। यहां यूरोपीय सोच में निहित सरल लयबद्ध प्रतिरूप का एक उदाहरण दिया गया है:
1. आठवां स्वर - राग;
2. आधा - सद्भाव;
3. चौथाई - मीटर, समय।
जैज़ में इन तीन ऊर्ध्वाधरों पर एक निश्चित नया लयबद्ध संगठन होता है, जिसे किसी भी प्रकार के संगीत संकेतन में लिखा नहीं जा सकता है। हालाँकि ये एक विवादास्पद मुद्दा है. आप सब कुछ रिकॉर्ड कर सकते हैं... मैं शफ़ल, ड्राइव, क्रॉस-रिदम के बारे में ज़्यादा बात नहीं करना चाहता - इन सभी को स्विंग शब्द के साथ जोड़ा जा सकता है, लेकिन यह भी एक पारंपरिक नाम है और स्वाभाविक रूप से यह शब्द सभी को जोड़ नहीं सकता है जैज़ के लय संगठन की अवधारणाएँ, विशेष रूप से क्रॉस-रिदम (क्रॉस रिदम)। 20वीं सदी के प्रमुख संगीतकारों जैसे मेसिएन, बौलेज़, वेबरन द्वारा लय, लय के विकास के इतिहास, बायोरिदम के बारे में बहुत कुछ लिखा गया है... मैं यह नोट करना चाहूंगा कि 19वीं सदी के उत्तरार्ध के रोमांटिक संगीतकारों में से एक थे बीट के मीट्रिक फ़ंक्शन के विरुद्ध एक प्रकार के मुक्त-गतिशील जोर की ओर पहले से ही बढ़ती प्रवृत्ति है। यह पहले से ही एक प्रकार का झूला था, लेकिन अधिक स्वतंत्र और परिष्कृत था। हालाँकि, जैज़ लय ने 20वीं सदी में लय संगठन के एक नए युग की शुरुआत की।

मेरे तर्क के आधार पर, यह स्पष्ट हो जाता है कि उन दिनों किसी ने भी कुछ भी अलौकिक नहीं बनाया था, और इसकी कोई आवश्यकता भी नहीं थी। लोक के क्षेत्र में "सभी कार्यों का संग्रह" (मैं जोर देता हूं - लोक, एक ही समय में, अलग-अलग लोग) अमेरिकी महाद्वीप पर 19वीं शताब्दी के अंत और 20वीं शताब्दी की शुरुआत में संगीत संस्कृति का जन्म हुआ शक्तिशाली संगीत निर्देशन - जैज़, जिसकी तुलना केवल अकादमिक संगीत संस्कृति से की जा सकती है। साथ ही, ड्रम सहित यूरोपीय संगीत वाद्ययंत्रों का उपयोग एक बार फिर इस तर्क पर जोर देता है कि नब्बे प्रतिशत जैज़ उस समय स्वीकृत यूरोपीय पद्धति और संगीत-निर्माण के नियमों पर आधारित है।
मेलोडी. सद्भाव। लय। बदलते समय, ये तीन स्तंभ अभी भी जैज़ में मौलिक बने हुए हैं। लेकिन जैज़ जैज़ नहीं होगा यदि आप और मैंने अभी भी उस तत्व को नजरअंदाज कर दिया है जो जैज़ में इसका मूल है - कामचलाऊ व्यवस्था। जैज़ संगीत का अस्सी प्रतिशत कामचलाऊ है। सुधार के बिना, जैज़, जैसा कि आज हमारे पास है, अस्तित्व में ही नहीं होता।
लेकिन चलिए फिर से सुधार पर लौटते हैं। आप और मैं पहले से ही जानते हैं कि 19वीं शताब्दी के अंत में, अकादमिक संगीत में सुधार को विशेष रूप से निर्दयी रूप से देखा जाता था। लेकिन अमेरिकी महाद्वीप में, कुल मिलाकर, 19वीं शताब्दी के अंत में, अकादमिक संगीत को, हल्के ढंग से कहें तो, शांत व्यवहार किया जाता था।
लेकिन... लेकिन फिर भी, उस समय के कई संगीत टुकड़े और गाने, यहां तक ​​कि प्रारंभिक रैगटाइम, देश और शुरुआती ब्लूज़ जैसे, सुधार की संभावना की अनुमति के बिना बजाए गए थे। वे तो बस सीख रहे थे.
लेकिन संगीत संस्कृति में सुधार की वापसी की प्रक्रिया, यहां तक ​​कि एक नई भी, कैसे शुरू हुई?
