Histoire de la musique : le jazz. Résumé - Le jazz est une forme d'art musical née à la fin du 19e et au début du 20e siècle aux États-Unis à la suite de la synthèse des cultures africaines et européennes et qui s'est ensuite répandue - Divers Arts du Jazz

le jazz– un phénomène unique dans la culture musicale mondiale. Cette forme d'art aux multiples facettes est née au tournant du siècle (XIXe et XXe) aux États-Unis. La musique jazz est devenue le fruit des cultures d’Europe et d’Afrique, une fusion unique de tendances et de formes de deux régions du monde. Par la suite, le jazz s’est répandu au-delà des États-Unis et est devenu populaire un peu partout. Cette musique prend sa base dans les chansons, rythmes et styles folkloriques africains. Dans l'histoire du développement de cette direction du jazz, on connaît de nombreuses formes et types qui sont apparus à mesure que de nouveaux modèles de rythmes et d'harmoniques étaient maîtrisés.

Caractéristiques du jazz

La synthèse de deux cultures musicales a fait du jazz un phénomène radicalement nouveau dans l’art mondial. Les spécificités de cette nouvelle musique étaient :

• Rythmes syncopés donnant lieu à des polyrythmies.
• La pulsation rythmique de la musique est le rythme.
• Déviation complexe du rythme - swing.
• Improvisation constante dans les compositions.
• Une richesse d'harmoniques, de rythmes et de timbres.

La base du jazz, surtout dans les premiers stades de développement, était l'improvisation combinée à une forme réfléchie (en même temps, la forme de la composition n'était pas nécessairement fixée quelque part). Et de la musique africaine, ce nouveau style a pris les traits caractéristiques suivants :

• Comprendre chaque instrument comme un instrument de percussion.
• Intonations conversationnelles populaires lors de l'exécution de compositions.
• Imitation similaire de conversation en jouant d'un instrument.

En général, toutes les directions du jazz se distinguent par leurs propres caractéristiques locales et il est donc logique de les considérer dans le contexte du développement historique.

L'émergence du jazz, du ragtime (années 1880-1910)

On pense que le jazz est né des esclaves noirs amenés d’Afrique aux États-Unis d’Amérique au XVIIIe siècle. Les Africains captifs n'étant pas représentés par une seule tribu, ils durent rechercher une langue commune avec leurs proches du Nouveau Monde. Une telle consolidation a conduit à l’émergence d’une culture africaine unifiée en Amérique, qui comprenait la culture musicale. Ce n’est que dans les années 1880 et 1890 que la première musique jazz émerge. Ce style a été motivé par la demande mondiale de musique de danse populaire. L'art musical africain regorgeant de telles danses rythmées, c'est sur cette base qu'une nouvelle direction est née. Des milliers d’Américains de la classe moyenne, incapables d’apprendre les danses classiques aristocratiques, ont commencé à danser sur des pianos ragtime. Ragtime a introduit plusieurs futures bases du jazz dans la musique. Ainsi, le principal représentant de ce style, Scott Joplin, est l'auteur de l'élément « 3 contre 4 » (motifs rythmiques aux sons croisés avec respectivement 3 et 4 unités).

La Nouvelle-Orléans (1910-1920)

Le jazz classique est apparu au début du XXe siècle dans les États du sud de l’Amérique, et plus particulièrement à la Nouvelle-Orléans (ce qui est logique puisque c’est dans le sud que la traite négrière était répandue).

Des orchestres africains et créoles y jouaient, créant leur musique sous l'influence du ragtime, du blues et des chants des travailleurs noirs. Après l'apparition dans la ville de nombreux instruments de musique provenant de fanfares militaires, des groupes d'amateurs ont commencé à apparaître. Le légendaire musicien de la Nouvelle-Orléans, créateur de son propre orchestre, King Oliver, était également autodidacte. Une date importante dans l’histoire du jazz fut le 26 février 1917, lorsque l’Original Dixieland Jazz Band sortit son premier disque gramophone. Les principales caractéristiques du style ont été définies à la Nouvelle-Orléans : le rythme des instruments à percussion, les solos magistral, l'improvisation vocale avec des syllabes - scat.

Chicago (1910-1920)

Dans les années 1920, appelées les « années folles » par les classiques, la musique jazz entre progressivement dans la culture de masse, perdant les titres de « honteux » et d’« indécent ». Les orchestres commencent à se produire dans des restaurants et se déplacent des États du sud vers d'autres régions des États-Unis. Chicago devient le centre du jazz dans le nord du pays, où les spectacles nocturnes gratuits de musiciens deviennent populaires (au cours de ces spectacles, il y avait de fréquentes improvisations et des solistes extérieurs). Des arrangements plus complexes apparaissent dans le style musical. L’icône du jazz de cette époque était Louis Armstrong, qui a quitté la Nouvelle-Orléans pour s’installer à Chicago. Par la suite, les styles des deux villes ont commencé à être combinés en un seul genre de musique jazz : le Dixieland. La principale caractéristique de ce style était l'improvisation collective de masse, qui élevait l'idée principale du jazz à l'absolu.

Swing et big bands (années 1930-1940)

La popularité croissante du jazz a créé une demande pour que les grands orchestres jouent des airs de danse. C'est ainsi qu'est apparu le swing, représentant des écarts caractéristiques dans les deux sens par rapport au rythme. Le swing est devenu la principale direction stylistique de cette époque, se manifestant dans le travail des orchestres. L'exécution de compositions de danse harmonieuses nécessitait un jeu plus coordonné de l'orchestre. Les musiciens de jazz étaient censés participer de manière égale, sans trop d'improvisation (à l'exception du soliste), de sorte que l'improvisation collective du Dixieland est devenue une chose du passé. Dans les années 1930, des groupes similaires ont prospéré, appelés big bands. Un trait caractéristique des orchestres de cette époque était la compétition entre groupes d'instruments et sections. Traditionnellement, il y en avait trois : saxophones, trompettes, tambours. Les musiciens de jazz les plus connus et leurs orchestres sont : Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Le dernier musicien est célèbre pour son engagement en faveur du folklore noir.

Be-bop (années 1940)

L'éloignement du swing des traditions des premiers jazz et, en particulier, des mélodies et styles classiques africains, a provoqué le mécontentement des experts en histoire. Les big bands et les artistes swing, qui travaillaient de plus en plus pour le public, commencèrent à s'opposer à la musique jazz de petits ensembles de musiciens noirs. Les expérimentateurs ont introduit des mélodies ultra-rapides, ramené de longues improvisations, des rythmes complexes et un contrôle virtuose de l'instrument solo. Le nouveau style, qui se positionne comme exclusif, commence à s'appeler bebop. Les icônes de cette période étaient des musiciens de jazz scandaleux : Charlie Parker et Dizzy Gillespie. La révolte des Noirs américains contre la commercialisation du jazz, le désir de redonner de l'intimité et de l'unicité à cette musique sont devenus un point clé. A partir de ce moment et de ce style, commence l'histoire du jazz moderne. Parallèlement, les chefs de big band viennent également dans les petits orchestres, souhaitant faire une pause dans les grandes salles. Dans des ensembles appelés combos, ces musiciens adhéraient au style swing, mais avaient la liberté d'improviser.

Cool jazz, hard bop, soul jazz et jazz-funk (années 1940-1960)

Dans les années 1950, un genre musical comme le jazz a commencé à se développer dans deux directions opposées. Les partisans de la musique classique ont « refroidi » le bebop, remettant à la mode la musique académique, la polyphonie et les arrangements. Le cool jazz s'est fait connaître pour sa retenue, sa sécheresse et sa mélancolie. Les principaux représentants de cette direction du jazz étaient : Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Mais la deuxième direction, au contraire, a commencé à développer les idées du bebop. Le style hard bop prêchait l'idée d'un retour aux racines de la musique noire. Les mélodies folkloriques traditionnelles, les rythmes vifs et agressifs, les solos explosifs et l'improvisation sont revenus à la mode. Connus dans le style hard bop sont : Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Ce style s'est développé de manière organique avec le soul-jazz et le jazz-funk. Ces styles se rapprochent du blues, faisant du rythme un aspect clé de la performance. Le jazz-funk en particulier a été introduit par Richard Holmes et Shirley Scott.

Sujet de la leçon: « Le jazz est l'art du 20ème siècle »

Sujet de la rubrique: « Le monde des images de la musique vocale et instrumentale »

Tutoriel de base: G. P. Kritskaya, E. D. Sergeeva 6e année

Type de cours : communication et assimilation de nouvelles connaissances

Le but de la leçon: former chez les étudiants une idée du jazz comme phénomène culturel unique du XXe siècle.

Tâches:

Éducatif:

présenter l'histoire du jazz et les particularités de son interprétation

présentez des artistes de jazz célèbres du passé et du présent ;

élargir la compréhension de l'interaction entre la musique légère et la musique sérieuse ;

Éducatif:

développement de l'autonomie des étudiants dans la résolution de problèmes éducatifs

développement de compétences pratiques en matière de création musicale et d'un intérêt cognitif pour la musique ;

développement des compétences de maîtrise de soi lors de l'exécution de tâches de groupe et collectives

Éducateurs :

éducation du goût esthétique, intérêt pour divers phénomènes de l'art musical

Résultats prévus:

Sujet:

apprendre à écouter et analyser des œuvres musicales ;

mettre en valeur les traits distinctifs et les moyens d'expression des œuvres musicales ;

développer des compétences en chant et d’autres types d’activités de spectacle

Métasujet :

éducatif- écouter attentivement, formuler des réponses aux questions, utiliser la littérature de référence pour obtenir les informations nécessaires, analyser et tirer des conclusions, construire un raisonnement, résoudre de manière autonome un problème créatif ;

communicatif- maîtriser la forme de communication dialogique ;

réglementaire- organiser leurs activités, accepter ses buts et objectifs, choisir les moyens pour atteindre ces buts et les appliquer dans la pratique.

Personnel:

la capacité de réagir émotionnellement à l’art, d’exprimer son attitude à son égard dans divers types d’activités, de maîtriser les premières formes de réflexion personnelle ;

Formes de travail étudiant: collectif, groupe.

Type de cours- cours-dialogue utilisant les outils TIC.

Les méthodes de travail:

Explicatif et illustratif (conversation, dialogue, raisonnement)

Pratique (création musicale créative)

Méthode Sinkwine (travail en groupe)

Équipements et matériels :

Ordinateur, vidéoprojecteur ;

Matériel musical;

Manuel 6e année ;

Illustrations pour le sujet de la leçon ;

Piano.

Matériel musical:

"Train" - Glenn Miller ,

"St. Louis Blues" de S. Joplin,

"Caravane" de Duke Ellington

Pendant les cours :

Étape organisationnelle. Mise à jour des connaissances précédemment acquises.

Après la salutation musicale traditionnelle, une composition de jazz est jouée - une salutation.

"Train" - musique. Glenn Miller

L'enseignant discute du fragment d'écoute avec les enfants.

De quel genre de musique s’agit-il et où pourriez-vous l’entendre ?

Où et quand cela a-t-il pu survenir ?

À quel peuple appartient-il ?

Cela aurait-il pu sonner à l’époque de Mozart ou de Beethoven ?

2.Fixer le but et les objectifs de la leçon. Motivation pour les activités d'apprentissage.

Le jazz est considéré comme le phénomène le plus mystérieux de la culture musicale. Pourquoi pensez-vous?

(C’est pourquoi la musique jazz a une magie particulière des sentiments ; cette musique est créée selon des lois différentes.)

Comprendre l’essence du jazz a toujours été difficile. Lorsqu'on a demandé à L. Armstrong ce qu'est le jazz, il a répondu : « Si vous le demandez, vous ne le comprendrez jamais. » Aujourd'hui, dans la leçon, nous essaierons non seulement de nous rapprocher de la révélation du phénomène le plus mystérieux de la musique, mais nous participerons nous-mêmes à sa création.