एक कला के रूप में इम्प्रोवाइजेशन के लिए एक विशेष प्रतिभा की आवश्यकता होती है, जो एक इम्प्रोवाइजिंग संगीतकार को केवल नोट्स पढ़ने वाले संगीतकार से अलग करती है।
एक सुधारक को अपनी कला की सामग्री में महारत हासिल करनी चाहिए: संगीत रूप, माधुर्य, सामंजस्य, लय, बनावट, पॉलीफोनी, आदि, एक संगीतकार से भी बदतर नहीं। अर्थात्, सुधार के पुनरुद्धार के लिए पूर्वापेक्षाएँ ऐसे लोगों (इम्प्रोवाइजिंग संगीतकारों) का उद्भव है जो इस कला रूप के सभी तत्वों को अपना सकते हैं। और प्रक्रिया शुरू हुई. अर्थात्, संगीतकारों की आत्म-अभिव्यक्ति की प्रक्रिया शुरू हुई (सौभाग्य से, संगीत की नई दिशा - जैज़ ने इसकी अनुमति दी), रचना के संदर्भ में और प्रदर्शन कौशल के संदर्भ में।
मनोविज्ञान में एक नियम है जिसे "प्रत्याशित प्रतिबिंब" कहा जाता है। संगीत गतिविधि में, यह संगीतकारों की संगीत कार्य के आगे के विकास की भविष्यवाणी करने की क्षमता में व्यक्त किया गया था। यह कारक, कई अन्य के साथ (जिसके बारे में थोड़ी देर बाद), एक सुधारक के काम में महत्वपूर्ण है। एक सुधारक द्वारा किए गए संचालन की महत्वपूर्ण संख्या को ध्यान में रखते हुए, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि अधिकांश कौशल स्वचालित होने चाहिए, क्योंकि सुधार के समय एक संगीतकार की चेतना मुख्य रूप से संगीत विचार के विकास की खोज में व्यस्त होती है। प्रत्येक कामचलाऊ संगीतकार के पास एक "प्राथमिक संगीत परिसर" होना चाहिए:
1 संगीत के प्रति भावनात्मक रूप से प्रतिक्रिया करने की क्षमता;
दूसरा मोडल (हार्मोनिक) अहसास;
3 रूप की भावना;
4 श्रवण प्रस्तुति;
5 लयबद्ध भावना;
6 प्रदर्शन के दौरान संगीत का विश्लेषण करने और उसके विकास की भविष्यवाणी करने की क्षमता।
यह न्यूनतम है जो एक सुधारक के पास होना चाहिए।
लेकिन मैं फिर भी इम्प्रोवाइज़र के दो मुख्य कारकों पर करीब से नज़र डालना चाहूँगा, जिन्हें आप और मैं पहले से ही जानते हैं:
1) संगीतकार का उपकरण;
2) प्रदर्शन करने वाला उपकरण।
म्यूजिकल इम्प्रोवाइजेशन उत्पादक कलात्मक गतिविधि का एक रूप है, जिसके परिणामस्वरूप एक नया काम या मौजूदा संगीत विषय का एक नया संस्करण सामने आता है। इसका मुख्य उपकरण रचनात्मक सोच है। कल्पना का कार्य और अर्जित कौशल का प्रबंधन रचनात्मकता के केंद्र में है। किसी कृति का निर्माण करते समय, संगीतकार कुछ हद तक मानसिक समस्याओं को विश्लेषणात्मक स्तर पर हल करता है, चयन की विधि द्वारा कार्य करता है, जो हासिल किया गया है उसकी तुलना उस लक्ष्य से करता है जिसकी ओर वह बढ़ रहा है। रचनात्मक सोच अक्सर स्वतंत्र रूप से मुख्य प्रेरक कारक के रूप में कार्य करती है। रचनात्मक सोच के तुरंत बाद तथाकथित कलात्मक-कल्पनाशील सोच आती है। दोनों प्रकार की सोच रचनाकार के सुधारक तंत्र का आधार बनती है। मूल्यांकन के घटक, अर्थात्, संगीतकार के उपकरण का सौंदर्य स्वाद, अनुपात की भावना और रूप की भावना हैं।
और एक सुधारक, जो एक साथ संगीत का प्रदर्शन करता है और उसे बनाता है, उसके पास एक प्रदर्शन उपकरण भी होना चाहिए जो किसी रचनात्मक उपकरण से कम न हो। प्रदर्शन करने वाला उपकरण संगीतकार के उपकरण से भिन्न होता है। दर्शन की भाषा में कलाकार चिंतन करता है। और अगर हम कलाकार की रचनात्मक प्रक्रिया के ताने-बाने को और भी गहराई से देखें, तो वह संगीतकार की गतिविधि को अंतिम रूप देता है और अनुमान लगाता है, उसके विषय (कार्य) को एक पूर्ण, अत्यधिक कलात्मक छवि में बदल देता है। इसका मतलब यह है कि कलाकार का मुख्य तत्व सोच का प्रकार (प्रजनन) और उसका व्युत्पन्न - एक उच्च संगठित प्रकार की कल्पना है। और स्वाभाविक रूप से, इसके बारे में पहले ही कहा जा चुका है कि एक सुधारक के प्रदर्शन कौशल का आधार बड़ी मात्रा में संगीत स्मृति विकसित करने के सिद्धांतों के साथ-साथ प्रदर्शन की उत्कृष्ट तकनीकी तकनीकों का विकास भी है।