3. Assimilation primaire de nouvelles connaissances. Création musicale créative.

Le jazz est la musique des noirs américains, née à la fin du XIXe siècle de la fusion de deux cultures : européenne et africaine. Le mot « jazz » lui-même est d’origine africaine et signifie « exciter », « amener en extase ». Cette musique est aimée et appréciée partout dans le monde pour sa démocratie et sa liberté d'expression.

Les navires négriers transportant dans leurs cales des « marchandises noires vivantes » transportaient également la culture musicale africaine. Les Européens étaient fascinés par la manière de chanter des Africains, la fantaisie des voix solistes, auxquelles faisait écho le chœur : appel et réponse. L'improvisation solo se confond avec l'improvisation chorale, le chant - avec des cris et des soupirs, les voix sont passionnées et perçantes. « Laissez-les hurler », condescendaient les surveillants blancs à chanter les noirs. « Laissez-les hurler », condescendaient également les propriétaires-planteurs d'esclaves. - Après tout, les esclaves n'ont que des cabanes, des palmiers, des caisses vides, des planches, des canettes et des bâtons. Laissez-les chanter et frapper, ce n’est pas dangereux.

Le grand jazzman américain Duke Ellington a déclaré : « Craignant le silence des esclaves noirs, les propriétaires d’esclaves les ont forcés à chanter, ne voulant pas leur donner l’occasion de parler, et donc de conspirer sur des plans de vengeance et de rébellion. » les États du Sud : perçants, plutôt des équipes censées alléger un travail éreintant. Les navires négriers apportaient aussi avec eux le génie rythmique inné des noirs, les trésors de la polyrythmie africaine, l'art millénaire du tambour.

Le jazz est né aux États-Unis parmi les segments les plus pauvres de la population, descendants de noirs autrefois emmenés d'Afrique pour le travail comme esclaves. La ville de la Nouvelle-Orléans est considérée comme le berceau du jazz. La vie musicale de cette ville battait son plein. Des rythmes africains, des mélodies entraînantes françaises et américaines et des airs créoles résonnaient dans presque toutes les rues. La ville possédait ses propres orchestres symphoniques (big bands) et même une société philharmonique noire. C'est cet environnement musical diversifié de la Nouvelle-Orléans qui a servi de base à la formation du futur du jazz classique.

Les origines du jazz sont le folklore afro-américain, spirituals, blues, ragtime.

Bleus- traduit de l'anglais. a un double sens - de l'idiome américain « être triste » ; le second est bleu.

A. Batashev a dit à juste titre à propos du blues : « C'est le cri d'une âme noire tourmentée. »

« Mon seul péché est que je suis noir.
Que vais-je faire? Qui va m'aider ?
je suis tellement humilié
je suis tellement offensé
Et tout ça parce que je suis noir..."

Écoutons "Blues de Saint-Louis"

Comme le disait un vieux bluesman noir : « Le blues, c’est quand un homme bon se sent mal. » On peut ajouter que, historiquement, le blues est un pur produit de la vie américaine, de la vie de la société esclavagiste américaine. Le blues est né au plus bas de la couche la plus opprimée de la population du pays - parmi les esclaves noirs, dans les plantations et les usines. C’est un paradoxe, mais même cette partie de la population noire des États-Unis qui se considérait comme d’honnêtes chrétiens protestants avait une attitude négative à l’égard du blues, le qualifiant simplement de « chant du diable ». Ils avaient leur propre musique spirituelle - spirituelle et gospel, c'est-à-dire des prières sur des thèmes de l'Ancien et du Nouveau Testament.

- « »

Spirituel s- traduit de l'anglais "esprit, spirituel." Negro spiritual est un hymne choral spirituel, souvent composé sur des sujets et des textes bibliques. Il s'agit d'un genre de chant et de danse religieux, dont l'exécution est accompagnée d'applaudissements, de piétinements et de mouvements corporels détendus. Les spirituals sont exécutés collectivement, exprimant les idées et les aspirations de toute la communauté. Les spirituels sont souvent construits sous la forme de questions et de réponses, ce qui est caractéristique du folklore de nombreux pays.

« Laissons partir mon peuple» feu follet. Louis Armstrong

Les esclaves noirs qui fuyaient leurs maîtres pendant la guerre civile américaine étaient généralement envoyés au célèbre Fort Monroe, où se trouvaient le quartier général de commandement et la base militaire de l'armée. En 1862, beaucoup d’entre eux s’y sont rassemblés et ont fait le spirituel « Oh ! Let My People Go : Le chant des contrebandes. Sa version abrégée réaliséeest maintenant communément appelé « Descends, Moïse ».Les paroles de la chanson « Go Down, Moses » racontent l’histoire de l’Ancien Testament sur l’exode des Juifs d’Égypte. On peut dire que la base est tirée du seizième verset du septième chapitre de l'Exode, dans lequel Dieu dit à Moïse :"et dis-lui<фараону>: L'Éternel, le Dieu des Hébreux, m'a envoyé pour vous dire : Laissez partir mon peuple, afin qu'il me serve dans le désert ; mais voici, vous n’avez pas écouté jusqu’à présent. .

Il n’est pas difficile de deviner pourquoi le spirituel « Oh !Let My People Go : Le chant des contrebandes » est devenu l'hymne des esclaves en fuite . Ils se comparèrent aux Israélites que Moïse fit sortir d'Egypte, et Pharaon à leurs anciens maîtres.

Meurt en esclavageMon peuple en Egypte...Je vais donnerExodePour vous!Après toutAlors le Seigneur commande !

Mais tu ne laisseras pas partir mon peuple,Comme le Seigneur l'a ordonné,- Alors l'Egypte attend le châtiment !Alors le Seigneur commande !

Rag-time - des pièces de jazz pour piano, interprétées au banjo (instrument à cordes pincées d'origine africaine). Le ragtime vient de la danse du cakewalk des esclaves africains (traduite de l'anglais par « procession pour amener une tarte à la cuisine »). Cette danse était un mouvement saccadé mixte d'esclaves qui amusaient leurs maîtres blancs après le déjeuner et, en récompense, se rendaient à la cuisine où ils pouvaient manger à leur guise. De beaux ragtimes ont été écrits par le célèbre compositeur noir S. Joplin.

Rag-time"Feuille d'érable" de S. Joplin .

4. Vérification primaire de la compréhension.

Aujourd’hui encore, les musiciens se disputent sur le type de musique – légère ou grave – dans laquelle le jazz peut être classé. Le compositeur américain du XXe siècle L. Bernstein a écrit ceci : « J'aime le jazz parce qu'il... n'est jamais complètement triste ni complètement joyeux... ». Qu'en pensez-vous? (Discussion)

Peut-on qualifier de musique légère une musique qui aborde des sujets sérieux comme la dignité humaine, la foi en la justice, les sentiments religieux, le désir d'être aimé et l'amour ?

Ce thème rassemble le jazz avec une grande variété de musique classique. Le seul point est que la manière d’exprimer les idées figuratives dans le jazz est différente de celle dans la musique européenne. La principale différence réside dans la nature improvisée du jazz, qui était autrefois caractéristique de la musique classique.

Improvisations – de lat. "inattendu, soudain." Il s'agit d'une méthode créative qui permet de créer de la musique devant un public, sans préparation, de manière impromptue. L'art du jazz est entièrement basé sur l'improvisation.

5. Consolidation du matériel étudié.

TRAVAIL VOCAL-CHORAL SUR UNE CHANSON "Bonjour Dolly"

Écoute Ella Fitzgerald –« Bonjour Dolly ».

Dans quel style cette chanson est-elle écrite ? Par quels moyens musicaux avez-vous défini votre style musical ?

Texte russe :

Bonjour, bonjour Dolly !
Je suis là, Dolly.
Nous ne vous avons pas vu depuis de nombreuses années.
Bonjour, bonjour Dolly !
Nous sommes amis, Dolly,
Et vous direz les mêmes mots en réponse.

Bonjour, bonjour Dolly !
Tu te souviens comment à l'école,

C'était mauvais pour nous
Nous nous sommes tenus
Et nous avons porté notre amitié à travers les années.

Perdant.

Bonjour, bonjour Dolly !
Tu te souviens comment à l'école,
Nous avons juré d'être toujours proches, et quand, oui !
C'était mauvais pour nous
Nous nous sommes tenus
Et peu importe ce qui arrive,
Malgré les troubles et les ennemis,
Nous avons porté notre amitié à travers les années.

6. Résumé de la leçon. Réflexion

A la fin du cours, les enfants en groupes (4-5 personnes) composent un cinquain sur le jazz. J'ai une surprise pour vous. Vous devez créer un cinquain - un poème de cinq vers sur le jazz. L'algorithme de sa création est devant vous. Ce seront vos devoirs.

VIN SINQ

Première ligne. 1 mot – concept ou sujet (nom).

Deuxième ligne. 2 mots – description de ce concept (adjectifs).

Troisième ligne. 3 mots – actions (verbes).

Quatrième ligne. Une expression ou une phrase montrant une attitude envers un sujet (aphorisme)

Cinquième ligne. 1 mot est un synonyme qui répète l'essence du sujet.

"Caravane" de Duke Ellington

L'enseignant résume les résultats et choisit la meilleure option avec toute la classe.

Option, syncwine :

le jazz;

mystérieux insaisissable;

invite, fascine;

le jazz est la liberté d'expression ;

vie.

7. Devoirs : résoudre les mots-croisés. (Polycopié)

Le jazz est une grande culture. Le jazz est plus facile à reconnaître et à entendre qu’à décrire avec ses propres mots. Le jazz a donné naissance au rock and roll et a ouvert la voie à de nombreux chanteurs. Le rock, la musique pop, la musique de film et la musique symphonique ont également emprunté de nombreux éléments au jazz. Laissez le jazz devenir quelque chose de spécial pour chacun de vous, source d’émotions positives fortes.

Au revoir, merci pour la leçon !

Le jazz est un phénomène musical du XXe siècle

Le jazz est une partie importante de la culture musicale américaine. Issu de la musique folk et de la musique des Noirs américains, le jazz est devenu un art professionnel distinctif, exerçant une influence significative sur le développement de la musique moderne.

La musique jazz a été qualifiée d’art américain, de contribution de l’Amérique aux arts. Le jazz a également gagné en reconnaissance parmi ceux qui ont été principalement élevés dans les traditions de la musique de concert d’Europe occidentale.

Aujourd'hui, le jazz compte des adeptes et des interprètes dans toutes les régions du monde et a pénétré la culture de tous les pays. Il est juste de dire que le jazz est une musique du monde, et la première à cet égard.

Le jazz (jazz anglais) s'est développé dans les États du sud des États-Unis au tournant des XIXe et XXe siècles à la suite de la synthèse des cultures musicales européenne et africaine. Les porteurs de la culture africaine étaient des Noirs américains, descendants d'esclaves emmenés d'Afrique. Cela s'est manifesté dans des danses rituelles, des chants de travail, des hymnes spirituels - spirituals, lyriques blues et ragtime, des chants gospel (psaumes nègres) qui sont apparus au cours des XVIIIe et XXe siècles dans le processus d'assimilation par les Noirs de la culture de la population blanche du États-Unis.

Les principales caractéristiques du jazz sont le rôle fondamental du rythme, la pulsation métrique régulière ou « beat », les accents mélodiques qui créent une sensation de mouvement ondulatoire (swing), le début de l'improvisation, etc. Le jazz est aussi appelé un orchestre composé principalement de instruments à vent, à percussion et à bruit conçus pour interpréter une telle musique.

Le jazz est avant tout un art du spectacle. Ce mot est apparu pour la première fois en 1913 dans l'un des journaux de San Francisco, en 1915 il est devenu une partie du nom de l'orchestre de jazz de T. Brown, qui s'est produit à Chicago, et en 1917 il est apparu sur un disque de gramophone enregistré par le célèbre orchestre de la Nouvelle-Orléans. Groupe original DixieIand Jazz (Jass).

L’origine du mot « jazz » est elle-même assez floue. Néanmoins, cela ne fait aucun doute. Qu'il avait un sens assez vulgaire à l'époque où il commença à être appliqué à ce type de musique - vers 1915. Il faut souligner qu'au départ ce nom fut donné à la musique par les blancs, témoignant de leur dédain à son égard.

Au début, le mot « jazz » ne pouvait être entendu que dans la combinaison « groupe de jazz », qui désignait un petit ensemble composé d'une trompette, d'une clarinette, d'un trombone et d'une section rythmique (cela pouvait être un banjo ou une guitare, un tuba ou une contrebasse). , interprétant les mélodies des spirituals et du ragtime, du blues et des chansons populaires. Le spectacle était une improvisation polyphonique collective. Plus tard, l'improvisation collective n'a été conservée que dans les épisodes d'ouverture et de clôture, et dans le reste, une voix était celle du soliste, soutenue par la section rythmique et le simple son d'accords des instruments à vent.

Dans l’Europe du XVIIIe siècle, lorsque l’improvisation était une caractéristique courante de la performance musicale, un seul musicien (ou chanteur) improvisait. En jazz, à condition qu'il y ait un certain accord, même huit musiciens peuvent improviser en même temps. C'est exactement ce qui s'est passé dans les premiers styles de jazz, dans les ensembles dits Dixieland.

Le blues est le plus important et le plus influent de tous les idiomes afro-américains du jazz. Le blues utilisé dans le jazz ne reflète pas forcément la tristesse ou la tristesse. Cette forme est une combinaison d'éléments issus des traditions africaines et européennes. Le blues est chanté avec une spontanéité mélodique et une forte émotion. Au début des années 20, et peut-être avant, le blues est devenu non seulement un genre vocal, mais aussi instrumental.

Le ragtime authentique est apparu à la fin des années 1890. Il devint immédiatement populaire et fut soumis à toutes sortes de simplifications. À la base, le ragtime était une musique jouée sur des instruments dotés d'un clavier similaire à celui d'un piano. Il ne fait aucun doute que la danse cakewalk (basée à l’origine sur une parodie élégante et stylisée des manières mièvres des sudistes blancs) était antérieure au ragtime, il fallait donc qu’il y ait de la musique cakewalk.

Il existe des styles de jazz dits de la Nouvelle-Orléans et de Chicago. Les natifs de la Nouvelle-Orléans ont créé les ensembles et œuvres de jazz les plus célèbres. Le jazz ancien était généralement interprété par de petits orchestres de 5 à 8 instruments et se caractérisait par un style instrumental spécifique. Les sentiments pénètrent le jazz, d’où une plus grande élévation émotionnelle et une plus grande profondeur. Dans sa phase finale, le centre du développement du jazz s'installe à Chicago. Ses représentants les plus éminents étaient les trompettistes Joe King Oliver et Louis Armstrong, les clarinettistes J. Dodds et J. Nui, le pianiste et compositeur Jelly Roll Morton, le guitariste J. St. Cyr et le batteur Warren Baby Dodds.

L'interprétation des pièces de théâtre de l'un des premiers groupes de jazz - l'Original Dixieland Jazz-Band - a été enregistrée sur disques gramophones en 1917, et en 1923 l'enregistrement systématique des pièces de jazz a commencé.

Un large cercle du public américain s'est familiarisé avec le jazz immédiatement après la fin de la Première Guerre mondiale. Sa technique a été reprise par un grand nombre d'interprètes et a laissé sa marque sur toute la musique de divertissement aux États-Unis et en Europe occidentale.

Cependant, des années 1920 au milieu des années 1930, il était courant d'appliquer le mot « jazz » sans discernement à presque tous les types de musique influencés par le jazz sur le plan rythmique, mélodique et tonal.

Symphojazz (eng. simphojazz) est une variété de style de jazz combinée à une musique symphonique de genre léger. Ce terme a été utilisé pour la première fois dans les années 1920 par le célèbre chef d’orchestre américain Paul Whiteman. Dans la plupart des cas, il s’agissait de musique dance avec une touche « salon ». Cependant, le même Whiteman a initié la création et la première interprétation de la célèbre « Rhapsody in Blue » de George Gershwin, où la fusion du jazz et de la musique symphonique s’est révélée extrêmement organique. Il y a eu des tentatives pour recréer une synthèse similaire dans une qualité nouvelle et à une date ultérieure.

Au début des années 1930, le jazz de la Nouvelle-Orléans et de Chicago a été remplacé par le style « swing », incarné par des « big bands » comprenant 3-4 saxophones, 3 trompettes, 3 trombones et une section rythmique. Le terme « swing » vient de Louis Armstrong et était utilisé pour définir le style dans lequel son influence se faisait fortement sentir. L'augmentation de la composition a nécessité le passage à l'exécution d'arrangements pré-créés, enregistrés sur notes ou appris directement à l'oreille selon les instructions directes de l'auteur. Les contributions les plus significatives au « swing » ont été apportées par F. Henderson, E. Kennedy, Duke Ellington, W. Chick Webb, J. Landsford. Chacun d'eux combinait les talents de chef d'orchestre, d'arrangeur, de compositeur et d'instrumentiste. À leur suite, apparurent les orchestres de B. Goodman, G. Miller et d'autres, qui empruntèrent les prouesses techniques des musiciens noirs.

À la fin des années 1930, le « swing » s’est épuisé et s’est transformé en un ensemble de techniques formelles et techniques. De nombreux maîtres éminents du « swing » commencent à développer les genres du jazz de chambre et de concert. Se produisant en petits ensembles, ils créent une série de pièces s'adressant aussi bien au public dansant qu'à un cercle relativement restreint d'auditeurs connaisseurs. Ellington a enregistré avec son orchestre la suite "Reminiscence in Tempo", qui a amené le jazz au-delà du numéro de danse de trois minutes.

Le tournant décisif s’est produit au début des années 40, lorsqu’un groupe de musiciens a ouvert une nouvelle direction au jazz, en l’appelant le mot onomatopée « bebop ». Il a jeté les bases du jazz moderne (anglais modern jazz - modern jazz) - ce terme est généralement utilisé pour désigner les styles et les tendances du jazz apparus après la domination du swing. Le Bebop marque la rupture définitive entre le jazz et le domaine de la musique de divertissement. Artistiquement, il a ouvert la voie au développement indépendant du jazz comme l'une des branches de l'art musical moderne.

Dans les années 1940, l’orchestre le plus populaire était le Glenn Miller Orchestra. Cependant, le mérite de la véritable créativité du jazz au cours de ces années revient à Duke Ellington, qui, selon un critique, produisait des chefs-d'œuvre apparemment chaque semaine.

A la fin des années 40 émerge la direction du jazz « cool », caractérisé par une sonorité modérée, la transparence des couleurs et l'absence de contrastes dynamiques nets. L'émergence de cette tendance est associée aux activités du trompettiste M. Davis. Par la suite, le jazz « cool » fut pratiqué principalement par des groupes travaillant sur la côte ouest des États-Unis.

Dans le jazz des années 40 et 50, le langage harmonique devient de plus en plus chromatique, voire « néo-debussien », et les musiciens interprètent des mélodies populaires complexes. En même temps, ils continuent d’exprimer l’essence traditionnelle du blues. Et la musique a conservé et élargi la vitalité de sa base rythmique.

Les développements les plus importants dans l'histoire du jazz se concentrent autour des compositeurs qui synthétisent la musique et lui donnent des formes générales, puis autour des musiciens individuels, des solistes inventifs qui mettent périodiquement à jour le vocabulaire du jazz. Parfois ces étapes sont interchangeables, de la synthèse de Morton aux innovations d’Armstrong, de la synthèse d’Ellington aux innovations de Parker.

Depuis la seconde moitié du XXe siècle, le nombre de concepts artistiques et de styles très différents d’interprétation de la musique jazz n’a cessé d’augmenter. Une contribution notable à l'amélioration de la technique de composition du jazz a été apportée par l'ensemble Modern Jazz Quartet, qui a synthétisé les principes du « bebop », du « cool jazz » et de la polyphonie européenne des XVIIe et XVIIIe siècles. Cette tendance a conduit à la création de pièces de théâtre étendues pour orchestres mixtes, comprenant des musiciens d'orchestre académiques et des improvisateurs de jazz. Cela a encore creusé le fossé entre le jazz et le domaine de la musique de divertissement et en a complètement éloigné de larges pans du public.

À la recherche d'un substitut approprié, les jeunes danseurs ont commencé à se tourner vers le genre de musique noire quotidienne « Rhythm-and-Blues », qui combine une performance vocale expressive dans le style blues avec un accompagnement énergique de batterie et des signaux d'une guitare électrique ou d'un saxophone. Sous cette forme, la musique a été le prédécesseur du « rock and roll » des années 50 et 60, qui a eu une grande influence sur la composition et l'interprétation des chansons populaires. À leur tour, le « boogie-woogie », très populaire aux États-Unis à la fin des années 30 (en fait, il est beaucoup plus ancien), est un style de blues joué au piano.

À la fin des années 50, le rythme et le blues ont été rejoints par un autre genre populaire : la soul, qui est une version profane de l'une des branches de la musique sacrée noire.

Une autre tendance du jazz à la fin des années 60 et au début des années 70 était due à l'intérêt croissant pour le folklore et l'art musical professionnel d'Asie et d'Afrique. Un certain nombre de pièces de théâtre de différents auteurs sont publiées, basées sur des airs et des danses folkloriques du Ghana, du Nigeria, du Soudan, de l'Égypte et des pays de la péninsule arabique.

À la fin des années 60, un genre de musique jazz se développe aux États-Unis à partir du rock traditionnel, sous l'influence du musicien noir Miles Davis et de ses élèves, qui tentent de rendre leur musique plus claire et plus accessible. L'essor du rock « intelligent » et la nouveauté du style l'ont rendu extrêmement populaire au milieu des années 1970. Plus tard, le jazz-rock s'est divisé en plusieurs formes plus spécifiques, certains de ses adeptes sont revenus au jazz traditionnel, certains sont venus à la musique purement pop, et seuls quelques-uns ont continué à chercher des moyens d'une interpénétration plus profonde du jazz et du rock. Les formes modernes du jazz rock sont mieux connues sous le nom de fusion.

Pendant des décennies, le développement du jazz a été essentiellement spontané et largement déterminé par le hasard des circonstances. Tout en restant avant tout un phénomène de la culture afro-américaine, le système du langage musical du jazz et les principes de son interprétation acquièrent progressivement un caractère international. Le jazz est capable d'assimiler facilement les éléments artistiques de toute culture musicale, tout en conservant son originalité et son intégrité.

L’émergence du jazz en Europe à la fin des années 1910 a immédiatement attiré l’attention des plus grands compositeurs. Certains éléments de structure, d'intonation et de tournures et techniques rythmiques ont été utilisés dans leurs œuvres par C. Debussy, I. F. Stravinsky, M. Ravel, K. Weil et d'autres.

Dans le même temps, l’influence du jazz sur l’œuvre de ces compositeurs fut limitée et de courte durée. Aux États-Unis, la fusion du jazz avec la musique de tradition européenne a donné naissance à l'œuvre de J. Gershwin, qui est entré dans l'histoire de la musique comme le représentant le plus éminent du jazz symphonique.