और इसलिए ये दो वैश्विक छवियां, संगीत सोच और कौशल की दो दिशाएं एक निश्चित पदार्थ में एकजुट हो गईं, जिसने कामचलाऊ संगीतकारों की एक पूरी तरह से नई पीढ़ी को जन्म दिया, जिससे 20 वीं शताब्दी की संगीत संस्कृति में कामचलाऊ तत्व की वापसी की श्रृंखला बंद हो गई। एक पूरे के रूप में। बेशक, यह प्रक्रिया बिजली की तरह तेज़ और स्पष्ट नहीं थी। सब कुछ धीरे-धीरे विकसित होकर अपनी जगह पर लौट आया।
एक इम्प्रोवाइज़र का पहला कौशल तथाकथित पैराफ़्रेज़ इम्प्रोवाइज़ेशन के स्तर पर होता है, यानी, उचित भिन्नता का इम्प्रोवाइज़ेशन, माधुर्य की सजावट, लय में थोड़ी विविधता, आदि।
इसके अलावा, संगीतकारों के कामचलाऊ कौशल विकसित हुए और परिणामस्वरूप रैखिक सुधार की एक निश्चित प्रणाली तैयार हुई। सुधार की यह प्रणाली लगभग आज तक हावी है, लेकिन स्वाभाविक रूप से, यह विकसित हो रही है। आज सब कुछ कामचलाऊ तत्व में आता है: माधुर्य, सामंजस्य, लय और यहां तक ​​कि रूप, कार्य की सामान्य संरचना के रूप में। तो, रैखिक सुधार मौजूदा सद्भाव, विषय, रूप, या शायद केवल सद्भाव पर, या यहां तक ​​​​कि काम की मोडल संरचना पर आधारित मेलोडिक लाइन के एक नए संस्करण की एक प्रकार की रचना है।
लेकिन कामचलाऊ व्यवस्था के तीसरे प्रकार (प्रणाली) के बारे में विभिन्न अफवाहें हैं - सहज। सहज सुधार, मुफ़्त, एक ऐसी चीज़ है जिसका विश्लेषण करना कठिन है। मान लीजिए कि मैं अपने आप को सुधार के लिए यह विकल्प प्रदान करता हूं: जी-मोल (मिक्सोलिडियन मोड), साथ ही किसी प्रकार की लय के आधार पर, या मैं टुकड़े का चरित्र चुनता हूं, गति, बनावट आदि निर्धारित करता हूं। इससे पता चलता है कि पूरी तरह से मुफ़्त सुधार जैसी कोई चीज़ नहीं है। सुधार की प्रक्रिया किसी भी तरह से पूर्व और सटीक ज्ञान और कौशल के बिना मनमाने ढंग से किया गया कोई गुप्त अनुष्ठान नहीं है। बल्कि, यह तार्किक और व्यापक संगीत विचारों का सचेत अनुप्रयोग है जो कल्पना करने की क्षमता से संपन्न प्रशिक्षित संगीत प्रतिभा के सहयोग से अभिव्यक्ति की ऊंचाइयों तक पहुंचता है।
मैं इस काम में एक संगीतकार के कामचलाऊ तंत्र के ज्ञान के इन छोटे टुकड़ों को प्रस्तुत करता हूं, बेशक, पूरी तरह से नहीं जानता, लेकिन फिर भी यह जानता हूं कि संगीत संस्कृति के इतिहास में कामचलाऊ तत्व कैसे विकसित हुआ।
20वीं सदी में कामचलाऊ व्यवस्था का विकास व्यावहारिक रूप से इसी कहानी की पुनरावृत्ति है, लेकिन समय के एक नए चरण में। यह सामान्य संगीत जगत में सुधार का पुनरुद्धार और वापसी है। और यह एक अद्वितीय, विशाल, सुंदर और अद्वितीय संगीत कला - जैज़ के जन्म और विकास के कारण हुआ।
और फिर भी, निराधार न होने के लिए, आइए कामचलाऊ कला के इतिहास में एक छोटा सा भ्रमण करें। यह अत्यंत उपयोगी है. इस बारे में बहुत कम लिखा गया है. लेकिन जो कोई इसे पढ़ना नहीं चाहता, या इस सामग्री को नहीं जानता, वह इसे छोड़ सकता है।

हमारे युग की पहली शताब्दियों में, भूमध्य सागर की संगीत परंपरा में संगीत सामग्री प्रसारित करने की केवल तथाकथित मौखिक परंपरा थी। देर से प्राचीन संस्कृति के प्राचीन स्कूल जो हमारे पास आए हैं उन्होंने सिखाया: "आपको अपनी प्रेरणा के अनुसार गाना चाहिए।" 480-525 के दार्शनिक बोथियस में हमें ये शब्द मिलते हैं: "लेकिन वह जो सुखद ढंग से गाना नहीं जानता फिर भी खुद को गुनगुनाता है"... 7वीं शताब्दी में, आध्यात्मिक मंत्रोच्चार का समय आता है। सबसे पहले, चर्च ने सुधार को बाहर नहीं किया। उस समय जब तुरंत कुछ रचना करना आवश्यक था, गायक ने स्वाभाविक रूप से कामचलाऊ कौशल का उपयोग किया। चर्चों की ग्रेगोरियन परंपराओं ने अपनी छाप छोड़ी है। पहली सहस्राब्दी में रहने वाले गायक को सटीक संकेतन की कोई आवश्यकता नहीं थी, क्योंकि वस्तुतः दोहराने योग्य संगीत अभी तक मौजूद नहीं था। प्रत्येक संगीतकार संगीत सामग्री में कुछ नया लेकर आया, अर्थात्। तात्कालिक।