Ainsi, l'histoire du jazz peut être racontée à partir du développement des sections rythmiques et du rapport des musiciens de jazz à la partie de trompette.

Des ensembles de jazz européens ont commencé à émerger au début des années 1920, mais jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale, le manque de soutien d'un public de masse les a contraints à interpréter principalement un répertoire pop et dance. Après 1945, au cours des 15 à 20 années suivantes, dans la plupart des capitales et grandes villes d'Europe, s'est formé un groupe d'instrumentistes maîtrisant la technique d'interprétation de presque toutes les formes de jazz : M. Legrand, H. Littleton, R. Scott, J. Dankworth, L. Gullin, V. Schleter, J. Kwasnicki.

Le jazz évolue dans un environnement où il rivalise avec d’autres types de musique populaire. En même temps, il s’agit d’un art si populaire qu’il a reçu l’appréciation et le respect les plus élevés et largement acceptés et a attiré l’attention des critiques et des universitaires. De plus, l’évolution d’autres types de musique populaire apparaît parfois comme un caprice de mode. Le jazz, quant à lui, évolue et se développe. Ses interprètes se sont beaucoup inspirés de la musique du passé et ont construit leur musique sur celle-ci. Et comme le disait S. Dance, « les meilleurs musiciens étaient toujours en avance sur leur public ». .

Liste de la littérature utilisée

Encyclopédie Jazz/Musique. T. 2. pp. 211-216.

Mikhailov J.K. Réflexions sur la musique américaine // USA. Économie, politique, idéologie. 1978. N° 12. p. 28-39.

Pereverzev L. Chants de travail du peuple noir // Sov. musique. 1963. N° 9. p. 125-128.

Troitskaya G. Chanteuse de jazz. Pour les tournées sur scènes étrangères // Théâtre. 1961. N° 12. p. 184-185.

Williams M. Une brève histoire du jazz // USA. Économie, politique, idéologie. 1974. N° 10. p. 84-92. N° 11. p. 107-114.

Le jazz est un type d'art musical né de la synthèse des cultures africaines et européennes avec la participation du folklore afro-américain. Le rythme et l'improvisation ont été empruntés à la musique africaine et l'harmonie à la musique européenne.

Informations générales sur les origines de la formation

L'histoire du jazz commence en 1910 aux États-Unis. Elle s'est rapidement répandue dans le monde entier. Au cours du XXe siècle, cette direction musicale a subi un certain nombre de changements. Si l'on parle brièvement de l'histoire du jazz, il convient de noter que plusieurs étapes de développement sont passées par le processus de formation. Dans les années 30 et 40 du XXe siècle, il a été fortement influencé par les mouvements swing et bebop. Après 1950, le jazz a commencé à être considéré comme un genre musical incluant tous les styles dans lesquels il a évolué.

Actuellement, le jazz a pris place dans le domaine du grand art. Il est considéré comme assez prestigieux et influence le développement de la culture musicale mondiale.

L'histoire du jazz

Cette tendance est née aux États-Unis à la suite de la fusion de plusieurs cultures musicales. L’histoire des origines du jazz commence en Amérique du Nord, dont la majeure partie était habitée par des protestants anglais et français. Les missionnaires religieux cherchaient à convertir les Noirs à leur foi, soucieux du salut de leurs âmes.

Le résultat de la synthèse des cultures est l’émergence du spirituel et du blues.

La musique africaine se caractérise par l'improvisation, la polyrythmie, la polymétrie et la linéarité. Le principe rythmique joue ici un rôle énorme. L'importance de la mélodie et de l'harmonie n'est pas si importante. Cela s'explique par le fait que la musique chez les Africains a une signification pratique. Il accompagne le travail et les rituels. La musique africaine n'est pas indépendante et est associée au mouvement, à la danse et à la récitation. Son intonation est assez libre, car elle dépend de l'état émotionnel des interprètes.

De la musique européenne, plus rationnelle, le jazz s'est enrichi d'un système modal majeur-mineur, de structures mélodiques et d'harmonie.

Le processus d’unification des cultures a débuté au XVIIIe siècle et a conduit à l’émergence du jazz au XXe siècle.

Période scolaire de la Nouvelle-Orléans

Dans l’histoire du jazz, le premier style instrumental est considéré comme originaire de (Louisiane). Cette musique est apparue pour la première fois dans les performances des fanfares de rue, très populaires à cette époque. Storyville, quartier de la ville spécialement désigné pour les lieux de divertissement, a eu une grande importance dans l'histoire de l'émergence du jazz dans cette ville portuaire. C'est ici, parmi les musiciens créoles d'origine négro-française, qu'est né le jazz. Ils connaissaient la musique classique légère, étaient éduqués, maîtrisaient les techniques de jeu européennes, jouaient d'instruments européens et lisaient de la musique. Leur haut niveau d'interprétation et leur éducation dans les traditions européennes ont enrichi le jazz des débuts avec des éléments qui n'étaient pas soumis aux influences africaines.

Le piano était également un instrument courant dans les établissements de Storyville. Le son ici était principalement de l'improvisation et l'instrument était davantage utilisé comme instrument de percussion.

Un exemple du style des débuts de la Nouvelle-Orléans est le groupe Buddy Bolden (cornet), qui existait de 1895 à 1907. La musique de cet orchestre était basée sur l'improvisation collective de structure polyphonique. Au début, le rythme des premières compositions de jazz de la Nouvelle-Orléans ressemblait à une marche, puisque l'origine des groupes provenait de fanfares militaires. Au fil du temps, les instruments secondaires ont été supprimés de la composition standard des fanfares. Ces ensembles organisaient souvent des concours. Y ont également participé des équipes « blanches », qui se distinguaient par leur jeu technique, mais étaient moins émotionnelles.

Il y avait un grand nombre d'orchestres qui jouaient des marches, du blues, du ragtime, etc.

Outre les orchestres noirs, des orchestres composés de musiciens blancs sont également apparus. Au début, ils jouaient la même musique, mais s'appelaient « Dixieland ». Plus tard, ces compositions ont utilisé davantage d'éléments de la technologie européenne et leur style de production sonore a changé.

Orchestres de bateaux à vapeur

Les orchestres de la Nouvelle-Orléans qui travaillaient sur les bateaux à vapeur sillonnant le fleuve Mississippi ont joué un rôle dans l’histoire des origines du jazz. Pour les passagers voyageant sur des bateaux de plaisance, l'un des divertissements les plus attrayants était la représentation de ces orchestres. Ils ont interprété une musique de danse divertissante. Pour les interprètes, une exigence obligatoire était la connaissance des connaissances musicales et la capacité de lire les notes d'une feuille. Ces compositions avaient donc un niveau professionnel assez élevé. Dans un tel orchestre, la pianiste de jazz Lil Hardin, qui deviendra plus tard l'épouse de Louis Armstrong, a débuté sa carrière.

Dans les gares où faisaient escale les navires, des orchestres organisaient des concerts pour la population locale.

Certaines bandes sont restées dans des villes situées le long ou loin des fleuves Mississippi et Missouri. L'une de ces villes était Chicago, où les Noirs se sentaient plus à l'aise qu'en Amérique du Sud.

Grand groupe

Au début des années 20 du 20e siècle, la forme big band a émergé dans l'histoire de la musique jazz, qui est restée d'actualité jusqu'à la fin des années 40. Les interprètes de ces orchestres jouaient des rôles savants. L'orchestration impliquait le son brillant de riches harmonies de jazz, interprétées par des cuivres et des orchestres de jazz. Les orchestres de jazz les plus célèbres étaient les orchestres de Glenn Miller, Benny Goodman, Count Basie et Jimmy Lunsford. Ils ont enregistré de véritables tubes de mélodies swing, qui sont devenus la source de la passion pour le swing chez un large cercle d'auditeurs. Lors des « batailles de groupes » qui se déroulaient à cette époque, les solistes improvisateurs des big bands rendaient le public hystérique.

Après les années 1950, lorsque la popularité des big bands a décliné, des orchestres célèbres ont continué à tourner et à enregistrer pendant plusieurs décennies. La musique qu'ils interprétaient a changé, influencée par de nouvelles orientations. Aujourd'hui, le big band est la norme de l'enseignement du jazz.

Jazz de Chicago

En 1917, les États-Unis entrent dans la Première Guerre mondiale. À cet égard, elle a été déclarée ville d'importance stratégique. Tous les établissements de divertissement où travaillaient un grand nombre de musiciens ont été fermés. Laissés au chômage, ils ont émigré en masse vers le Nord, à Chicago. Durant cette période, tous les meilleurs musiciens de la Nouvelle-Orléans et d'autres villes sont présents. L'un des artistes les plus en vue était Joe Oliver, devenu célèbre à la Nouvelle-Orléans. Pendant la période de Chicago, son groupe comprenait des musiciens célèbres : Louis Armstrong (deuxième cornet), Johnny Dodds (clarinette), son frère « Babby » Dodds (batterie) et le jeune pianiste instruit de Chicago Lil Hardin. Cet orchestre a interprété du jazz improvisé et texturé de la Nouvelle-Orléans.

En analysant l'histoire du développement du jazz, il convient de noter qu'au cours de la période de Chicago, le son des orchestres a changé de style. Certains outils sont remplacés. Les représentations qui deviennent stationnaires peuvent permettre l'utilisation de groupes devenus membres obligatoires. Une contrebasse est utilisée à la place d'une contrebasse, une guitare est utilisée à la place d'un banjo et une trompette est utilisée à la place d'un cornet. Des changements ont également lieu dans le groupe de batterie. Désormais, le batteur joue sur une batterie, où ses capacités s'élargissent.

Parallèlement, le saxophone commence à être utilisé dans les orchestres.

L'histoire du jazz à Chicago se renouvelle avec de nouveaux noms de jeunes interprètes, instruits musicalement, sachant lire à vue et arranger. Ces musiciens (pour la plupart blancs) ne connaissaient pas le vrai son du jazz de la Nouvelle-Orléans, mais ils l'ont appris auprès d'artistes noirs qui ont émigré à Chicago. La jeunesse musicale les a imités, mais comme cela n'a pas toujours fonctionné, un nouveau style est apparu.

Durant cette période, le talent de Louis Armstrong atteint son apogée, donnant l'exemple au jazz de Chicago et consolidant le rôle d'un soliste de la plus haute classe.

Le blues renaît à Chicago, faisant émerger de nouveaux artistes.

Il y a une fusion de jazz et de musique pop, de sorte que les chanteuses commencent à apparaître au premier plan. Ils créent leurs propres compositions orchestrales pour un accompagnement jazz.

La période de Chicago se caractérise par la création d'un nouveau style dans lequel chantent les instrumentistes de jazz. Louis Armstrong est l'un des représentants de ce style.

Balançoire

Dans l'histoire de la création du jazz, le terme « swing » (traduit de l'anglais par « swinging ») est utilisé dans deux sens. Premièrement, le swing est un moyen d'expression dans cette musique. Il se caractérise par une pulsation rythmique instable, créant l'illusion d'un tempo accéléré. À cet égard, il semble que la musique possède une grande énergie interne. Les interprètes et les auditeurs sont unis par un état psychophysique commun. Cet effet est obtenu grâce à l'utilisation de techniques de rythmique, de phrasé, d'articulation et de timbre. Chaque musicien de jazz s’efforce de développer sa propre manière originale de « swinguer » la musique. Il en va de même pour les ensembles et orchestres.

Deuxièmement, c'est l'un des styles de jazz orchestral apparu à la fin des années 20 du XXe siècle.