दूसरी सहस्राब्दी की शुरुआत में, लिखित रचनात्मकता के अग्रदूत के रूप में, संगीत की कला पर संगीत ग्रंथों में इम्प्रोवाइजेशन शब्द अधिक से अधिक बार दिखाई देता है। जाहिर तौर पर उस युग के संगीतकार पहले से ही कामचलाऊ व्यवस्था की घटना के बारे में सोच रहे थे। संगीत शिक्षाशास्त्र और संकेतन के उत्कृष्ट सुधारक, गुइडो अरेटिन्स्की, दुर्घटनाओं पर आधारित एक रचना पद्धति को सामने रखते हैं। यह आज के खेल में अक्षर (या संख्या) सामंजस्य सुधार के समान है। लेकिन एरेटिंस्की द्वारा प्रस्तावित इस प्रकार की सहज रचना में, धारावाहिक और भाषण रचना में काम करने वाले आधुनिक अकादमिक संगीतकारों की प्रणाली अभी भी सबसे अधिक दिखाई देती है।
12वीं-14वीं शताब्दी में, टकसालों, बाजीगरों और शिलमैनों के सुधार का तरीका और उनकी कुशलता की डिग्री काफी हद तक विशिष्ट परिस्थितियों पर निर्भर करती थी। कुलीन मनोरंजन (शिकार टूर्नामेंट) संगीत के साथ होता था, और एक मध्ययुगीन जुलूस में लोकगीत प्रदर्शन, धार्मिक नाटक, नृत्य, मंत्रोच्चार और सामूहिक सुधार के तत्वों का संयोजन हो सकता था, जिसकी पुष्टि बरगुडियन अदालत के एक इतिहासकार के शब्दों से होती है:
"और चांदी की तुरहियां, लगभग छह या अधिक, और वादकों की अन्य तुरहियां, ऑर्गन बजाने वाले, वीणा बजाने वाले और अनगिनत अन्य वाद्ययंत्र - सभी ने अपने वादन की शक्ति से ऐसा शोर मचाया कि पूरा शहर गूंज उठा।" मध्य युग में सामूहिक सुधार के रूप, तरीके और तकनीकें लगभग अनायास ही विकसित हो गईं।
15वीं शताब्दी के पेशेवर यूरोपीय संगीत में पॉलीफोनी के प्रारंभिक रूपों का उद्भव और विकास लिखित और तात्कालिक प्रवृत्तियों के बीच संतुलन पर आधारित था। मूलतः मध्ययुगीन लेखकों द्वारा प्रयुक्त सभी लिखित पॉलीफोनिक रूप सामूहिक सुधार से उत्पन्न हुए हैं। इस समय, तात्कालिक पॉलीफोनी का एक रूप, तथाकथित फ़ॉबर्डन, यूरोप में व्यापक हो गया। यह मूल रूप से मिश्रित रूप का एक रूपांतर है, जहां बाहरी आवाज़ों की रचना की गई थी और बीच की आवाज़ को सुधारा गया था। लेकिन 15वीं शताब्दी में, तात्कालिक पॉलीफोनी का एक और सिद्धांत सामने आया - नकल...
16वीं-17वीं शताब्दी के पुनर्जागरण के दौरान, तथाकथित सहज रचनात्मकता को अत्यधिक महत्व दिया गया था। इम्प्रोवाइजेशन की तुलना अब किसी अनियंत्रित तत्व से नहीं की जाती, बल्कि इसके लिए उच्च कौशल, निरंतर सुधार, सार्वभौमिक ज्ञान, संरचनात्मक सोच की क्षमता और तकनीकी तकनीकों की एक पूरी प्रणाली, यानी एक वास्तविक स्कूल की महारत की आवश्यकता होती है। सुधार की कला भी सार्वभौमिक थी, जिसमें न केवल संगीत, बल्कि कविता और नाटकीय कला भी शामिल थी। उस्ताद (जैसा कि संगीतकार या कवि-सुधारकर्ता को कहा जाता था) को याद किए गए और विशेष रूप से तैयार किए गए काम को दोहराने की आवश्यकता नहीं थी, बल्कि सुधार करने का कौशल होना चाहिए, यानी हमेशा कुछ नया पेश करना। न केवल स्मृति, बल्कि हर मिनट को सृजन करने की एक उत्कृष्ट क्षमता। इस समय, सुधारकों के विशेष स्कूल बनाए गए, जहाँ शिक्षक को स्वयं अभ्यास में इस कला में महारत हासिल करनी होती थी। इस समय सुधार की तकनीक व्यावसायिक विकास के उच्च स्तर तक पहुँचती है और इसमें कई किस्में शामिल होती हैं।
पहला है एक धुन को पॉलीफोनिक पीस (ऊर्ध्वाधर रेखा) में बदलना। अब यह आधुनिक कामचलाऊ संगीतकार की सामंजस्यपूर्ण सोच में व्यक्त होता है।
एक और भिन्नता नए उद्देश्यों और वाक्यांशों की विविधता है जो मधुर रेखा (क्षैतिज रेखा) को बदल देती है। आजकल इसे लीनियर इंप्रोवाइजेशन कहा जाता है।
पुनर्जागरण का वाद्य संगीत एक अतिरिक्त विविधता - "मुक्त" आशुरचना को सामने रखता है। यह पहले से ही सुधार का एक पाठ्य-मोटर पहलू है, जो प्रस्तावना, टोकाटा आदि के पहले स्वतंत्र रूपों की ओर ले जाता है। आजकल इसे सहज सुधार कहा जाएगा, लेकिन स्पष्ट रूप से सत्यापित आधार पर।
एक अन्य प्रकार का मार्ग विकासशील, अलंकार, या ह्रास है - कामचलाऊ व्यवस्था के सजावटी मॉडल, यानी। तात्कालिक सजावट. आजकल इसे पैराफ़्रेज़ इम्प्रोवाइज़ेशन कहा जाएगा, पूरी तरह से सटीक नहीं, लेकिन फिर भी...
संगीत संस्कृति (XVIII-XIX सदियों) के विकास में अगला चरण प्रदर्शन कौशल से सुधार को खत्म करने की प्रक्रिया थी। सुधार की कला व्यक्तिगत संगीतकार-कलाकारों (ऑर्गेनिस्ट, पियानोवादक, वायलिन वादक...) की नियति बन जाती है।
ऐसा ही हुआ. यही कहानी है.
20वीं सदी में, जैज़ के जन्म, गठन और विकास की सदी में लौटने से पहले, मैं इम्प्रोवाइजेशन को ही समझना चाहूंगा, लेकिन अब संगीत प्रदर्शन की एक तरह की आंतरिक प्रक्रिया के रूप में।

इसलिए।
यहाँ सुधार की प्रक्रिया पर एक संभावित दृष्टिकोण है।
इम्प्रोवाइज़ेशन कुछ प्रकार की स्मृति पर आधारित है। सुधारक कुछ तैयार ब्लॉकों, पहले से याद किए गए संगीत खंडों से संगीत सामग्री बनाता है। सुधारक इन ब्लॉकों में हेरफेर करता है, उन्हें मोज़ेक की तरह जोड़ता है। ब्लॉक जितना छोटा होगा, मोज़ेक उतना ही सुंदर होगा, उसका रंग उतना ही मौलिक होगा और कैनवास की कलात्मक छवि उतनी ही ऊंची होगी। यह प्रक्रिया कलाकार की नियामक इच्छा और रुचि पर आधारित है। इम्प्रोवाइजेशन स्मृति में एक यादगार संगीत कार्यक्रम के रूप में दर्ज है, जिसका मूल्य न केवल इसकी स्वर-शैली की गुणवत्ता में है, बल्कि इसकी विशिष्टता में भी है। इस संगीतमय अभिनय के दौरान उत्पन्न हुए मॉडल (टोनम), वाक्यांशों को स्वयं सुधारक की स्मृति में एकत्र और सूचीबद्ध किया जाता है। कामचलाऊ गर्मी का यह लावा धीरे-धीरे सख्त हो जाता है और इस पर विचार और सुधार किया जा सकता है। इसलिए, यूरोपीय संगीत के रचनात्मक शब्दकोश में, शायद, एक भी वाक्यांश ऐसा नहीं है जो एक बार सुधार की प्रक्रिया में नहीं पाया गया हो। 1753 में, "एन एक्सपीरियंस इन द करेक्ट वे टू प्ले द क्लेवियर" कृति कामचलाऊ तकनीक सिखाने की एक विधि को प्रदर्शित करती है। व्यक्तिगत सुधार के लिए हमेशा पूरी तैयारी की आवश्यकता होती है - स्कूल। उन दिनों सुधारकों को अत्यधिक महत्व दिया जाता था। हैंडेल ने अक्सर प्रदर्शन करते समय सुधार किया। बीथोवेन हमेशा अपने सार्वजनिक सुधारों के लिए पहले से तैयारी करते थे। युवा वेबर ने एब्बे वोगलर की देखरेख में व्यवस्थित रूप से सुधार की तकनीक का अभ्यास किया। प्रत्येक प्रमुख संगीतकार ने कामचलाऊ व्यवस्था की कला में महारत हासिल करने के लिए अपनी स्वयं की पद्धति विकसित की। यह व्यक्तिगत प्रदर्शन और रचना तकनीक से संबंधित था और किसी की अपनी खेल तकनीक के बारे में जागरूकता का प्रतिनिधित्व करता था। एक छात्र जो सुधार करना जानता है, वह संगीत के प्रति अपने दृष्टिकोण में एक विशेष रचनात्मक पहल, रूप, शैली की एक विकसित भावना और एक दृढ़ स्मृति की खोज करेगा। बेशक, सुधार की घटना ने कई वैज्ञानिक समस्याओं को जन्म दिया है, क्योंकि इस क्षेत्र में एक निश्चित ऐतिहासिक अंतर ने खुद को महसूस किया है। विशेष रुचि में सुधार के मनोवैज्ञानिक और सामाजिक पहलुओं का अध्ययन, अंतर्ज्ञान के सिद्धांत में समस्याओं का विकास, तात्कालिक काउंटरपॉइंट पर एक मैनुअल का निर्माण, कमी, लय और सद्भाव का एक अधिक विस्तृत और विकसित स्कूल है; स्मृति और संयोग के बीच संबंध, कामचलाऊ व्यवस्था की बहुशैली आदि पर शोध की आवश्यकता है। लेकिन प्रक्रिया शुरू हो गई है और सफलतापूर्वक आगे बढ़ रही है।

आइए संक्षेप करें.