Un trait caractéristique du style swing est l'improvisation solo sur fond d'accompagnement assez complexe. Les musiciens possédant une bonne technique, une connaissance de l’harmonie et une maîtrise des techniques de développement musical pourraient travailler dans ce style. Pour une telle création musicale, de grands orchestres ou big bands étaient disponibles, qui sont devenus populaires dans les années 30. La composition standard d'un orchestre comprenait traditionnellement 10 à 20 musiciens. Parmi ceux-ci - de 3 à 5 trompettes, le même nombre de trombones, un groupe de saxophones comprenant une clarinette, ainsi qu'une section rythmique composée de piano, de basse à cordes, de guitare et d'instruments à percussion.

Bop

Au milieu des années 40 du XXe siècle, un nouveau style de jazz est apparu, dont l'émergence a marqué le début de l'histoire du jazz moderne. Ce style est apparu en contraste avec le swing. Il avait un rythme très rapide, introduit par Dizzy Gillespie et Charlie Parker. Cela a été fait dans un but précis : limiter le cercle des artistes aux seuls professionnels.

Les musiciens ont utilisé des schémas rythmiques et des tournures mélodiques complètement nouveaux. Le langage harmonique est devenu plus complexe. La base rythmique de la grosse caisse (en swing) s'est déplacée vers les cymbales. Toute danse dans la musique a complètement disparu.

Dans l’histoire des styles de jazz, le bebop a été le premier à quitter la sphère de la musique populaire pour se tourner vers la créativité expérimentale, vers la sphère de l’art dans sa forme « pure ». Cela est dû à l'intérêt des représentants de ce style pour l'académisme.

Les Boppers se distinguaient par leur apparence et leur comportement choquants, soulignant ainsi leur individualité.

La musique Bebop était interprétée par de petits ensembles. Au premier plan se trouve le soliste avec son style individuel, sa technique virtuose, sa pensée créative et sa maîtrise de l'improvisation libre.

En comparaison avec le swing, cette direction était plus artistique et intellectuelle, mais moins répandue. C'était anti-commercial. Néanmoins, le bebop a commencé à se répandre rapidement et avait son propre large public d'auditeurs.

Territoire du Jazz

Dans l’histoire du jazz, il faut noter l’intérêt constant des musiciens et des auditeurs du monde entier, quel que soit le pays dans lequel ils vivent. Cela s'explique par le fait que des artistes de jazz tels que Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington et bien d'autres ont construit leurs compositions sur une synthèse de diverses cultures musicales. Ce fait suggère que le jazz est une musique comprise dans le monde entier.

Aujourd'hui, l'histoire du jazz se poursuit, car le potentiel de développement de cette musique est assez important.

La musique jazz en URSS et en Russie

Le jazz étant considéré en URSS comme une manifestation de la culture bourgeoise, il a été critiqué et interdit par les autorités.

Mais le 1er octobre 1922 est marqué par le concert du premier orchestre de jazz professionnel d'URSS. Cet orchestre a interprété les danses à la mode du Charleston et du Foxtrot.

L'histoire du jazz russe comprend les noms de musiciens talentueux : le pianiste et compositeur, ainsi que le chef du premier orchestre de jazz Alexander Tsfasman, le chanteur Leonid Utesov et le trompettiste Y. Skomorovsky.

Après les années 50, de nombreux grands et petits ensembles de jazz ont commencé leur travail créatif actif, notamment l'orchestre de jazz d'Oleg Lundstrem, qui a survécu jusqu'à ce jour.

Actuellement, un festival de jazz a lieu chaque année à Moscou, auquel participent des groupes de jazz et des artistes solistes de renommée mondiale.

Le jazz est un phénomène unique de l'art musical.

Il était une fois quelqu'un qui me demandait :
— Le jazz est-il vraiment de la musique ?
J’étais tellement étonné que je ne pouvais même pas répondre. Le temps a passé vite. La vie a changé, les gens ont changé...

— Le jazz est un phénomène unique de l'art musical...

Il y a très longtemps, lorsque les partitions n’existaient pas encore, la musique, comme il serait plus facile de dire, se transmettait « d’une oreille à l’autre ». Après tout, la créativité musicale depuis l'Antiquité existe toujours sur trois plans : l'un - le compositeur de musique, le deuxième - l'interprète et le troisième - combinant ces deux concepts - l'auteur et l'interprète en une seule personne.
La base de la composition musicale, que nous appellerons compositions, est le principe d'un long processus, réalisant l'impulsion créatrice directement dans les sons, qui est ensuite enregistrée comme une œuvre finie.
Au cœur des compétences d'interprétation se trouvent les fonctions de l'interprétation elle-même, basées sur le principe du développement d'un grand volume de mémoire musicale, ainsi que le développement de techniques techniques d'interprétation virtuoses.
Mais le troisième principe, combinant à la fois l'interprétation et la composition chez une seule personne, doit avoir une autre fonction importante - le soi-disant talent d'improvisation, c'est-à-dire le principe de la création et de l'interprétation simultanées de la musique (sans processus de préparation préalable) pendant l'exécution. Bien que cela soit assez controversé. Parce qu'il existe des exemples où le compositeur avait une mauvaise technique d'interprétation et ne savait pas improviser, mais a écrit des œuvres virtuoses uniques. Et vice versa, un interprète capable d'improviser à merveille sur des standards de mélodies et d'harmonies prêts à l'emploi n'a pas composé le moindre morceau.
Cette courte introduction est nécessaire pour comprendre certaines choses, dont je parlerai un peu plus tard.
Un si grand nombre d'ouvrages ont été écrits sur le développement et l'histoire du jazz qu'il est déjà très difficile d'y ajouter quoi que ce soit. Mais cela vaut quand même la peine de le répéter quelque part, et de concentrer notre attention quelque part sur ces choses qui échappent parfois à notre attention. Ou encore, cela peut orienter la prise de conscience de l'importance de certains éléments du jazz, en tant que phénomène unique de l'art musical du XXe siècle, vers une nouvelle direction.
Comprenant parfaitement que chaque élément du processus de vie a son heure, je ne peux pas dire que la musique académique soit bien vivante, la musique rock aussi, sans parler du trésor du monde - le folklore. Mais qui peut dire que le jazz est déjà mort ?
Les principales tendances de la culture musicale qui ont créé des chefs-d’œuvre uniques et puissants resteront pour toujours dans le développement futur de la Terre. S'éloignant des thèmes les plus importants de toute la culture musicale mondiale, je voudrais me poser la question : - en quoi le jazz est-il différent de tout le reste ?
Pour ce faire, nous devons revenir en arrière et examiner une question importante : quel type de processus est l’improvisation ? Cette nécessité est provoquée par une connexion et une conclusion futures.

Donc - improvisation. L'improvisation musicale est bien plus ancienne que la composition musicale. L'improvisation est un mot italien, mais vient du mot latin « improvisus » (inattendu, soudain). Il s'agit d'un type particulier de créativité artistique dans lequel la création (composition) se produit directement dans le processus d'action (performance). On sait que dans les cultures musicales des peuples non européens, l'improvisation remplit encore une fonction importante, se manifestant sous différentes formes. Les types de créativité d'improvisation dominaient en Europe et ont commencé à perdre progressivement leurs positions, à partir (de l'apparition du premier système de notation) du IXe au XVIe siècle. Au cours de ce tournant (le début de l’influence active de la sous-culture écrite), le mot improvisation est apparu comme la manifestation d’un certain tournant. Dans la culture musicale, les variations, le canon, la toccata, la fantaisie et même la fugue et la sonate étaient autrefois activement improvisés, et précisément en cours de représentation en public. Mais avec l'avènement du soi-disant siècle de la notation musicale, c'est la notation musicale européenne qui est devenue, au sens plein du terme, l'élément prédominant de l'art musical du monde entier et ce fut l'un des facteurs de sa l'universalité et la signification mondiale, et l'improvisation disparaît de la scène du concert. Est-ce bon ou mauvais? Des milliers de suppositions peuvent être faites ici. Mais laissons cette conversation pour l’instant, pas dans ce contexte.
Ainsi, la méthode écrite (notation) véhicule une nouvelle conception de l'art musical, des critères esthétiques différents, une psychologie créative différente, des qualités auditives différentes et de nouvelles méthodes de formation professionnelle. Et naturellement, les traditions écrites ont conduit à une méthode (d’enregistrement) plus avancée de la musique elle-même et à une chronologie plus précise de l’histoire de la musique. Dans les profondeurs de la culture musicale écrite de l’Europe, les compétences d’improvisation ont commencé à s’émasculer progressivement. La manifestation de ce phénomène est déjà perceptible aux XIIe-XVIe siècles. Aux XVIIIe et XIXe siècles, l’improvisation musicale était considérée particulièrement mal, comme une manifestation d’analphabétisme et de charlatanisme évidents. Et à la fin du XIXe siècle, ils l'ont pratiquement complètement oublié. Même si nous savons avec certitude quels improvisateurs extraordinaires ils étaient : Bach, Mozart, Chopin, Liszt, Scriabine, Rachmaninov... Mais l'ère de l'improvisation, en tant que processus historique, est révolue pour la culture musicale européenne en général. Mais que s’est-il passé ensuite ? Pour répondre à cette question, nous devons passer de la vieille Europe à la jeune Amérique.
Il existe diverses rumeurs sur la jeune Amérique. Je pense que certains Américains progressistes connaissent encore mieux que vous et moi l’histoire de la formation de la jeune Amérique. Je vais donc orienter mes pensées dans une direction différente. En termes simples, diverses personnes affluent vers l'Amérique, représentant naturellement différentes cultures musicales, principalement européennes. Ils sont également amenés d'Afrique, mais comme esclaves... Les gens des pays pan-asiatiques arrivent en plus petit nombre. Les peuples indigènes d’Amérique, principalement les Indiens, sont chassés du pays. Ici, beaucoup de gens ont prêté attention à un détail important.
Des gens du monde entier ont commencé à affluer vers l'Amérique pour gagner beaucoup d'argent dans ce jeune pays et ainsi changer leur vie pour le mieux. C'est une bonne idée. Mais l’environnement social, et derrière lui le mode de vie et la culture, a été construit sur un principe complètement différent, sur un « matériau différent » de celui de l’Europe conservatrice (si on peut, bien sûr, l’appeler ainsi). Naturellement, une synthèse aussi inimaginable des cultures et du mode de vie lui-même ne pouvait qu'affecter l'organisation, la naissance d'une certaine nouvelle sous-culture, « quelque peu » différente de la culture européenne. Où est-ce que je veux en venir ?
Le conte de fée selon lequel les esclaves noirs ont donné naissance au jazz n’est pas tout à fait plausible et, de plus, il est extrêmement néfaste.
La lutte des Noirs américains pour leurs droits est respectable. Les historiens, qui y voyaient des racines sociales, ont commencé à manipuler ouvertement les faits, à savoir les éléments structurels de la nouvelle sous-culture musicale, parce qu'eux-mêmes n'y comprenaient rien à cette époque. Et immédiatement l’Europe a réagi, et plus tard l’Union Soviétique, et ainsi de suite. La logique la plus simple n’était pas appropriée à cette époque lointaine. Et pourtant, même à cette époque lointaine du début du 20e siècle, des scientifiques progressistes ont écrit plus d'une fois (mais d'une manière ou d'une autre, ils n'y ont pas prêté attention, ou n'ont pas voulu y prêter attention), à toutes sortes de révolutions et à la lutte pour le social. vous avez raison) que, d'une manière ou d'une autre, le jazz n'est jamais né en Afrique et n'y a même pas pris racine. Et dans une plus large mesure en Inde également. Même si nous pouvons affirmer avec certitude que de nombreux rythmes folkloriques indiens sont tout aussi acceptables et s'identifient aux rythmes du jazz, pas moins qu'aux rythmes africains. Pourquoi?
Comparaison intéressante. Karaté-do. Partout dans le monde, cet art martial est considéré comme japonais. C'est comme ça. Comment l'école elle-même et l'environnement social de cet art martial se sont formés au Japon. Mais quel est le moyen de transmettre cet enseignement, disons, aux îles japonaises ? C'est simple. De l’Inde, la route mène à la Chine, puis à l’île japonaise d’Okinawa, encore chinoise à cette époque. Alors qu’en est-il de ces facteurs ?
Revenons à la fin du 19ème siècle. L’Europe a pleinement profité de l’art des grands maîtres musicaux. Celui-là seul en valait la peine : Chopin. Et Liszt, Wagner, Tchaïkovski, Rachmaninov ?.. Et tout le monde a raté le moment où l'intégration de nombreux systèmes musicaux, en Amérique, qui gagnait déjà en puissance économique, a commencé à donner naissance à une sorte de symbiose, une nouvelle sous-culture musicale, qui conquérirait ensuite le monde entier au XXe siècle, mais ce n'est pas seulement le jazz, mais aussi le rock, qui en est le prolongement naturel.
Mes pensées seront basées sur des concepts et des comparaisons très simples, et je citerai également des phrases librement exprimées dans certains ouvrages, afin de ne pas vous entraîner dans une sorte de fornication avec des termes théoriques, dont beaucoup dont je me souviens encore. Mais, bien sûr, vous et moi n'abandonnerons pas complètement la terminologie, car elle véhicule souvent un conglomérat de concepts difficiles à exprimer en une seule phrase.
Si vous voulez voyager avec moi, je serai heureux. Si vous voulez vous éloigner du chemin de mes pensées, fermez ce document.