प्रारंभिक जैज़ में हमारे पास लय, सामंजस्य, माधुर्य, कामचलाऊ व्यवस्था जैसी अवधारणाएँ हैं... इन अवधारणाओं की जड़ें विशुद्ध रूप से यूरोपीय हैं, जैसा कि मैंने ऊपर बताया है। प्रारंभिक जैज़ में वाद्ययंत्र: हवाएँ, पियानो (या बैंजो), डबल बास, ड्रम। ये यूरोपीय वाद्ययंत्र हैं, शायद बैंजो और ड्रम सेट की गिनती नहीं, जो समय के साथ विकसित और विकसित हुए, और बाद में सैक्सोफोन दिखाई दिया। आधुनिक जैज़ में पहले से क्या बदलाव आया है? आधार वही रहता है. संगीत की दृष्टि से, पॉलीस्टाइलिस्टिक्स विकसित हुआ है और जैज़ में मौजूद है। वाद्ययंत्रों में एक इलेक्ट्रिक गिटार (वैसे, 1936 में), बाद में एक बास गिटार, कीबोर्ड (सिंथेसाइज़र), और एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के विभिन्न वाद्ययंत्र और विभिन्न देशों के जातीय वाद्ययंत्र शामिल किए गए।
और फिर भी जैज़ एक पूरी तरह से नया पदार्थ है, 20वीं सदी में पैदा हुई एक नई अनूठी कला है।
इसका संबंध किससे है?
लेकिन इससे पहले कि हम स्वयं संगीतकारों की ओर बढ़ें, जिनके बिना आधुनिक संगीत संस्कृति में यह प्रवृत्ति स्वाभाविक रूप से मौजूद नहीं होती, मैं जैज़ के संगीत ताने-बाने का थोड़ा विश्लेषण करना चाहता हूं।
19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में जैज़ बाकी संगीत संस्कृति से किस प्रकार भिन्न था? यहां हमें यह समझना होगा कि अमेरिका में अकादमिक संगीत का बुनियादी ढांचा कई कारणों से अपर्याप्त और अविकसित था। यहीं से यह सब शुरू हुआ। संगीत संस्कृति के शून्य को स्वाभाविक रूप से इस देश में रहने वाले लोगों की जातीय संगीत संस्कृतियों द्वारा भरा गया था। और, विशेष रूप से चूँकि यहाँ सब कुछ मिश्रित है।
1. स्वाभाविक रूप से, विभिन्न लोगों की लोकगीत शैलियों ने ज्यादातर मामलों में तथाकथित छोटे रूपों को व्यक्त किया। ये व्यावहारिक रूप से गीत और वाद्ययंत्र थे, जो अधिकतर नृत्य प्रकृति के थे।
2. अगला - उपकरण को छोटा करना। यदि शहरों में अभी भी संगीत वाद्ययंत्र थे: पियानो, डबल बास, पवन वाद्ययंत्र, वायलिन, यूरोपीय ताल वाद्ययंत्र, तो देशी वाद्ययंत्र भी थे: हारमोनिका, कुछ छोटे वाद्ययंत्र: बोंगो, मराकस, शायद एक प्रकार का ग्रामीण वायलिन भी...
3. संगीत की शैली, सबसे पहले, गैर-यूरोपीय और यूरोपीय संस्कृतियों के जातीय गीत और नृत्य शैलियों के एक निश्चित सहजीवन को व्यक्त करती है। इसे, सबसे पहले, विभिन्न देशों की संगीत संस्कृतियों की विशेषता वाले अद्वितीय तत्वों को एक ही गीत या नृत्य टुकड़ों के संगीतमय ताने-बाने में पेश करके व्यक्त किया गया था। इसके अलावा, सामाजिक जड़ें उभरती हुई नई संगीत कला के संगीत ताने-बाने को प्रभावित करने लगीं। यह सब जीवन से ही आया है, उसके जीवन के तरीके से, सामाजिक आर्थिक आधार से... साथ ही, ग्रामीण (देशी) संगीत का शहरी संगीत संस्कृति पर बहुत प्रभाव पड़ा और इसके विपरीत।
4. और स्वाभाविक रूप से, चूंकि हम जातीय संगीत संस्कृतियों के विलय के बारे में बात कर रहे हैं, तो, सबसे पहले, लोक संगीत हमेशा एक मौखिक परंपरा के रूप में विकसित हुआ है, अर्थात "कान से कान तक" संचरण के माध्यम से और इसका निश्चित रूप से प्रभाव पड़ा है उस समय के संगीतकारों के कामचलाऊ कौशल के निर्माण और विकास पर। संगीत संस्कृति (इम्प्रोवाइजेशन) की इस शक्तिशाली परत का पुनरुद्धार शुरू हो गया है, जो इस संगीत का प्रदर्शन करने वाले युवा संगीतकारों के कलाप्रवीण प्रदर्शन और रचना कौशल के निर्माण और विकास के लिए एक प्रकार का मास्टर स्कूल आधार है।