Donc. La confluence des événements historiques, l'entrelacement des destins, l'environnement social, la synthèse des cultures ne sont qu'une petite composante des conditions préalables à la création d'une nouvelle sous-culture musicale. Oui. On peut beaucoup parler de qui a été le premier interprète d'un genre musical particulier. Mais le plus important est que nous devons comprendre exactement de quelle direction il s’agit et ce qui existe dans cette direction.
Après tout, il n’y a pas d’échappatoire (« tu tomberas amoureux et tu te marieras »), mais toute musique repose, comme on dit, sur trois piliers : la mélodie, l’harmonie et le rythme.

Mélodie.
Chaque génération développe en quelque sorte son propre répertoire mélodique, qui correspond le mieux aux idées historiques d'une époque donnée. Mais la mélodie fait partie intégrante du rythme et, souvent, de l’harmonie, et dépend largement de ces facteurs. Fin du 19ème siècle, début du 20ème siècle. La principale composante mélodique de cette époque en Amérique était le modèle mélodique européen, et alors seulement l'introduction d'éléments inhérents au folklore des Noirs américains, des Indiens, des Anglais, des Écossais, des Français, des Espagnols et d'autres peuples habitant l'Amérique. Mais les techniques les plus caractéristiques pour interpréter la mélodie sont apparues dans la nouvelle sous-culture musicale dans certaines tonalités dites blues (blue-notes), caractéristiques du folklore des noirs américains, mais pas seulement (le « scintillement » du majeur et du mineur est inhérent au folklore russe ancien également). Quelques « sales », « instables » (sales, labiles), des effets de cri (cri). Ce sont des éléments caractéristiques des techniques mélodiques (j'insiste sur les techniques) de l'époque, qui sont ensuite devenues caractéristiques du jazz, c'est-à-dire qu'elles sont devenues des standards, mais pas des éléments fondamentaux de la mélodie.

Harmonie.
L'harmonie au sens classique est un élément de la musique inhérent principalement au sens européen. Dans la nouvelle sous-culture musicale du début du XXe siècle sur le continent américain, le processus de développement de l'harmonie s'est produit avec le processus même de composition, de jeu de la musique et était associé aux moyens d'expression qu'un musicien donné voulait exprimer à un moment donné. moment. Dans le jazz, l'harmonie est intrinsèquement linéaire (séquentielle, diatonique) ; cette structure d'une séquence d'harmonies est caractéristique de la musique folklorique de nombreux pays européens et pas seulement d'eux, bien que toutes les œuvres de jazz ne le soient pas. Un exemple frappant : la structure harmonique (séquence d'harmonie) du Blues, beaucoup disent qu'elle est entièrement une création de noirs américains, et il s'agit d'une séquence d'accords purement européenne (mais des accords sept/sixtes - c'est-à-dire que la coloration de ces accords est déjà caractéristique du jazz lui-même) : I-IV- I-II-V-I (mis délibérément le degré II au lieu de IV afin d'écarter le discours selon lequel les Africains analphabètes utilisaient la tournure scénique V-IV, une tournure harmonique interdite dans la musique classique européenne , et II-V - il s'avère que c'est autorisé, mais c'est presque imperceptible , bien que ce soit V-IV). Nous avons découvert que l'harmonie du Blues est purement européenne. Le nombre de barres est de douze. Mais ceci n'est pas le résultat de la création d'une nouvelle structure (forme) musicale non standardisée par les Noirs, mais simplement de l'ajout de quatre mesures supplémentaires à huit mesures (un système de formation absolument européen) qui s'est produit en raison de la simple répétition d'un ligne de quatre mesures de texte poétique. En 1965, le maître, célibataire, professeur de la Juilliard School, John Mehegan, publie un ouvrage utilisant un système numérique de notation pour l'harmonie (general-basse - « general bass », qui existe depuis 200 ans dans la culture musicale européenne), ainsi reflétant avec précision et complètement l'ensemble du système d'organisation de l'harmonie dans le jazz, établissant un parallèle entre les origines de l'harmonie du jazz et de l'harmonie classique. Mais je tiens à souligner que dans le jazz, les triades ne sont pratiquement pas utilisées, mais des accords avec au moins quatre sons sont utilisés.

Rythme.
Dans le domaine du rythme, les musiciens de jazz ont réalisé les réalisations les plus significatives. « Ce sont les qualités rythmiques du jazz qui fascinent de nombreuses personnes à travers le monde et qui en sont venues à symboliser le son du jazz. » Mais l’organisation rythmique basée sur des mesures et des tailles standards est un modèle purement européen, inhérent à toute sa culture musicale. Oui. Il n’existe aucune analogie dans la musique classique européenne avec les éléments rythmiques uniques du jazz. Pour la musique classique européenne, peut-être oui, mais pas pour le modèle rythmique folklorique de divers pays non européens. Cela s'applique aux pays pan-asiatiques, à la Turquie (Sakal...), à l'Inde (Detsy-Talas...), aux rythmes bulgares, russes et bien sûr aux rythmes du continent africain. Voici un exemple de contrepoint rythmique simple inhérent à la pensée européenne :
1. croches - mélodie ;
2. moitiés - harmonie ;
3. quarts - mètre, temps.
C'est sur ces trois verticales du jazz que se produit une certaine nouvelle organisation rythmique, qui ne peut être écrite dans aucune notation musicale. Bien que ce soit une question controversée. Vous pouvez tout enregistrer... Je ne veux pas beaucoup parler de shuffle, drive, cross-rythme - tout cela peut être combiné avec le mot swing, mais c'est aussi un nom conventionnel et naturellement ce mot ne peut pas combiner tous les concepts de l'organisation rythmique du jazz, notamment du rythme croisé (rythmes croisés). Beaucoup a été écrit sur les rythmes, l'histoire de l'évolution des rythmes, la biorythmie par des compositeurs majeurs du XXe siècle comme Messiaen, Boulez, Webern... Je voudrais noter que parmi les compositeurs romantiques de la fin du XIXe siècle il y avait déjà une tendance croissante vers une sorte d'accent dynamique libre contre la fonction métrique du battement. C'était déjà une sorte de swing, mais en plus libre et sophistiqué. Cependant, le rythme du jazz a marqué le début d'une nouvelle ère d'organisation du rythme au XXe siècle.