इस प्रकार, 20वीं शताब्दी की दहलीज पर उभरती हुई अनूठी संगीत संस्कृति, जिसे बाद में जैज़ कहा गया, अमेरिका में रहने वाले लोगों की जातीय संस्कृतियों का एक प्रकार का संश्लेषण बन गई। स्वाभाविक रूप से, जैज़ के विकास की शुरुआत में किसी शास्त्रीय (अकादमिक) संगीत की कोई बात नहीं हो सकती थी। हालाँकि शुरुआती रेग-टाइम के वाद्य संगीत को, एक विस्तार के साथ, पियानो के लिए कुछ छोटे वाद्य टुकड़ों के रूप में चित्रित किया जा सकता है, जो पियानो संगीत के शैक्षणिक रुझानों के करीब है, लेकिन पूरी तरह से "विशेष" संगीत प्रकृति का है। मैं जैज़ के विकास पर देश/और/पश्चिमी और प्रारंभिक ब्लूज़ जैसे आंदोलनों के प्रभाव के बारे में खुद को दोहराना नहीं चाहूंगा। इस सब के बारे में बड़ी संख्या में रचनाएँ लिखी और पुनः लिखी गई हैं... हम कुछ और के बारे में बात कर रहे हैं। जैज़, एक संगीत कला के रूप में, सदी के आदमी से लेकर सदी के आदमी तक संगीत संबंधी जानकारी प्रसारित करने का एक बिल्कुल नया साधन बन गया। जैज़ ने एक निश्चित पदार्थ को जन्म दिया जिसने रॉक संगीत में अपना जीवन जारी रखा। मैं इस बात पर जोर देना चाहता हूं कि हम कुछ बालों वाले, गंदे, जंगली और अशिक्षित नशेड़ियों के संगीत के रूप में रॉक संगीत के प्रति दृष्टिकोण के बारे में बात नहीं कर रहे हैं, बल्कि 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की संगीत संस्कृति की एक विशाल परत के रूप में बात कर रहे हैं, जिसने एक बड़ी संख्या में संगीत की उत्कृष्ट कृतियाँ। इसलिए, जैज़ ने संगीत के प्रदर्शन और उसे समझने की सामान्य अवधारणा को पूरी तरह से बदल दिया। ऐसा लगता है जैसे सब कुछ वैसा ही है. ऐसा लगता है जैसे कोई विशेष नई चीज़ का आविष्कार ही नहीं हुआ हो। लेकिन सब कुछ बदल गया है. मैं इस बारे में ज्यादा बात नहीं करना चाहता. एक दूसरे के बगल में एक अकादमिक (शास्त्रीय) पहनावा और एक जैज़ पहनावा, और फिर एक रॉक समूह रखें। ऐसा लगता है कि संगीतकारों की संख्या समान है, लेकिन सब कुछ बहुत अलग है। क्या हुआ?
और कुछ हुआ... संगीत कला के एक नए मॉडल के निर्माण में होने वाली सभी प्रक्रियाएं लोगों के लिए बंद कर दी गईं। जैसा कि इस धरती पर कई अन्य चीजों के साथ है।
युवा अमेरिका की सामाजिक जड़ें विषम रूप से विकसित हुईं। यह एक प्रकार का सामाजिक और राजनीतिक विरोधाभासों का बंडल था जिसे हम पुराने यूरोप में एक मिनट के लिए भी जीवित नहीं रख सकते थे। वे वहां उपस्थित भी नहीं हो सकेंगे. नये नये राज्य के लिए, जिसमें दास प्रथा अभी भी अस्तित्व में थी, और दास अफ़्रीकी थे, आधार बढ़ती अर्थव्यवस्था थी। इसके विकास में सब कुछ झोंक दिया गया। बहुत से लोग उस पर निर्भर थे. और फिर भी लोग लोग ही बने रहे। इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि उनके सिर पर कितने सदमे आए, इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि वे कितनी कठिनाइयों, अपराधों और हिंसा से गुज़रे, सदी के आदमी की नींव - उसकी आत्मा - संरक्षित थी। आख़िरकार, दिलचस्प बात यह है कि जब अमेरिका निर्माण कर रहा था और समृद्ध हो रहा था, तो सबसे गंदी नौकरियों में कई चीनी थे, लेकिन जैज़ के जन्म पर चीनियों का प्रभाव थोड़ा ध्यान देने योग्य था, क्योंकि राजनीतिक रूप से, वे अपेक्षाकृत स्वतंत्र थे।
चाहे वह खेत पर हो या शहरों में, लोगों ने अर्थव्यवस्था के आधार पर, लोगों को मालिकों और श्रमिकों में विभाजित करने के बारे में एक निश्चित जागरूकता विकसित की, यह मॉडल मूल रूप से आज तक मौजूद है। हालाँकि एक दूसरी परत भी है - ये राजनेता और उनके कर्मचारी - अधिकारी हैं। लोगों के लिए यह एक पुराना मॉडल हो सकता है, लेकिन अमेरिका में इसे स्थापित करने की जरूरत है। स्वाभाविक रूप से, "मालिकों" की सेवा "दासों" द्वारा की जानी चाहिए, और वे पहले से ही युवा अमेरिका में मौजूद थे, जो, हालांकि, लंबे समय तक कायम रहे, तब भी जब गुलामी समाप्त कर दी गई थी। इस प्रकार, यह प्रश्न स्पष्ट हो जाता है कि सज्जनों के लिए सबसे अधिक संगीत किसे बजाना चाहिए था।
आगे जो है वह और भी दिलचस्प है। इस बारे में बहुत कुछ लिखा जा चुका है। यदि खेत पर कहीं, जैसा कि था, अफ्रीकियों को उनके वंशानुगत रूप में संरक्षित किया जा सकता था, लेकिन शहरों में सफेद आबादी के साथ आत्मसात करने की प्रक्रिया स्वाभाविक रूप से हुई। इसने वह बनाया जो आज हमारे पास है - तथाकथित क्रियोल या अमेरिकी अश्वेत। आगे और भी दिलचस्प. आत्मसातीकरण एक अद्भुत दुनिया बनाता है जिसे अब हम लैटिन अमेरिकी कहते हैं। उनके साथ वह जोड़ा गया है जिसे नृवंशविज्ञानी एफ्रो-क्यूबा आबादी कहते हैं। ये वे मूल हैं जिनका आज न केवल जैज़ पर, बल्कि जैज़ पर भी बहुत बड़ा प्रभाव है। हाँ। हम कह सकते हैं कि जैज़ में कई अफ्रीकी संगीत और जातीय घटक थे और हैं। हां, हम कह सकते हैं कि पहले जैज़ सितारों में से कई क्रियोल थे, यानी। अमेरिकी अश्वेतों को गोरों के साथ मिलाया गया। लेकिन कौन गणना कर सकता है कि अन्य यूरोपीय जातीय-संगीत स्रोतों ने जैज़ के घटक को कितना प्रभावित किया: फ्रेंच, अंग्रेजी, स्पेनिश, आदि? या अन्य गैर-यूरोपीय लोगों की संगीत उत्पत्ति ने जैज़ के घटक को कैसे प्रभावित किया? ऐसा लगता है कि इसे भुला दिया गया है, लेकिन व्यर्थ। मैंने पहले जैज़ की यूरोपीय संगीत उत्पत्ति के बारे में बात की थी और यहाँ, सब कुछ पहले से ही स्पष्ट है। लेकिन यह स्पष्ट नहीं है कि हम किसी तरह इस तथ्य के आदी क्यों हैं कि यह अफ्रीकियों ने ही जैज़ का "आविष्कार" किया था?! शायद मैं गलत हूँ। शायद किसी को इसकी आदत नहीं है. लेकिन किसी तरह ऐसा हुआ कि अमेरिका की काली आबादी जैज़ से जुड़ी हुई है। यह पूरी तरह से सच नहीं है। और ऐसा बिल्कुल भी नहीं है.
वे मुझे धिक्कारेंगे, लेकिन यह क्यों विभाजित करें कि पहले कौन थे और उन्होंने जैज़ कैसे बजाया?
केवल एक ही आपत्ति है - आखिरकार, जापानी, कराटे सेनानियों के रूप में, स्वाभाविक रूप से मजबूत हैं, लेकिन दुनिया में कई लड़ाके भी कमजोर नहीं हैं।
लेकिन ये कोई लड़ाई या झगड़ा नहीं है.
आख़िरकार, बैसी स्मिथ, लुई आर्मस्ट्रांग और ड्यूक एलिंगटन प्रमुख जैज़ संगीतकार हैं, लेकिन जीन क्रुपा, बेनी गुडमैन और जॉर्ज गेर्शविन भी प्रमुख हैं। आगे। ऑस्कर पीटरसन, चार्ली पार्कर, जॉन कोलट्रैन, लेकिन बिल इवांस, चिक कोरिया, रैंडी और माइकल ब्रेकर भी... लेकिन यह कोई तुलना नहीं है। यहां तुलना उचित नहीं है. मुद्दा यह है कि जैज़ को काले और सफेद में किसने विभाजित किया? मेरे लिए, जैज़ 20वीं सदी की एक नई अनूठी कला है, जो अमेरिका में या अधिक सटीक रूप से संयुक्त राज्य अमेरिका में पैदा हुई है, और पूरे ब्रह्मांड से संबंधित है। ये किसी की संपत्ति नहीं है. यह संपूर्ण पृथ्वी जगत की संपत्ति है। बिलकुल रॉक संगीत की तरह. रॉक संगीत किसकी संपत्ति है? क्या यह सचमुच अजीब लगता है?
जब आप इस दुनिया में रहते हैं तो कई चीजें अलग तरह से खुलती हैं। आप अपने पैरों को देख सकते हैं, आप सितारों को देख सकते हैं, या आप दोनों कर सकते हैं।
चयन की स्वतंत्रता है और रहेगी।

स्वतंत्र इच्छा और सार्वभौमिक सद्भाव के प्रति जागरूकता।
और जैज़ में कितना सामंजस्य है!

लय ऊर्जा और गति है।
और जैज़ में क्या असाधारण, लौकिक लय है!

विचार ही विकास का इंजन है। मेलोडी एक विचार है. विचार अनंत और अमर है।
और जैज़ में क्या उत्कृष्ट धुन है!

रचनात्मकता वह सार्वभौमिक प्रवाह है जो सदी के मानव को अमरता की ओर ले जाती है।
और जैज़ में कितनी रचनात्मकता है!

एक बार किसी ने मुझसे पूछा:
— क्या जैज़ वास्तव में संगीत है?
मैं इतना चकित था कि मैं उत्तर भी नहीं दे सका। समय उड़ गया. जिंदगी बदल गई, लोग बदल गए...
और अब तीसरे वर्ष के लिए, मैंने इन शब्दों के साथ जैज़ इम्प्रोवाइज़ेशन पाठ्यक्रम पर व्याख्यान शुरू किया है:
- जैज़ संगीत कला की एक अनोखी घटना है...