En suivant la logique de mon raisonnement, il devient clair qu'à cette époque, personne n'a créé quoi que ce soit de surnaturel, et ce n'était pas nécessaire. La « collection de toutes les œuvres » dans le domaine de la culture musicale folk (j'insiste - folk, en même temps, différents peuples) à la fin du XIXe et au début du XXe siècle sur le continent américain a conduit à la naissance d'une direction musicale puissante - le jazz, qui n'est devenu comparable qu'à la culture musicale académique. Dans le même temps, l’utilisation d’instruments de musique européens, y compris de tambours, souligne une fois de plus la logique selon laquelle quatre-vingt-dix pour cent du jazz est basé sur la méthode et les règles européennes de création musicale alors acceptées.
Mélodie. Harmonie. Rythme. Tout en évoluant, ces trois piliers restent néanmoins fondamentaux dans le jazz. Mais le jazz ne serait pas du jazz si vous et moi ignorions encore l’élément qui constitue le cœur du jazz : l’improvisation. Quatre-vingts pour cent de la musique jazz est une improvisation. Sans improvisation, le jazz tel que nous le connaissons aujourd’hui n’existerait pas du tout.
Mais revenons encore à l'improvisation. Vous et moi savons déjà qu'à la fin du XIXe siècle, l'improvisation dans la musique académique était particulièrement mal vue. Mais sur le continent américain, à la fin du XIXe siècle, la musique académique était, pour le moins, traitée avec froideur.
Mais... Pourtant, de nombreuses pièces musicales et chansons de cette époque, même comme les premiers ragtimes, country et débutants blues, étaient jouées sans permettre la possibilité d'improvisation. Ils apprenaient juste.
Mais comment a commencé le processus de retour de l’improvisation à la culture musicale, même nouvelle ?
L'improvisation, en tant que forme d'art, requiert un talent particulier, qui distingue un musicien improvisateur d'un musicien qui ne fait que lire des notes.
Un improvisateur doit maîtriser la matière de son art : forme musicale, mélodie, harmonie, rythme, texture, polyphonie, etc., pas pire qu'un compositeur. Autrement dit, les conditions préalables à la renaissance de l'improvisation sont l'émergence de personnes (musiciens improvisateurs) qui pourraient incarner tous les éléments de cette forme d'art. Et le processus a commencé. Autrement dit, le processus d'expression de soi des musiciens a commencé (heureusement, la nouvelle direction de la musique - le jazz l'a permis), à la fois en termes de composition et en termes de compétences d'interprétation.
Il existe une loi en psychologie appelée « réflexion anticipative ». Dans l'activité musicale, cela s'exprimait dans la capacité des musiciens à prédire le développement ultérieur d'une œuvre musicale. Ce facteur, ainsi que bien d'autres (dont nous parlerons un peu plus loin), est important dans le travail d'un improvisateur. Compte tenu du nombre important d'opérations effectuées par un improvisateur, il convient de noter que la plupart des compétences doivent être automatisées, puisque la conscience d'un musicien au moment de l'improvisation est principalement occupée par la recherche du développement de la pensée musicale. Tout musicien improvisateur doit posséder un « complexe musical élémentaire » :
1 capacité à réagir émotionnellement à la musique ;
2ème sensation modale (harmonique);
3 sens de la forme ;
4 présentation auditive ;
5 sensations rythmiques ;
6 la capacité d'analyser la musique pendant l'exécution et de prédire son évolution.
C'est le minimum qu'un improvisateur devrait avoir.
Mais j'aimerais quand même approfondir les deux facteurs principaux de l'improvisateur, que vous et moi connaissons déjà :
1) appareil du compositeur ;
2) appareils performants.
L'improvisation musicale est une forme d'activité artistique productive, à la suite de laquelle apparaît une nouvelle œuvre ou une nouvelle version d'un thème musical existant. Le principal outil pour cela est la pensée créative. Le travail d’imagination et de gestion des compétences acquises est au cœur de la créativité. Lors de la création d'une œuvre, le compositeur résout dans une certaine mesure les problèmes mentaux à un niveau analytique, en agissant par la méthode de sélection, en comparant ce qui a été réalisé avec le but vers lequel il se dirige. La pensée constructive agit souvent de manière indépendante comme le principal facteur déterminant. La pensée constructive est immédiatement suivie par la pensée dite artistique et imaginative. Les deux types de pensée constituent la base de l’appareil de l’improvisateur du compositeur. Les composantes de l'évaluation, c'est-à-dire le goût esthétique de l'appareil du compositeur, sont le sens des proportions et le sens de la forme.
Et un improvisateur, qui interprète et crée simultanément de la musique, doit également posséder un appareil d'exécution tout autant qu'un appareil de composition. L'appareil d'exécution diffère de l'appareil du compositeur. Dans le langage de la philosophie, l’interprète contemple. Et si nous examinons encore plus profondément le tissu du processus créatif de l’interprète, alors il finalise et spécule pour ainsi dire l’activité du compositeur, transformant son thème (œuvre) en une image complète et hautement artistique. Cela signifie que l'élément principal de l'interprète est le type de pensée (reproductrice) et son dérivé - un type d'imagination hautement organisé. Et bien sûr, il a déjà été dit à ce sujet que la base des compétences d'interprétation d'un improvisateur réside dans les principes de développement d'un grand volume de mémoire musicale, ainsi que dans le développement de techniques techniques d'interprétation virtuoses.
Ainsi, ces deux images globales, deux directions de la pensée et des compétences musicales se sont unies en une certaine substance qui a donné naissance à une toute nouvelle génération de musiciens improvisateurs, bouclant ainsi la chaîne du retour de l'élément improvisation dans la culture musicale du XXe siècle. dans son ensemble. Bien entendu, ce processus n’a pas été rapide et sans ambiguïté. Tout s'est développé et a repris sa place progressivement.
Les premières compétences d'un improvisateur se situent dans le plan de l'improvisation dite paraphrase, c'est-à-dire l'improvisation de variations appropriées, l'embellissement de la mélodie, une légère variété de rythmes, etc.
De plus, les compétences d'improvisation des musiciens se sont développées et ont abouti à un certain système d'improvisation linéaire. Ce système d’improvisation domine presque encore aujourd’hui, mais il se développe naturellement. Aujourd'hui, tout relève de l'improvisation : la mélodie, l'harmonie, le rythme et même la forme, comme structure générale de l'œuvre. Ainsi, l'improvisation linéaire est une sorte de composition d'une nouvelle version d'une ligne mélodique basée sur l'harmonie, le thème, la forme existante, ou peut-être uniquement sur l'harmonie, ou même simplement sur la structure modale de l'œuvre.
Mais il existe diverses rumeurs sur le troisième type (système) d'improvisation - spontanée. L'improvisation spontanée, libre, est quelque chose de difficile à analyser. Disons que je m'offre cette option d'improvisation : g-moll (mode mixolydien), plus basé sur une sorte de rythme, ou que je choisis le caractère du morceau, détermine le tempo, la texture, etc. Cela suggère qu’il n’existe pas d’improvisation absolument libre. Le processus d’improvisation n’est en aucun cas un rituel secret exécuté arbitrairement sans connaissances et compétences préalables et précises. Il s'agit plutôt de l'application consciente d'idées musicales logiques et globales qui atteignent des sommets d'expression en collaboration avec des talents musicaux formés et dotés de la capacité d'imaginer.
Je présente ces petites miettes de connaissances sur l'appareil d'improvisation d'un musicien dans cet ouvrage, sachant bien sûr pas complètement, mais sachant quand même comment l'élément d'improvisation s'est développé dans l'histoire de la culture musicale.
Le développement de l'improvisation au XXe siècle est pratiquement une répétition de cette histoire, mais à une nouvelle étape du temps. C'est la renaissance et le retour de l'improvisation dans le monde musical en général. Et cela s'est produit grâce à la naissance et au développement d'un art musical unique, vaste, beau et inimitable : le jazz.
Et pourtant, pour ne pas être sans fondement, faisons une petite excursion dans l'histoire de l'art improvisé. C’est extrêmement utile. Très peu de choses sont écrites à ce sujet. Mais quiconque ne veut pas lire ceci ou connaît ce document peut le sauter.

Dans les premiers siècles de notre ère, dans la tradition musicale méditerranéenne, il n’existait que la tradition dite orale de transmission du matériel musical. Les anciennes écoles de la culture de l’Antiquité tardive qui nous sont parvenues enseignaient : « il faut chanter selon sa propre inspiration ». Chez le philosophe Boèce de 480-525, on retrouve les mots : « mais celui qui ne sait pas chanter agréablement fredonne quand même pour lui-même »... Au VIIe siècle, vient le temps du chant spirituel. Au début, l’Église n’excluait pas l’improvisation. Au moment où il fallait composer quelque chose instantanément, le chanteur a naturellement utilisé ses talents d'improvisation. Les traditions grégoriennes des églises ont laissé des traces. Le chanteur du premier millénaire n’avait pas besoin d’une notation précise, car la musique littéralement reproductible n’existait pas encore. Chaque musicien a apporté quelque chose de nouveau au matériau musical, c'est-à-dire improvisé.
Au début du deuxième millénaire, le mot improvisation apparaît de plus en plus souvent dans les traités musicaux sur l'art de la musique, comme précurseur de la créativité écrite. Apparemment, les musiciens de cette époque réfléchissaient déjà au phénomène même de l’improvisation. L'éminent réformateur de la pédagogie musicale et de la notation, Guido Aretinsky, propose une méthode de composition basée sur les accidents. Ceci est très similaire à ce que serait une improvisation d'harmonie de lettres (ou de chiffres) dans le jeu d'aujourd'hui. Mais dans ce type de composition spontanée proposé par Aretinsky, le système des compositeurs académiques modernes travaillant dans la composition sérielle et aléatoire est encore plus visible.
Aux XIIe-XIVe siècles, le mode d'improvisation des ménestrels, des jongleurs et des shpilmans ainsi que le degré de leur virtuosité dépendaient en grande partie de conditions spécifiques. Les divertissements aristocratiques (tournois de chasse) étaient accompagnés de musique, et une procession médiévale pouvait combiner des éléments de spectacle folklorique, de drame religieux, de danse, de chant et d'improvisation d'ensemble, ce que confirment les propos d'un chroniqueur de la cour bourguignonne :
"et les trompettes d'argent, au nombre de six ou plus, et d'autres trompettes de ménestrel, des joueurs d'orgue, des harpes et d'autres instruments innombrables - tous avec la puissance de leur jeu faisaient un tel bruit que toute la ville sonnait." Les formes, méthodes et techniques d’improvisation collective au Moyen Âge se sont développées presque spontanément.
L'émergence et le développement des premières formes de polyphonie dans la musique professionnelle européenne du XVe siècle reposaient sur un équilibre entre les tendances écrites et improvisées. La quasi-totalité des formes polyphoniques écrites utilisées par les auteurs médiévaux sont issues de l'improvisation collective. A cette époque, une forme de polyphonie improvisée, appelée faubourdon, se généralise en Europe. Il s'agit essentiellement d'une variation de la forme mixte, où les voix extérieures ont été composées et celle du milieu a été improvisée. Mais au XVe siècle, un autre principe de polyphonie improvisée apparaît : l'imitation...
Durant la Renaissance des XVIe et XVIIe siècles, la créativité dite spontanée était très valorisée. L'improvisation n'était plus assimilée à un élément incontrôlable, mais exigeait une compétence élevée, une amélioration constante, des connaissances universelles, des capacités de pensée structurelle et la maîtrise de tout un système de techniques techniques, c'est-à-dire une véritable école. L’art de l’improvisation lui-même était également universel, couvrant non seulement la musique, mais aussi la poésie et l’art dramatique. Le maestro (comme on appelait le musicien ou le poète-improvisateur) ne devait pas répéter une œuvre mémorisée et spécialement préparée, mais avoir l'habileté de l'improvisation, c'est-à-dire de toujours introduire quelque chose de nouveau. Pas seulement de la mémoire, mais une capacité virtuose à créer à chaque minute. A cette époque, des écoles spéciales d'improvisateurs furent créées, où l'enseignant lui-même devait maîtriser cet art dans la pratique. La technique d'improvisation atteint actuellement un haut degré de développement professionnel et comprend plusieurs variétés.
La première est la transformation d'un morceau en une pièce polyphonique (ligne verticale). Or, cela s’exprime dans la pensée harmonique du musicien improvisateur moderne.
Une autre variation est la variation de nouveaux motifs et phrases qui transforment la ligne mélodique (ligne horizontale). C’est ce qu’on appelle l’improvisation linéaire.
La musique instrumentale de la Renaissance propose une variété supplémentaire : l'improvisation « libre ». Il s’agit déjà d’un aspect textural-moteur de l’improvisation, conduisant aux premières formes indépendantes de prélude, toccata, etc. On parlerait aujourd’hui d’improvisation spontanée, mais sur des bases clairement vérifiées.
Un autre type de passage est le développement, l'ornementus ou les diminutions - des modèles ornementaux d'improvisation, c'est-à-dire décorations improvisées. De nos jours, cela s'appellerait de l'improvisation paraphrase, pas tout à fait exactement, mais quand même...
L'étape suivante du développement de la culture musicale (XVIII-XIX siècles) fut le processus d'élimination de l'improvisation des compétences d'interprétation. L'art de l'improvisation devient le lot des compositeurs-interprètes individuels (organistes, pianistes, violonistes...).
C'est comme ça que ça s'est passé. C'est l'histoire.
Avant de revenir au XXe siècle, au siècle de la naissance, de la formation et du développement du jazz, j'aimerais comprendre l'improvisation elle-même, mais maintenant comme une sorte de processus interne à l'interprétation musicale.

Donc.
Voici un point de vue possible sur le processus d’improvisation lui-même.
L'improvisation repose sur certains types de mémoire. L'improvisateur crée du matériel musical à partir de certains blocs prêts à l'emploi, de segments musicaux préalablement mémorisés. L'improvisateur manipule ces blocs, les combinant comme une mosaïque. Plus le bloc est petit, plus la mosaïque est belle, plus sa coloration est originale et plus l'image artistique de la toile elle-même est élevée. Ce processus est basé sur la volonté régulatrice et le goût de l'interprète. L'improvisation est enregistrée dans la mémoire comme un événement musical mémorable, dont la valeur ne réside pas seulement dans la qualité de son intonation, mais aussi dans son caractère unique. Les modèles (tonèmes), phrases apparues au cours de cet acte musical sont collectés et catalogués dans la mémoire de l'improvisateur lui-même. Cette lave de chaleur improvisée durcit progressivement et peut être contemplée et améliorée. Par conséquent, dans le dictionnaire de composition de la musique européenne, il n’y a peut-être pas une seule phrase qui n’ait été trouvée une seule fois au cours du processus d’improvisation. En 1753, l'ouvrage « Une expérience de la manière correcte de jouer du clavier » démontre une méthode d'enseignement des techniques d'improvisation. L'improvisation individuelle a toujours nécessité une préparation minutieuse : l'école. Les improvisateurs étaient très appréciés à cette époque. Haendel improvisait souvent pendant qu'il jouait. Beethoven préparait toujours à l'avance ses improvisations publiques. Le jeune Weber pratique systématiquement la technique de l'improvisation sous la direction de l'abbé Vogler. Chaque musicien majeur a développé sa propre méthodologie pour maîtriser l'art de l'improvisation. Cela était lié à la technique individuelle d'interprétation et de composition et représentait une prise de conscience de sa propre technique de jeu. Un étudiant qui sait improviser découvrira en lui une initiative créative particulière dans son attitude envers la musique, un sens développé de la forme, du style et une mémoire tenace. Certes, le phénomène de l'improvisation a soulevé de nombreux problèmes scientifiques, puisqu'un certain décalage historique s'est fait sentir dans ce domaine. D'un intérêt particulier sont les études sur les aspects psychologiques et sociaux de l'improvisation, le développement de problèmes dans la théorie de l'intuition, la création d'un manuel de contrepoint improvisé, les diminutions, une école de rythme et d'harmonie plus détaillée et développée ; des recherches sont nécessaires sur les rapports entre mémoire et hasard, la polystylistique de l'improvisation, etc. Mais le processus a commencé et progresse avec succès.

Résumons.
Dans les débuts du jazz, nous avons des concepts tels que le rythme, l'harmonie, la mélodie, l'improvisation... Ces concepts ont des racines purement européennes, comme je l'ai souligné ci-dessus. Instruments du jazz ancien : vents, piano (ou banjo), contrebasse, batterie. Ce sont des instruments européens, sans compter peut-être le banjo et la batterie, qui ont évolué et se sont développés au fil du temps, et plus tard est apparu le saxophone. Qu’est-ce qui a déjà changé dans le jazz moderne ? La base reste la même. Musicalement, la polystylistique s'est développée et continue d'exister dans le jazz. Les instruments comprenaient une guitare électrique (d'ailleurs en 1936), plus tard une guitare basse, des claviers (synthétiseurs), ainsi que divers instruments d'un orchestre symphonique et des instruments ethniques de différentes nations.
Et pourtant le jazz est une substance totalement nouvelle, un nouvel art unique né au XXe siècle.
A quoi est-ce lié ?
Mais avant de passer aux musiciens eux-mêmes, sans lesquels cette tendance n’existerait naturellement pas dans la culture musicale moderne, je souhaite analyser un peu le tissu musical du jazz lui-même.
Comment le jazz s’est-il différencié du reste de la culture musicale à la fin du XIXe et au début du XXe siècle ? Ici, nous devons comprendre que l’infrastructure de la musique académique en Amérique était insuffisante et sous-développée pour de nombreuses raisons. C’est ici que tout a commencé. Le vide de la culture musicale a été naturellement comblé par les cultures musicales ethniques des peuples habitant ce pays. Et ce, d'autant plus que tout ici est mélangé.
1. Naturellement, les styles folkloriques des différents peuples personnifiaient dans la plupart des cas ce qu'on appelle les petites formes. Il s’agissait pratiquement de chansons et de pièces instrumentales, principalement de nature dansante.
2. Ensuite - minimiser les outils. Si dans les villes il y avait encore des instruments de musique : piano, contrebasse, instruments à vent, violons, percussions européennes, alors il y avait des instruments campagnards : harmonica, quelques petites percussions : bongos, maracas, peut-être aussi une sorte de violon rural...
3. Le style de musique personnifiait avant tout une certaine symbiose de styles de chant et de danse ethniques de cultures non européennes et européennes. Cela s'est exprimé tout d'abord en introduisant des éléments uniques caractéristiques des cultures musicales de différentes nations dans le tissu musical des mêmes chants ou pièces de danse. De plus, les racines sociales ont commencé à influencer le tissu musical du nouvel art musical émergent. Tout venait de la vie elle-même, de son mode de vie, de sa base sociale et économique. De plus, la musique rurale (country) a eu une grande influence sur la culture musicale urbaine et vice versa.
4. Et bien sûr, puisque nous parlons de la fusion des cultures musicales ethniques, alors, tout d'abord, la musique folklorique s'est toujours développée comme une tradition orale, c'est-à-dire par transmission « d'oreille à oreille » et cela a certainement eu un impact sur la formation et le développement des compétences d'improvisation des musiciens de cette époque. La renaissance de cette couche puissante de culture musicale (improvisation) a commencé, comme une sorte de base d'école principale pour la formation et le développement des compétences d'interprétation et de composition virtuoses des jeunes musiciens interprétant cette musique.
Ainsi, la culture musicale unique émergente, appelée plus tard jazz, au seuil du 20e siècle s'est avérée être une sorte de synthèse des cultures ethniques des peuples habitant l'Amérique. Naturellement, il ne pouvait être question de musique classique (académique) au début du développement du jazz. Bien que la musique instrumentale des premiers temps du reg-time puisse, dans une certaine mesure, être caractérisée comme quelques petites pièces instrumentales pour piano, proches des tendances académiques de la musique pour piano, mais d'une nature musicale tout à fait « spéciale ». Je ne voudrais pas me répéter sur l’influence de mouvements tels que le country/and/western et les premiers blues sur le développement du jazz. Un grand nombre d'ouvrages ont été écrits et réécrits sur tout cela... Nous parlons d'autre chose. Le jazz, en tant qu'art musical, s'est avéré être un moyen complètement nouveau de transmettre des informations musicales venant de l'Homme du Siècle et vers l'Homme du Siècle. Le jazz a donné naissance à une certaine substance qui a perduré dans la musique rock. Je tiens à souligner que nous ne parlons pas de l'attitude envers la musique rock comme de la musique de certains toxicomanes poilus, sales, sauvages et sans instruction, mais comme d'une énorme couche de culture musicale de la seconde moitié du XXe siècle, qui a créé un un grand nombre de chefs-d'œuvre musicaux. Ainsi, le jazz a complètement changé le concept général de l’interprétation et de la perception de la musique. Tout semble rester pareil. Il semble que rien de nouveau n’ait été inventé. Mais tout a changé. Je ne veux pas trop parler de ça. Placez côte à côte un ensemble académique (classique) et un ensemble de jazz, puis un groupe de rock. Il semble y avoir le même nombre de musiciens, mais tout est si différent. Ce qui s'est passé?
Et quelque chose s'est produit... Tous les processus ayant lieu dans la formation d'un nouveau modèle d'art musical étaient fermés aux gens. Comme pour beaucoup d’autres choses sur cette terre.
Les racines sociales de la jeune Amérique se sont développées de manière hétérogène. Il s’agissait d’une sorte d’ensemble de contradictions sociales et politiques auxquelles nous ne pouvions pas survivre un seul instant dans la vieille Europe. Ils ne pourraient même pas y apparaître. Pour le jeune nouvel État, dans lequel le système esclavagiste existait encore et où les esclaves étaient africains, la base était la croissance de l’économie. Tout a été jeté sur son développement. Beaucoup de gens dépendaient d'elle. Et pourtant, les gens restaient des gens. Quels que soient les chocs qui ont balayé leurs têtes, quels que soient les difficultés, les crimes et les violences qu'ils ont traversés, le fondement de l'Homme du siècle a été préservé : son âme. Après tout, ce qui est intéressant, c’est que lorsque l’Amérique se construisait et s’enrichissait, de nombreux Chinois occupaient les emplois les plus sales, mais l’influence des Chinois sur la naissance du jazz était peu perceptible, car ils étaient, politiquement parlant, relativement libres.
Que ce soit dans les fermes ou dans les villes, les gens, sur la base de l'économie, ont développé une certaine conscience de la division des gens entre maîtres et ouvriers, ce modèle existe fondamentalement jusqu'à ce jour. Bien qu'il existe également une deuxième couche - ce sont les politiciens et leurs employés - les fonctionnaires. Il s’agit peut-être d’un vieux modèle pour les gens, mais il fallait l’établir en Amérique. Naturellement, les « maîtres » doivent être servis par des « esclaves », et ils étaient déjà présents dans la jeune Amérique, qui a cependant persisté longtemps, même lorsque l’esclavage a été aboli. Ainsi, la question de savoir qui aurait dû jouer le plus de musique pour ces messieurs devient claire.
La suite est encore plus intéressante. Beaucoup de choses ont été écrites à ce sujet. Si quelque part dans le ranch, pour ainsi dire, les Africains pouvaient être préservés sous leur forme héréditaire, mais dans les villes, le processus d'assimilation avec la population blanche avait naturellement lieu. Cela a créé ce que nous avons aujourd’hui – les soi-disant Créoles ou Noirs américains. Plus loin et encore plus intéressant. L’assimilation crée un monde étonnant que nous appelons aujourd’hui latino-américain. À cela s’ajoute ce que les ethnographes appellent la population afro-cubaine. Ce sont ces origines qui ont aujourd’hui une énorme influence sur le jazz et pas seulement sur le jazz. Oui. On peut dire qu'il y avait et qu'il y a de nombreuses composantes musicales et ethniques africaines dans le jazz. Oui, on peut dire que bon nombre des premières stars du jazz étaient créoles, c'est-à-dire Des noirs américains mélangés à des blancs. Mais qui peut calculer à quel point d’autres sources ethno-musicales européennes ont influencé la composante du jazz : française, anglaise, espagnole, etc. ? Ou comment les origines musicales d’autres peuples non européens ont-elles influencé la composante du jazz ? Cela semble être oublié, mais en vain. J'ai parlé plus tôt des origines musicales européennes du jazz et ici, pour ainsi dire, tout est déjà clair. Mais on ne sait pas pourquoi nous nous sommes habitués au fait que ce sont les Africains qui ont « inventé » le jazz ?! J'ai peut-être tort. Peut-être que personne ne s'y est habitué. Mais d'une manière ou d'une autre, il se trouve que la population noire d'Amérique est associée au jazz. Ce n'est pas tout à fait vrai. Et ce n’est même pas du tout comme ça.
Ils me le reprocheront, mais pourquoi diviser qui était le premier et comment ils jouaient du jazz ?
Il n'y a qu'une seule objection : après tout, les Japonais, en tant que combattants de karaté, sont naturellement forts, mais de nombreux combattants dans le monde ne sont pas non plus plus faibles.
Mais ce n’est pas une bataille ou un combat.
Après tout, Basie Smith, Louis Armstrong et Duke Ellington sont des musiciens de jazz de premier plan, tout comme Gene Krupa, Benny Goodman et George Gershwin. Plus loin. Oscar Peterson, Charlie Parker, John Coltrane, mais aussi Bill Evans, Chick Corea, Randy et Michael Brecker... Mais ce n'est pas une comparaison. La comparaison n’est pas appropriée ici. Le fait est de savoir qui a divisé le jazz en noir et blanc ? Le jazz est pour moi un nouvel art unique du XXème siècle, né en Amérique, ou plus précisément aux USA, et appartenant à l'univers tout entier. Ceci n'est la propriété de personne. C'est la propriété du monde terrestre tout entier. Tout comme la musique rock. À qui appartient la musique rock ? Est-ce que ça a vraiment l'air drôle ?
Lorsque vous vivez dans ce monde, beaucoup de choses s’ouvrent différemment. Vous pouvez regarder vos pieds, vous pouvez regarder les étoiles, ou vous pouvez faire les deux.
Il y a et il y aura la liberté de choix.

Libre arbitre et conscience de l’harmonie universelle.
Et que d'harmonie il y a dans le jazz !

Le rythme est énergie et mouvement.
Et quel rythme extraordinaire et cosmique dans le jazz !

La pensée est le moteur du développement. La mélodie est une pensée. La pensée est infinie et immortelle.
Et quelle mélodie exquise en jazz !

La créativité est le flux universel qui conduit l'Homme du siècle à l'immortalité.
Et que de créativité dans le jazz !

Il était une fois quelqu'un qui me demandait :
— Le jazz est-il vraiment de la musique ?
J’étais tellement étonné que je ne pouvais même pas répondre. Le temps a passé vite. La vie a changé, les gens ont changé...
Et depuis la troisième année maintenant, j'ai commencé les cours du cours d'improvisation jazz par les mots :
— Le jazz est un phénomène unique de l'art musical...